Le Premier Bonjour

Desprezo de Godard.

2011-03-12T13:56:00.004-03:00

Le Mépris, Contempt, O Desprezo – 1963. Um filme ítalo-francês de Jean-Luc Godard.

Godard não é econômico em suas subordinações. Os créditos de abertura do filme, O desprezo (Lé Mepris, 1963), se configuram em uma narrativa de nomes, reprisada na citação de Bazin na Cinecittà em ruínas, sobre o cinema: “a representação do mundo que melhor se adéqua aos desejos mundanos”. Este mundo se proclama imageticamente por um travelling, um boom, uma câmera de 35 mm guiada pelo diretor de fotografia, e desfile desatencioso de uma secretária, este que anuncia as cores presentes de forma sutil, porém contrastante, no longa metragem em Technicolor.

Camille (Brigitte Bardot), após o gozo, permanece deitada numa ingênua exibição dos seus contornos e pergunta a seu marido, Paul, como se sabatinasse também a audiência, uma confirmação do seu amor e desejo repartidos pelos pedaços do seu estonteante corpo de pin up. É desta maneira que é construída a introdução do filme: Brigitte Bardot; um roteiro sob encomenda, Odisseu e Penélope e, por fim, o amor em prosperidade, antes do desprezo.

Na Cinecittà, Paul (Michel Piccoli) se surpreende com o fantasmagórico e gigante complexo de estúdios e teatros, palco de grandes obras cinematográficas italianas. A melancolia do local, com as suas cores lavadas e acinzentadas, que possui as marcas de um império em ruínas, parece uma parte do apelo, uma obrigação, além de econômica, que compelia o Sr. Javal a “ressucitar” o gigante em desmaio, franco declínio. Paul caminha pela Cinecittà, sem olhar para os lados, entra na sala de exibição para saborear a obra de Fritz Lang, que em pessoa, defende a poesia e a distanciação da paranóia na história de Ulisses, suas guerras e conquistas.

É, então, anunciado o começo da trama com seu plot sentimental. Toda Odisséia de Ulisses (ou Odisseu) – da guerra de Tróia, aos entraves de 20 anos que o separaram de casa: corporificados em Ciclopes, Sereias, belas deusas (Calipso) e feiticeiras (Circe), e, por fim o retorno à Pátria e a Penélope – é resumida, na versão de Lang, em teatralizadas ações dos poucos personagens e sintetizada na impositiva pose das estátuas (Atenas e Poseidon), herança grega. O dinheiro da máquina cinematográfica entra como entrave de repulsa a esta representação florida e cheia de filosofia do produto que deveria ser épico (feroz, porque não violente) e com bilheteria garantida. Eis, então, as pinceladas biográficas: o Sr. Godard fora convidado por Carlo Ponti para realizar um filme com maior budget que o diretor teve em mãos. Mastroiani foi recusado como ator principal, que venha a Bardot e seus banhos de Eva sob sol.

Uma triangulação temática: Homero, Cinema versus vida, Camille e Paul. Assim se desenrola a trama, depois da apresentação que Lang faz do seu filme-arte – sua versão da Odisséia. Uma obra sublime, uma arte sutil “que não se opõem à natureza” e ainda carrega em si citações alighierianas e sua divina comédia. A montagem possui um importante papel nestes paralelismos (ou múltiplas estórias), uma vez que, as contraposições de momentos do casal, com a história homérica e a continuidade serena da filmagem dos caminhos de Odisseu em meio à tragédia que intercepta a realidade e ficção, se configuram como um elo que conecta o triângulo dramático.

Os espaços que dividem quadros e momentos do casal, no novo e luxuoso apartamento é o palco da consolidação do desprezo. Os diálogos Godardianos são exemplarmente enquadrados, entre as cômodas da nova casa, as quais possuem adereços e detalhes que contracenam com os personagens. Camille rejeita Paul, a quem amava em retorno “totalmente, ternamente e tragicamente”. Um simples detalhe, que de acordo com as próprias palavras citadas no filme, são correspondentes à trajetória amorosa de Ulisses e Penélope – seriam os vinte anos ambulantes pouco amor ou desamor? Paul, em contramão, é menos audaz e bravo que Ulisses, mas desatenções com a dádiva da fidelidade de Camille, e fáceis concessões da companhia da sua esposa ao manipulador e ditador Prokosh, fazem-na questionar certezas deste amor total. “Teria, então, Odisseu de matar os pretendentes para recuperar o amor de Penélope?”. Esta versão não apareceria no desprezo, de Godard.

Em meio a citações, poesias, filósofos e, principalmente símbolos mitológicos, Godard abre sutis parênteses que aparentam ser um diário onipresente das marcas de sua própria biografia. Bardot, deixando a banheira, se enrola numa toalha vermelho-sangue e assume a postura ou papel de Anna Karina. Aquela peruca e olhos grandes com maquilagem forte parece transfigurar a musa para um momento de crise dum casamento, não de Camille, mas do próprio Godard. Outro personagem que comunica esta biografia narrada em imagens ou que trás citações e resgates de obras anteriores do diretor é a figura de Fritz Lang. Ele, que assume uma postura neutra, porém extremamente forte em suas pregações, trás à mente do espectador o filósofo de “Vivre sa Vie”, a obra em doze “tableaux” que Godard finaliza um ano antes de “Le Mépris (1963)”. Este filósofo fala do amor e da necessidade (desesperada) que nós homens temos dos diálogos, de expressões vazias ou distorcidas da menor coisa que sintamos, ou não. O falar pelo simples prazer de ouvir a nossa própria voz e vaidade.

O que fragmenta e une, assim como na Torre de Babel, são os diferentes idiomas e as contraposições entre espaço, paraíso e claustro de quatro personagens os quais se relacionam, a priori, simplesmente por causa do roteiro. A Ilha de Capri fica em segundo plano, quando enfocados estão os entraves de diálogo do casal em decadência. As escadas da luxuosa casa de Prokosh parecem os estágios do Monte Purgatório, guiando os transeuntes para o paraíso ou Inferno, sendo a sala de vidros uma espécie de tribunal divino e o sênior Fritz Lang, o anjo julgador ou, pelo menos, testemunha do ménage atribulado. O azul e plácido Mar Mediterrâneo é o lar das sereias e a contemplação de Ulisses, que de braços estendidos comemora o retorno à sua Pátria e o fim (parcial) da Odisséia.

Crítica do jornal New York Times:

http://www.nytimes.com/2008/03/09/movies/09raff.html

O terror imagético de Hitchcock

2011-03-12T13:51:00.002-03:00

Este diretor não é apenas um criador, mas um homem de suma importância, o qual fora aclamado por cineastas franceses da Nouvelle Vague (daí o nascimento de um dos debates mais famosos sobre e do cinema, que primeiro fora publicado no Cahiers du Cinéma para, em 1967, se tornar um livro de entrevistas “Hitchcock/Truffaut: Entrevistas”,) e que, há mais de 60 anos, tem as suas obras consideradas como referenciais para a linguagem cinematográfica e, também por este motivo são largamente reproduzidas por novos realizadores dos mais diversos gêneros fílmicos. Partindo desta breve apresentação, tenho à frente como tarefa aterrorizante discorrer sobre uma das suas maiores obras primas.

Mais que um desafio, falar sobre Psicose (Psycho, EUA, 1960) é uma peregrinação na teoria, no cinema e nos quilômetros de textos, artigos e opiniões que foram criados e versados sobre este filme no longo dos seus 49 anos de existência. Não é por acaso que Psycho é considerado um dos maiores thrillers de toda história do cinematógrafo, já que ele foi o mais copiado e seus símbolos são referências que perduram nos vários filmes do gênero ao longo dos anos. Quantos lançamentos e longa-metragem terminados depois de 1960 tiveram faca com arma mortífera e quantas são as repetidas cenas de mocinhas distraídas tomando seu sexy banho que tem, depois de observados, seus contornos friamente esfaqueados, sendo assim assassinada?

Neste filme, feito com um dos menores orçamentos já utilizados pelo diretor, Hitchcock ousou em experimentações. Ele estava decidido a construir e instaurar o horror, medo e aflição na cabeça do espectador, eliminando excessos de violência na tela. Para isso, o diretor faz uso de mecanismos que envolvem desde a divulgação do seu longa-metragem, à fotografia, da música à montagem. Estas técnicas foram sabiamente utilizadas para criar a tensão. Como estratégia de marketing e uma maneira de prender os espectadores a todos os detalhes da trama, posters com Hitchcock anunciavam o filme, proibindo os espectadores que entrassem na seção depois que ela já estivesse começado. Esta estratégia foi pensada já que ele queria que a platéia se intrigasse com aquela personagem principal (Janet Leigh), uma secretária comum, com aflições comuns, mas que cometeria um grave delito. Prestes a se desfazer do erro, facadas lhe tiram os sentidos e o arrependimento... Isto significa dizer que, antes de criar amor ou ódio pela personagem, em menos de 50 minutos ela foi abrupta e inesperadamente extinta das telonas, sem escatologias.

O sangue e as vísceras foram trocados pelos mecanismos fílmicos de contar a história imageticamente. A montagem da cena que é a mais importante do filme (Marion Crane sendo morta a facadas na banheira) é complexa e, apesar de extremamente clipada, misteriosa. Em 45 segundos de filme, que são compreendidos entre o voyeurismo de Norman Bates (Anthony Perkins) e a execução de Marion (Janet Leigh), o diretor utilizou mais de 70 posições de câmeras diferentes, 70 maneiras de ver a senhorita Crane, seu sangue descendo pelo ralo e seu olho morto. Além disso, a fotografia a qual se expressa através de close ups, plongées e desfoques reforçavam a tensão que é ritmada pela obra musical de Bernard Herrmann.

Outra assinatura de Hitchcock que fora grande responsável pela imortalização deste masterpiece foi o seu trabalho de câmera com enquadramentos econômicos, mas expressivos. Em entrevista a Truffaut, o cineasta afirma que ele utiliza a “fabricação de imagens” a seu favor para que consiga expressar o máximo de realismo para os espectadores, sem necessariamente “sujar suas mãos com isso”. Este é o fatídico caso da cena em que Norman encontra a moça morta em seu banheiro. O que Hitchcock dá ao espectador? O mínimo: manchas de sangue e um corpo caído (do qual só os pés são enquadrados). O resto da cena a própria platéia está imbuída de preencher, na sua cabeça ou pesadelos.

Um épico, segundo Carl Theodor Dreyer.

2011-03-12T13:39:00.006-03:00

O gênero cinematográfico comumente conhecido por ‘épico’ é o responsável pela representação objetiva da antologia e vida de heróis ou de um povo, em um determinado período histórico. Uma jovem heroína, em 1420, foi submetida a um claustro, julgamento e posterior execução na fogueira. Esta é uma parte da ‘real’ história (que, devido ao longo tempo dos acontecimentos, se preencheu, naturalmente, de mitos) de Joana d’Arc representada numa obra prima de 88 minutos, repleta de poéticas imagens em movimento e progressão que marcaram a história do cinema.

Carl Theodor Dreyer, diretor de “Le passion de Jeanne d’Arc” fez escolhas subversivas para a representação da história da “Pucelle d’Orleans”, a padroeira da França. Suas preferências foram focadas na construção de uma narrativa que explorasse a história de Joana d’Arc segundo a universalidade do sentimento da Paixão. A partir daí, percebe-se os indícios de revolução do gênero épico, uma vez que a subjetividade do diretor será ressaltada para contar um fato baseado em documentos e registros, mas preponderante, baseado no ardor e sensibilidade do onisciente narrador da história – o qual imprimiu os últimos meses de vida da legendária Joana, com fé e paixão tão grandes que o martírio parecia ser também seu.

Deslocando a atenção do espectador que geralmente é fragmentada nas grandes paisagens, enormes produções e na numerosa quantidade de figurantes e detalhes cenográficos, o diretor irá “reler” o monólogo teatral transfigurando-o em close-ups. Isto porque ele queria registrar essencialmente o desespero, o sofrimento, amor e fé da menina Joana, reencarnada por Renée Maria Falconetti. Segundo o teórico húngaro Bela Balázs, os olhos e as expressões faciais são os mais ‘honestos’ transmissores das emoções humanas intrínsecas, mais verdadeiras. Ele acredita ainda que os

“close-ups nos filmes constituem poderoso instrumento de um antropomorfismo visual. Criando um mundo à nossa imagem, os objetos apenas refletem uma expressividade que lhes foi emprestada pelas expressões humanas neles projetadas. Portanto quando o close-up levanta o véu de nossa incapacidade perceptiva e nos mostra a face dos objetos, o que ele nos mostra é o homem. Mas importante do que a fisionomia das coisas foi descobrir a face humana.”[1]

Dreyer optou pelo singelo e sutil – os close-ups – os quais requerem um esforço sobre-humano e totalmente realista de quem atua: o mínimo erro não pode ser disfarçado, velado; ele deve ser refeito inúmeras e exaustivas vezes. Enxugando todo o excesso contido no teatro, os olhos de Joana (confundidos com os de Falconetti) transparecem todos os momentos enfrentados pela virgem na sua prisão e tortura. Sensações que perpassavam do estado de graça ao terror do desespero foram concebidas em cada movimento e tenuidade do rosto de Renée, dispensando o uso de maquiagens, palavras, subtítulos ou qualquer mecanismo cinematográfico.

A anulação do over de artefatos cinematográficos e a economia dos elementos da Mis-en-scène (com exceção da performance, como foi já dito) foram estratégias reforçadoras da sensibilidade e da essência humanas, muito bem salientada por Bela Balázs. Estas táticas foram precisamente estudadas e mais uma vez a escolha do close-up se configura como um subversor da epopéia, esta que requer grandezas de número não de sutilezas. Isto porque, com o plano fechado se tornam prescindíveis detalhes de vestimentas, de cenografia – ou qualquer aspecto do detalhe exterior. O corpo e sentimento do ator acabam por se tornar o set onde a história e as filmagens vivem. Analisando a luz, os objetos de cena, a maquiagem, os efeitos e o figurino que Dreyer empregou no seu filme, entende-se seu fascínio intencional pelo rosto.

A exclusão (quase total) dos objetos de cena e a predominância do branco nas locações – como a sala de interrogatório e o dormitório-sela onde Joana ficava trancada –, além do uso da luz focal (como o holofote, no teatro) formam um conjunto de estratégias que dirigem a atenção TOTAL do espectador à atriz e o seu trabalho impecável. Além do estratégico uso da luz e close-ups, a magnífica fotografia de Rudolf Maté dialoga com a revelação dos sentimentos da mártir. Os contrastes estabelecidos entre a inocência de Joana e a inquisição corruptiva dos clérigos foram bem impressos pelo trabalho de câmera. A cena de abertura, com um travelling lateral revelando a quantidade de monges e homens religiosos reunidos num tribunal malicioso, o uso da plongeé – diminuindo ou suprimindo Joana – e da contra-plongeé – enaltecendo os carrascos, juízes e religiosos naquele que seria o primeiro tribunal da menina, são alguns dos poucos exemplos de como a câmera trabalhou favoravelmente à exuberante atuação e à econômica utilização dos elementos cênicos do cinema.

Não é difícil notar que os poucos objetos e símbolos destacados em primeiro plano assim foram postos para ratificar e comunicar algo aos espectadores, como por exemplo, o gradil da sela de Joana que tinha formato de cruz (foto 1)– maior e mais representativa insígnia da Igreja Católica – ou mesmo a sarcástica coroação (foto 2) que os guardas ingleses executaram na menina, em prantos.

(Foto 1)

(Foto 2)

A ausência não era, porém, restrita aos artefatos, alegorias ou marcas visuais. Por limitações da época, Dreyer optou pelo total e absoluto silêncio para acompanhar a saga de Joana d’Arc. Esta escolha drástica incomodou a muitos, inclusive ao crítico da Cahiers Du Cinéma André Bazin, que acreditava no poder reforçador que o som e ritmo dão ao filme. A omissão dos sons aumentava a aflição daquela que estava em primeiro plano. Nós, os espectadores, assim como Nana em “Vivre sa Vie” (Godard, 1962) [2]repartíamos a angústia e toda dor de Falconetti em supressor silêncio, cortado apenas pelos soluços das testemunhas. Em 1988, todavia, Richard Einhorn criou um coro que era uma mistura de Oratório e Orquestra para embalar todos os momentos que compuseram o martírio de Joana d’Arc. Não sei qual das opções torna a angústia mais embaraçosa e insuportável, mas sem nenhuma dúvida a trilha sonora “Voices of Light” se caracteriza como um grandioso presente para uma obra silenciosamente majestosa.

[1] Roberto Acioli de Oliveira escreve sobre “Bela Balázs e os Close-ups” no Blog Cinema Europeu. Disponível no link .

[2] Em 1962, Nana vai ao cinema assistir o filme “Le passion de Jeanne d’Arc”. Em “Vivre sa Vie”, dirigido por Jean-Luc Godard há exatamente o registro do filme de Dreyer como ele havia concebido – com ausência total de sons. Muito me surpreende, porém, a visão dum fragmento do filme de Dreyer em 1962, uma vez que na abertura do longa-metragem em questão, há uma legenda do restaurador salientando as grandes tragédias que envolveram as películas desta obra de 1928 – incêndio e quase perda total do filme. Será que a Cinemateca Francesa conseguiu arquivar algum fragmento do filme “O martírio de Joana d’Arc” antes da sua total restauração na década de 80?

Colecionando histórias, vivendo vidas.

2010-07-08T00:35:00.003-03:00

Uma retrospectiva da minha jornada, nos últimos 6 meses. Caminhada acompanhada, passos, crescimento. Assim gosto de interpretar o capítulo da minha história, sempre atualizada no correr dos dias. Fico mesmo admirada com a quantidade e a intensa vivência dos meus acontecidos. Mais admirada ainda é notar que a pausa é a única capaz de me fazer perceber os pontos a mais aprendido, os pontos a mais colecionados: viver, experenciar, errar, acertar, chorar, sorrir, labirinto do tempo, delícias da vida.

Janeiro, 7 meses atrás, dentro do carro recém chegado da Chapada Diamantina, descarrego minhas malas para o descanso na fazenda Paty (Conceição de Feira). Numa fulgurante vontade de viver (INTENSA E CALOROSAMENTE) a paixão nova, o carro vermelho corta BR's e litorais: Algodões – Barra Grande – Canavieiras – Monte Pascoal – Itaúnas (ES) – Campos do Goitacazes (RJ) – Niterói – Rio de Janeiro.

No Rio pausa para: Funk na Cidade de Deus; The Week & Hax, Samba, PROJAC, Urca, Jardim Botânico, Lapa, Praias. A cidade maravilhosa parecia escrito propositadamente nesta jornada aqui narrada como um intenso montante de sonhos sorridentes...

Retornando continentalmente: Vitória (ES) – Vitória da Conquista (BA) – Salvador. Um mês errante. Roubo, raiva, gozo, vontade, céus, sóis, nuvens, comida, saudades, fuga, encontros.

Carnaval à porta e o carro novamente visita litorais, agora nordestinos. Olinda – Boa Viagem – Maratuípe – Maceió... e o eterno retorno à casa que me abre os peitos, e me afaga excitações. O verão vai acabando sem fotos, o dinheiro se esvai nas somas vividas e a vontade de trabalhar palpita.

Em Abril eis que surge o Juazeiro com seus doentes, farmácias e o Velho Chico em Calmaria rotineira. Na louca palpitação da Conspira, beira meu caminho: Roteadouro- Curaçá – Serra do Mulato – Petrolina – Fazenda Hortivale. Em Maio nos banhamos nas ferrosas águas da Chapada, estas que banham as praias do Paraguaçu, brilham na Gruta Azul e palpitam na Cachoeira do Buracão.

Meios de maio: marco zero para experiência Ilhéus. Deparando-me com russos e cariocas, conheço, no Porto da Cidade, a visão em cima de um Guindaste, o suco delicioso e a simpatia do amigo Arthur. Durante os dias cruzam à minha experiência fazendas cacaueiras, sacolas de juta, pequenas e enormes sedes de produção do Cacau abandonadas, mas lindas guardiãs da virgem Mata Atlântica.

Salvador, Deus me acuda, um “curta-longa com orçamento de vídeo”. Sr. Nilson, Sr. Ivan, André, Sr. Umberto (e mais pessoinhas brilhantes escavadas nos pontos mais incomuns desta cidade tão dessemelhante, como dizia o Gregório) foram as importantes aquisições dos meus dias de junho, para eternidade!

Dia 24/06, cavalos, fazenda Paty, jogos, seleção, descanso, desentendimento, acordos. Longitude máxima de barulho, longe, portanto, do forró.

Retorno à casa, glândulas inflamadas, médicos, biquínis novos e malas prontas para Boipeba. Na glamorosa e estonteante ilha, chuva, reality espanhol, família, boa comida, sonhos acordadas, sono largado, lagosta do Guido e sol inesperado. Torrinhas trás o jambo e o caminho para próxima parada.

Em Maracás, tremo com o frio impiedoso, choro com contas catastróficas e a mente borbulha em dúvidas sobre o próximo passo....
Em breves linhas gerais, assim termina o relato do que chamei até aqui de Jornada atual da minha vida. O sétimo mês do meu 2010 começa sem a certeza certeira do elemento (surpresa?) da minha irrotina do amanhã (graças aos céus) interminável!

Por Emilly Dias no dia 5/7/2010

Foto 1: Renata Marques

Foto 2: Helmut Newton

O terror imagético de Hitchcock.

2009-12-01T13:52:00.008-03:00

Alfred Hitchcock é um guru cinematográfico. Cresceu profissionalmente trabalhando com grandiosos diretores, como F. W. Murnau e sua cabeça, desde criança, sempre fora tomada pela literatura. Seu perfeccionismo é facilmente diagnosticado nas suas películas, cujas cenas eram ampla e exaustivamente estudadas e testadas (através de story boards, ensaios e retakes) até que tudo ficasse imageticamente e hitchcockianamente comunicável, apreciável e impressionante. Testar técnicas, causar dúvidas, pânico e intriga no público era seu hobby e dever favoritos.
Este diretor não é apenas um criador, mas um homem de suma importância, o qual fora aclamado por cineastas franceses da Nouvelle Vague (daí o nascimento de um dos debates mais famosos sobre e do cinema, que primeiro fora publicado no Cahiers du Cinéma para, em 1967, se tornar um livro de entrevistas “Hitchcock/Truffaut: Entrevistas”,) e que, há mais de 60 anos, tem as suas obras consideradas como referenciais para a linguagem cinematográfica e, também por este motivo são largamente reproduzidas por novos realizadores dos mais diversos gêneros fílmicos. Partindo desta breve apresentação, tenho à frente como tarefa aterrorizante discorrer sobre uma das suas maiores obras primas.
Mais que um desafio, falar sobre Psicose (Psycho, EUA, 1960) é uma peregrinação na teoria, no cinema e nos quilômetros de textos, artigos e opiniões que foram criados e versados sobre este filme no longo dos seus 49 anos de existência. Não é por acaso que Psycho é considerado um dos maiores thrillers de toda história do cinematógrafo, já que ele foi o mais copiado e seus símbolos são referências que perduram nos vários filmes do gênero ao longo dos anos. Quantos lançamentos e longa-metragem terminados depois de 1960 tiveram faca com arma mortífera e quantas são as repetidas cenas de mocinhas distraídas tomando seu sexy banho que tem, depois de observados, seus contornos friamente esfaqueados, sendo assim assassinada?

Como estratégia de marketing e uma maneira de prender os espectadores a todos os detalhes da trama, posters com Hitchcock anunciavam o filme, proibindo os espectadores que entrassem na seção depois que ela já estivesse começado. Esta estratégia foi pensada já que ele queria que a platéia se intrigasse com aquela personagem principal (Janet Leigh), uma secretária comum, com aflições comuns, mas que cometeria um grave delito. Prestes a se desfazer do erro, facadas lhe tiram os sentidos e o arrependimento... Isto significa dizer que, antes de criar amor ou ódio pela personagem, em menos de 50 minutos ela foi abrupta e inesperadamente extinta das telonas, sem escatologias. O sangue e as vísceras foram trocados pelos mecanismos fílmicos de contar a história imageticamente. A montagem da cena que é a mais importante do filme (Marion Crane sendo morta a facadas na banheira) é complexa e, apesar de extremamente clipada, misteriosa. Em 45 segundos de filme, que são compreendidos entre o voyeurismo de Norman Bates (Anthony Perkins) e a execução de Marion (Janet Leigh), o diretor utilizou mais de 70 posições de câmeras diferentes, 70 maneiras de ver a senhorita Crane, seu sangue descendo pelo ralo e seu olho morto. Além disso, a fotografia a qual se expressa através de close ups, plongées e desfoques reforçavam a tensão que é ritmada pela obra musical de Bernard Herrmann.
Outra assinatura de Hitchcock que fora grande responsável pela imortalização deste masterpiece foi o seu trabalho de câmera com enquadramentos econômicos, mas expressivos. Em entrevista a Truffaut, o cineasta afirma que ele utiliza a “fabricação de imagens” a seu favor para que consiga expressar o máximo de realismo para os espectadores, sem necessariamente “sujar suas mãos com isso”. Este é o fatídico caso da cena em que Norman encontra a moça morta em seu banheiro. O que Hitchcock dá ao espectador? O mínimo: manchas de sangue e um corpo caído (do qual só os pés são enquadrados). O resto da cena a própria platéia está imbuída de preencher, na sua cabeça ou pesadelos.

Por Emilly Dias em 12/05/2009

Liberdade X Escolha

2009-05-25T14:46:00.006-03:00

Tô lendo Hagen e tenho chorado todos os dias, neste vai e vem do não pensar. Não pensar para viver e viver para ver. Então caminho. 4 dias, pela Barra. Manhã e noite. Sol fresco e maresia penetrante. Corro displicente, vendo a gente ao meu lado. Tão diferente, tantas cores e línguas, tantos jeitos de andar. E bebo, a fresca água do coco semi-aberto e penso na próxima página.Depois, de mais uns passos, a única coisa que sinto é a pulsação da minha respiração e como é bom estar assim... Nunca fui tão grata à vida e tão ajustável a ela. Nunca vi tanta beleza. Não me importam as buzinas, nem os que impedem o fluxo. O importante é continuar em frente. Assim, transparente. Estou me sentindo: uma vez, ainda não tarde e nem sequer preciso me tocar. Não preciso me olhar no espelho, na sombra, nem nos olhos dos outros. Me sinto, sentindo - coisas, que como o girassol ou dizia o Pessoa, não cega os olhos porque não requer pensamento. Não mais terei medo de te olhar. E nem tenha você medo de me abraçar...E este elo continua. A corrente dos infindáveis começos.

"Vivemos numa cultura em que nos ensinam

a ver a liberdade como o aumento da escolha.

Mas esta de fato não é a verdadeira liberdade".

Steve Hagen

Van Gogh, Flowering Plm Tree, 1887

Leonora Carrington

2009-05-12T13:24:00.006-03:00

A tarde receberá uma visita.
Ainda não sei a hora precisa.
Ou o momento da espera.

Vai ouvir uma ligação e saciar no vinho seu gosto pelo sangue...
Procurando, talvez, "os sete dias para viver a sua vida" senão as "sete maneiras de morrer".

Cantando gentilmente, o Bowie fala de palavras não ouvidas, tbm.

Então, After Hours, lhe envio Sedwick, Wahrol e Velvet Underground.
Deste triângulo fico com o casal da Fábrica: fabric Girl e o excêntrico artista.
Pulso, experimentações... que falta fazem estas mulheres com atitude de menina, que marcam a história!

Leonora Carrington in Labyrinth, 1991

Toyen in Slumbering Woman, 1937

Leonora Carrington and Max Ernst by Lee Miller, 1937

Lee Miller, Solarised portrait of a woman thought to be Meret Oppenheim, 1930

Links sobre fotos e trabalhos Vintages:

Vintage Posters + Kapa Baac + Found + Lee Miller Archieves

Considerações sobre "O Homem que Não Dormia"

2009-05-09T13:07:00.003-03:00

Hot Air Ballon

Estava ontem com grande tempo para pensar enquanto apreciava toda a paisagem que deixava pr'atrás. E toda história também. Fiquei 3 meses sem pensar em escrever e minha escrita não imprimia reflexões, mas despesas. Findado o elo (fílmico) deliciosíssimo com as serras de Igatú, rabisquei num pedaço de fita crepe (única superfície "riscante"próxima da minha caneta) algumas palavras, que foram sintetizadas num vôo de balão, ou quem sabe das bolinhas de sabão que voavam e vorammais que o padre paranóico...

De novo

Retorno

Começos parados

nos meses passados

Planos

concretos em tempos discretos

precisamente pensados

em ações perfeccionistas

perversas artes

em futuros*,

próxima conquista...

Foto retirada do blog Miúdos Criativos

Avalanche de comunicações

2008-11-21T01:36:00.004-03:00

19 de novembro foi o dia crucial do Festival Internacional de Televisão, na sua etapa em Salvador. Trazendo um Power Point recheado de informações visuais, além de conteúdos que visavam o esclarecimento sobre a TV digital, Luis Olivalves debateu, informalmente sobre este tema que levantou muitas dúvidas, medos e, principalmente, controvérsias.
Na abertura de sua fala, ele ressaltou três vieses fundamentais para o conceito deste novo media: mercado, interatividade e mudanças na forma de comunicar. Apontando as diversas seções que compõem a Band – como as TVs abertas e fechadas, as estações de rádio e os outros meios, como celular, portal, TV minuto, entre outros – o palestrante alertou os ouvintes para a perspectiva da nova visão de consumidor, que está cada vez mais participativo e multimídia, requerendo, assim, mudanças estruturais no fazer televisivo em todos os seus âmbitos de produção.
Diagnosticada as mudanças de consumo e comportamento, Olivalves observa que o trunfo da TV digital está exatamente na mobilidade e portabilidade, uma vez que as possibilidades de acesso ampliaram vertiginosamente com auxílio do WI FI, de celulares, Laptops, Palmtops. Além disso, a High Definition Television (HDTV) trará uma nova forma de sensibilização deste consumidor mais exigente. As emissoras terão de apostar em novos mecanismos de construção de cenário, maquiagem. A linguagem muda invariavelmente e o conteúdo tem, agora, a possibilidade (potencial) de ser mais diversificado, multifacetado. A colocação se vale, pois, como não é difícil de ser percebida “a televisão aberta brasileira é a mais fechada do mundo”, já diz Luis Antonio Silveira, conselheiro da ABPI-TV.
As vantagens de mercado da TV digital foram listadas por Olivalves, que teve a preocupação de salientar o papel que a indústria da comunicação e consumidores exercem neste contexto de mudanças. As vantagens são: possibilidade de canal de retorno; maior quantidade de canais por cidade (fator que ampliaria a competição); novas licenças a serem exploradas (abrindo, assim, precedentes para novas formas de arrecadação); consolidação da TV pública com maior amplitude e possibilidade de espectadores; nivelamento da experiência de TV (aumentando, assim a qualidade de recepção e a experiência do espectador); além da portabilidade e mobilidade como alianças, visando a multiplicidade de recepção.
Focando os níveis técnicos, Luis explicou o funcionamento da transmissão de sinais e como se configuraria essa nova TV, explicitando considerações sobre: HDTV, Ginga, Interatividade, MPEG4, Áudio digital 5.1, receptor Set Top Box, multiprogramação, dentre diversos outros conceitos que compõem o mundo da TV digital. O público em geral, entretanto, estava ansioso por respostas voltadas ao conteúdo – seria a democratização da produção televisiva realmente possível? Ouriçados, os ouvintes, debatiam sobre as mudanças estruturais duma TV homogeneizada, que produz para e somente para o mercado, subjugando valores como educação, entretenimento de qualidade, informações fundadas, permissividade ao acesso de diferentes dicionários e pontos de vista menos estreitos e bitolados.
A televisão sofreria mudanças significativas na qualidade da sua programação? Como seriam resolvidas as questões vinculadas às concessões e liberações de canais? Seriam elas caras e inacessíveis às pequenas produtoras? Estariam elas, ainda, servindo de barganha política ou concentradas e sob vigília das grandes emissoras brasileiras? Haverá, um dia, qualidade disponível na TV aberta nacional? Terão, os espectadores, livre arbítrio para escolher o conteúdo que deseja consumir? .... Sem poder responder precisamente a estas perguntas, Luis finaliza sua apresentação, sob aplausos de aprovação da platéia, dizendo que todo o caminho trilhado a partir da implementação da TV digital é incerto. “A tecnologia veio para alterar o negócio” e nós, produtores de conteúdo e audiovisual, devemos estar abertos a todo este panorama se quisermos, visionariamente, resolver os problemas dum próximo futuro, que virá como uma avalanche - a avalanche das comunicações.

Por Emilly Dias

Palestra sobre a TV Digital por Luis Olivalves – diretor de interatividade da BAND (do grupo BAND de comunicação).

Fragmentos do eu.

2008-11-13T21:48:00.003-03:00

Salvador 28 de outubro de 2008.

Infracto em sentidos e suas limitações, questões, extensões e dualidades, o homem é representado no espetáculo de dança contemporânea, assinado e dirigido por Ivani Santana. O sujeito – Eu, o indivíduo.
Com emprego de técnicas que pressupõem a mixagem do audiovisual, ironia, trabalho corporal, cenário inacreditável, práticas de interação e labirintos (sejam eles temáticos ou espaciais), a montagem desafia o espectador, instiga-o a romper os padrões de receptor passivo – platéia; explora a escatologia do mundo em que todos estamos inseridos, além de discutir, sobretudo, o papel social deste homem perdido nas classificações modernas, pós-modernas.
As possibilidades são muitas. As extensões alongam as percepções presas aos bancos de madeira delimitados por linhas brancas. As projeções são o nosso espelho e deformação.
1,2,3,4... Tempo, espaço, velocidade, castrações. Risos apontam a ironia ou a histérica (i) razão do ser, e disputam com o silêncio o limiar deste reconhecimento. Os olhos, arregalados captam as limitações e encaram os ouvintes: “me desafie, se desafie”.
O corpo paira nas reentrâncias do MAM subterrâneo, com passos em arritmia e balanço, exaltados pelos músculos nervosos, respiração controlada, dançante.
O Minotauro é a representação das nossas conturbações mentais e nós somos o Teseu: único guia que alcançará a saída deste labiríntico mundo da psique – eliminando ou domando esta besta, desenfreada.
As interações do corpo, sentido, áudio, ritmo, sonoplastia, visual e cenário fazem de “Eu” uma experiência estética desafiante e um banquete para nossas aspirações edipianas, autodesafiadora, descontente e complexa.

Por Emilly Dias

Apresentado no Festival Internacional de Artes Cênicas (FIAC):

http://www.fiacbahia.com/index.php?option=com_content&view=article&id=89&Itemid=85

Czech Images

2008-10-08T10:03:00.005-03:00

The Shop on Main Street (1965) – Elmar Klos and Jan Kadar

Loves of a Blonde (1965) – Milos Forman

The Fireman's Ball (1967) – Milos Forman

Slide show - Stomp (faltam os vídeos)

2008-10-03T08:20:00.004-03:00

Fevereiro, 2007.

2008-09-20T10:16:00.001-03:00

Faltando dois minutos para pôr o telefone no gancho, a vontade de se abrir aparace, mas a voz não sai.

er...

Acho q às vezes fico meio assim, imaginando uma roda gigante de acontecimentos felizes.
Esqueço, apago as lembranças doidas desse fevereiro e engreno nas fantasias do atual, do novo.
Não quero voltar a discutir isso.

Mas você está certo mesmo. E, desde quarta-feira a noite, me mostra como estou sendo infantil em sonhar no meu mundo de polyana.
Tenho q me lembrar que a nossa história entrou pra outra direção, por escolha minha.

Não falo em arrependimento.
De liberdade, talvez, mas há um pouco de falta de força. (Medo?!)

Seu papel é esse mesmo, me manter atenta (pelo menos por enquanto).

Não posso mais somatizar nada.
(me)viverei e (me)fecharei um pouco mais em mim mesma.
Só assim perpetuo o meu dia de ontem:
ter cuidado e responsabilidade para mim e comigo mesma.

Não adianta acreditar no corpo fechdo.

É isso.

Final de telefonema

Photo: Donna Roberts

Portrait of Bunuel, 1924

2008-03-05T13:46:00.003-03:00

" These clouds in the portrait are a quotation from Matagna's "Death of the virgin", at Prado. They reappear in 1929 film "Un chien Andalou" on which Dali colaborated with Bunuel. Mantagna's clouds pass ouver the moon just before the famous sequence of the razor cutting the eye".

Paixões que alucinam

2007-12-26T00:01:00.000-03:00

Um dos meus professores, o renomado crítico de cinema André Setaro falou, durante um comentário sobre distribuição de filmes no Brasil, que as traduções dos títulos para português geralmente eram feitas por verdadeiros caça-níqueis, portanto pessoas/empresas um tanto quanto despreocupadas com a originalidade, conteúdo e temática que os filmes pudessem apresentar.
Olhando para a capa, que eu estava em mãos, da cópia brasileira de 'Paixões que Alucinam' cheguei até a rir, pensando o quão sórdido foram os distribuidores, ao porem na foto da capa dois homens se olhando e acima deles, em letras garrafais o anúncio de 'paixões alucinantes'.
Ri de verdade, mas depois de me recompor resolvi analisar o nome por uma outra instância.
Como mencionei no crítica que fiz ao filme /postada em outubro http://le-premier-bon-jour.blogspot.com/2006/10/shock-corridor.html/, cujo título original é Shock Corridor, a temática principal dele, posicionada na figura de Johny Barret, é a obsessão por sucesso.

Uma paixão, até certa medida, pode ser regada pelo elemento que é muito bem abordado no longa: a loucura. E, no caso de Barret, a paixão pelos cliques, reconhecimento, sucesso e dinheiro a todo e qualquer custo tornou não só alucinante a paixão do personagem como, também, doentia.
"Não sei" se os distribuidores pretendiam significar isso ao traduzir o nome desta excelente obra de Samuel Fuller, mas eu pude, depois de gargalhadas e reflexões chegar a este acordo com o passado, sem permissão, mas muita vontade.

Por Emilly Dias.

Capa do filme no Brasil:

Blow Up

2007-12-25T23:38:00.000-03:00

Londres vigia, massifica seus diferentes, seus cosmopolitas, sua vida humana e urbana. Londres é cultural, porém sua tradição espreita todo caminhar, ruas e cotidiano. Londres é Beatles, Led Zeppelin, Yard Birds, Pink Floyd. Londres é cinzenta, incomunicável. Londres é fashion, diversidade, é sonho. Londres oprime e liberta. Todas essas contradições e idiossincrasias são retratadas por um italiano vivido na Itália pós-guerra calorosamente barulhenta, familiar, amigável, tradicional: um dos berços da civilização ocidental. Preocupado com a superficialidade das relações humanas do mundo moderno, Michelangelo Antonioni dirige seus filmes sob ótica e percepção inovadoras para retratar a incomunicabilidade a qual todos os cidadão capitalistas e capitalizados estão submetidos. Em seu primeiro filme de língua inglesa, Antonioni escolheu Londres como plano de fundo perpetuador da sua temática. Pelos motivos citados acima, dentre muitos outros, a capital inglesa é extremamente qualificada para tal abordagem, uma vez que ela inspira, ao mesmo tempo, a vigilância constante do Big Brother cotidiano e a efervescência em todos os aspectos da tentacular cultura: seja ela sociológica ou antropológica.
Sabendo disso, o diretor foi explorar as diretrizes do orbe burguesa contida em Londres na década de 60: sexo, drogas e rock n’roll não podem fugir desta análise. E, mesmo que a cidade possuísse milhares de motivos e temas para serem abordados num longa-metragem como: a Swing London, o mundo fashion, as beldades, a música a contracultura... Antonioni optou pelo silêncio, tendo o barulho e a revolução cultural como background.
As vivas cores, geridas miraculosamente do “acontrastante” tempo nublado, parecem ser o dialogador ou interlocutor do filme. Junto a David Hemmings, a policromia protagoniza o filme e ressalta o enfadonho dia de um alguém com muito poder, prestígio, dinheiro e, principalmente, tudo o que deseja. Nada mais é novidade: mulheres, beleza, profissão...
Como a história do longa-metragem é sobre um famoso fotógrafo, o seu nome não poderia ser mais conveniente. Blow up significa a ampliação da foto até seu nível máximo, ocasionando no estouro dos pontos que compõe a imagem. A fotografia do filme, como não poderia deixar de ser, é fantástica. O cinza londrino é estrategicamente usado para ressaltar o tédio do mimado Thomas.
Fugindo das skinny models que vão lhe implorar ‘a couple of minutes’, o fotógrafo passa, em seu charmoso Rolls-Royce, por uma rua totalmente vermelha, para, depois, chegar a um quarteirão acinzentado, maltratado e sem vida. Esta hora parece ser o ápice do tédio do personagem o qual, depois de uma visita frustrada ao antiquário, decide “passar o tempo fotografando no parque”. Eis, então, o início do conflito que vai gerar uma das cenas mais marcantes do filme: as ampliações infindas e contínuas do possível e passional assassinato. Durante esta antológica seqüência, uma análise sobre a evolução comportamental do personagem pode ser feita. Todo o filme é um fechar e abrir portas persistente, fato que demonstra o descaso e desleixo de Thomas em relação a todos os elementos e personagens da película (os quais, como eu pude notar, não são ‘nominados’ no filme. São como meros complementos para os altos e baixos no humor de Hemmings: a maioria das outras figura dramática são denominados de: birds. love, girls, entre outros adjetivos, mas nunca ganham uma subjetivação como referencial). Porém, no instante em que o fotógrafo entra na sala de revelação, sua atitude é diferenciada: a luz vermelha se acende e o silêncio toma conta do filme. Pela primeira vez, em 58 minutos rodados, o homem demonstra interesse em uma outra coisa que não seja o seu próprio eu e vaidades. Ele amplia algumas dúzias de fotos e analisa-as. Escolhendo duas delas, ele as alarga vertiginosamente, até alcançar o ‘blow up’, seu cadáver e seu crime.
Dando continuidade a este conjunto de seqüências tensas e silenciosas, de 1h30minutos – interrompidos apenas pelo antológico ménage a trois – Antonioni arquiteta uma das mais brilhantes e subliminares relações, que dão encadeamento e sentido ao filme. O diretor faz a comparação do blow up (estouro da imagem ressaltando seus pontos constituintes) à pintura abstrata do amigo do fotógrafo, Bill. O pintor faz a sua obra a partir da utilização de vários pingos de tintas. Chegando a uma finalização, ele começa a “interpretar” e ver objetos na sua salada de pontos, assim como Thomas enxerga, na confusão pontual e bicromática da sua fotografia, o seu cadáver. O mais magnífico dessa comparação é constatar que os dois artistas vêem na sua arte abstrata e desconexa o seu elemento (desejado), este que pode ser apenas visto pela cabeça daquele que inventa e cria.
Ao final do longa-metragem, portanto, Antonioni suscita a dúvida: houve mesmo o tal assassinato, ou tudo não passou de uma criação desesperada duma mente burguesa entediada?

Por Emilly Dias

Vale tudo sangrento

2007-10-16T11:46:00.000-03:00

Em um mundo, (pré-pós) moderno e atemporal, no qual há predominância da falha de caráter, falta de opiniões e mobilizações, além de se constatar que e a impunidade reina no misterioso andar do comportamento humano, há a insaciável pergunta: o que não vale a pena?A minha visão conturbada pelo romantismo jura que a essência da verdade deve enveredar por todos os percursos e atitudes dos seres que pretendem algo de nobre se não com terceiros, consigo (principalmente). A maior insensatez mundana é acreditar no jeitinho que se dá pra tudo acontecer, é ver os olhos mirarem com aplausos a lambança produzida, num ato de auto flagelo ignorante, asqueroso e impotente. Como arrancar, de modo triunfante, os únicos centavos miseráveis daqueles cuja esperança do amanhã impera no último prato de comida?. Ou, como sugar alucinantemente milhões diários dos cancerosos, aleijados, viciados e incoerentes? A resposta se torna fácil quando se analisa os livros secundários de história e quando se lê a coleção de “Business, Imundices e Administração do Globo de interesses fedidos e hodiernos”. Pensando neste âmbito, qualquer coisa é necessária e válida para se pagar o aluguel exorbitante das ilhas Malvinas. Planejamentos antecipados são produzidos visando apenas esta finalidade. Homens juntos: cuidado. Muito dinheiro está sendo captado neste projeto corrosivo da cobiça. Os outros, excluídos das decisões, apóiam cada atitude prejudicial, acolhem toda voluptuosa roubalhança e acordam com tudo em troca do trocado. Porquê? Como e com qual finalidade esse vale-tudo sangrento perpetua parindo seus indigentes e marginais? Um pouco de sonho será possível, ou melhor será a intermitente confusão proposital da ética e virtù socratianas? Sorrir da história se torna uma realidade cansativa de ficar repetindo a existência. Nem Maquiavel – o pseudo tutor (muito longe da pretensão dele receber este título, mas os interessados assim o quiseram postular) dos verdadeiros mesquinhos mundiais, esses tiranos doentes, que conseguem realizar as piores e mais bem sucedidas estratégias em nome do bolso, vontade e vaidade próprios – conseguiu se esquivar da constatação sobre atos passados e sobre o fiasco da argila de Deus. E, desta obra divina poucas edições vingaram. Todas as restantes se preocupam apenas com os pecados, delícias carnais e ganâncias cotidianas, num lugar do mundo que os principais interesses circundam no eu e na tela, na tela e no eu.

Por Emilly Dias

Making of - Doido

2007-10-11T15:04:00.000-03:00

Foto: Emilly Dias

Maquiagem sendo posta para a estreia no primeiro curta-metragem da dupla Emilly Dias e Davi Caires.

O descanço de Quirão

2007-10-10T20:57:00.000-03:00

No instante escuro, respirei.
Assustada e ofegante abri meus olhos percebendo o gritante clarão que cegava-me os olhos.
Depois do susto, me recompus.
Percebi-me sentada numa enorme rochedo situado...
Bem, eu não sabia ao certo onde estava.
Vestida de preto, com sapatinhos vermelhos, eu parecia uma boneca futurista abduzida de um tempo (remoto, futuro?!) e depois lançada a sorte em um lugar qualquer. Uma fazenda vazia. Uma hostilidade seca de pedras.
Ano, mês, século?
Não fazia nenhuma idéia de nada. Nem de língua, credo ou cultura, mas sentia a solidão rochosa.
Olho para meus lados e para frente. Não vejo nada, mas o vento dando curvas nos meus cabelos e vestido, arrepiando-me os pêlos.
Por medo de um algo chamado ‘passado’, não quis olhar para trás. E, num embate de mim para eu, percebi que os conceitos de tempo não mais se aplicavam a uma pessoa sozinha num mundo que nem sabia que era mundo.
Olho para trás.
Meus olhos cerrados captam uma árvore ao longe e os ouvidos, um choro de criança.
Tomando consciência do desespero daquele apelo, sinto grande vontade (quase que superior) de ajudar aquele serzinho desprotegido.
Levanto de súbito e percebo o peso que fixava meus pés ao chão. Uma corrente me ligava e prendia àquela pedra.
Tiro a corrente, ponho-a nas mãos e carrego minha bagagem até a maldita árvore.
Ao me aproximar, vejo um círculo verde que tinha como entidade de energia um triângulo de sinalização vermelho. A árvore tinha sua fita de isolamento e a minha criança chorante era, em verdade, um quadrúpede pendurado prestes a ser sacrificado.
Como um rojão, surge ao meu lado um moreno personagem trajando branco e carregando nas mãos, protegidas com luvas, uma faca e um estetoscópio.
Ele me estende a mão, entrega-me o aparelho de escuta e, incrivelmente sem resistência adentra o círculo.
Largando as correntes no chão, ponho o estetoscópio no ouvido, então, começo a ouvir um zunido crescente, irritante, ensurdecedor.
Tento por três vezes e ângulos diferentes adentrar aquela circunferência, mas a força repulsora me empurra novamente para trás enquanto o moreno suspende a faca como se fosse um cavalheiro medieval erguendo sua espada de guerra, numa batalha!
O carneiro esperneia.
Não o posso ouvir mais. Abro a boca na tentativa frustrada de impedir o sacrifício – não há voz. Só zunidos, misturados aos meus batimentos rápidos, cardíacos.
O círculo se desfez. O moreno me captura por trás, enquanto minha tontura me consome. Uma das suas mão me puxa os cabelos em direção ao chão enquanto a outra, numa fenomenal força, aplica o golpe na barriga do desesperado carneiro, deixando as vísceras do animal dependuradas.
O cavaleiro some e, sem amparo caio no chão.
Percebo as quatro extremidades do meu corpo sendo puxadas para uma direção diferente.
No meu último suspiro de lucidez, percebo 4 crianças sentadas segurando a ponta extrema de cada corrente. A força aplicada em cada uma das pontas me faz sentir uma terrível dor e me forçam a suplicar pelo descanso de Quirão e pela casa de Hades.
Volto, assim, à minha escuridão.

Por Emilly Dias

Desenho: Copyleft!

The Spy

2007-10-02T11:39:00.000-03:00

I'm a spy in the house of love

I know the dream, that you're dreamin' of

I know the word that you long to hear

I know your deepest, secret fear

I'm a spy in the house of love

I know the dream, that you're dreamin' of

I know the word that you long to hear

I know your deepest, secret fear

I know everything

Everything you do

Everywhere you go

Everyone you know

I'm a spy in the house of love

I know the dream, that you're dreamin' of

I know the word that you long to hear

I know your deepest, secret fear

I'm a spy,

I can see what you do

And I know

Música: Jim Morrison.

The doorssss!

Foto: Copyleft.

Redescobrindo a Ilha de Lesbos?

2007-09-15T11:12:00.001-03:00

Na ilha [grega] de Lesbos, situada no mar Egeu, próximo à Turquia, existia uma sociedade – fronteiriça a mais famosa cidade da ilha: Mitilíni[1] – cuja sede principal chamava-se Alcéia, reconhecida e difamada pela sua condição de secreta e, acredita-se, imaginária. Suas reuniões e produções ocorriam em cavernas, nas inúmeras montanhas e depressões que compõem o relevo local, situando em outras palavras, a fundação do grupo se dava em posições estratégicas, o que assegurava defesa e camuflagem propiciadas pelos obstáculos naturais.
Esta sociedade é predominantemente feminina, matriarcal [porém sem estratos] e pré-moderna, cuja economia se baseava na agricultura [produção de cereais, oliveiras, tabaco, cítricos e vinhos] de subsistência, mas também com fins de comercialização [escambo dos produtos nativos – excedentes - por outros, de fontes estrangeiras], na confecção de artesanatos [com uso freqüente de matérias-primas tais quais: pedras preciosas, semipreciosas, argila, fragmentos de estalactites e estalagmites] e na produção artística [pinturas, esculturas, poemas e canções]. As suas vestimentas e ornatos sofriam modificações nas cores, forma e costura trimestralmente simbolizando a mudança das estações do ano e, conseqüentemente, a harmonia local. Empiristas e pragmáticas, as alcéias procuravam estabelecer formas igualitárias e organizadas de governo, procriação, manutenção da saúde e perpetuação das entidades – e não métodos – de ensino. Elas eram veementemente contrárias à prática de embates armados de qualquer gênero, à desonra, ao roubo e ao cunho de moedas, já que desacreditavam na “economia” e acumulação, talvez por desconhecimento ou medo.
Explanando os segmentos que estruturavam o grupo, a forma de governo se dava de modo intrínseco à abolição de figuras despóticas; à rejeição da figura masculina - isto ocorria, uma vez que elas acreditavam no poder, possuído pelos homens, de desestruturar a consonância e o emaranhado social – e, também, da vanguarda - mas nunca se opuseram às mudanças –; a não apropriação dos excedentes; a uma divisão, rodízio dos postos e socialização dos instrumentos de trabalho – evitando assim a alienação na produção – e, por fim, intrínsecos ao ateísmo [sendo, porém, importante destacar que as alcéias eram iconoclastas] somado ao racionalismo regional. A proliferação dos “cidadãos” ocorria de maneira intrigante. No inverno – época do ano considerada infrutífera, por ser imprópria para o cultivo e colheita de grande parte dos produtos agrícolas, ganhando a denominação de “a Época da Aglutinação ou Hibernação” [onde havia: depósito e acumulação de alimentos, cessamento das atividades, descanso, rituais de embelezamento, etc.]- as mulheres mais velhas (matriarcalis) saiam nas embarcações – projetadas para as articulações comerciais – a fim de recrutar homens viris, fortes e saudáveis [características estas que se expressariam na prole, segundo as crenças da localidade], independente da sua raça, condição e papel que exerciam nas cidades onde residiam. As amazonas ficavam, durante a espera, se banhando com leite de cabra, rosas e mel, pois acreditavam que este “ritual” propiciaria mais charme e apetite sexual. Escolhidos os homens, todos deveriam entrar nas diversas cavernas, de modo aleatório e lá permaneceriam até o final da estação, podendo trocar, apenas uma vez, de par, caso alguma das partes [principalmente a feminina] não estivesse satisfeita com o (a) parceiro (a). Vale frisar que se haver casos de estabelecimento de vínculo afetivo, a punição para tal infortúnio, varia com a acuidade do sentimento. Findado o inverno, os homens teriam de cumprir um juramento de silêncio, a partir do qual eram permitidas suas saídas das redondezas da cidade. Aqueles que se negavam a jurar tinham suas línguas cortadas, os testículos mutilados culminando, quando estivessem definhando em dor, na decapitação pública. Os que aceitavam o juramento, mas se negavam a deixar a amazona ou a cidade, tinham seu pênis decepado, e, em retribuição à confiança respeitada, ganhavam, se sobrevivessem à hemorragia, o posto de “eunuco”.
Abordando outros segmentos estruturais da sociedade alcéia, as entidades de ensino lecionavam: artes; filosofia; línguas (alceu e o grego); a história e geografia da localidade; conceito e prática das liberdades imanente e transcendente (reconhecimento do corpo como um todo, como uma máquina de trabalho e prazer – no sentido mais amplo da palavra -, como um elemento social) e, também, todas as técnicas médicas por elas conhecida (leitura e prática dos estudos [e métodos] de Hipócrates[2], manuseio das plantas e ervas medicinais, etc.). Outra fração a ser analisada é a arquitetura, que era clássica (semelhante à grega, porém em dimensões menores, devido ao relevo extremamente acidentado da cidade), possuía edificações médias sustentadas por pilastras; havia a presença quase unânime de estátuas femininas (representado Vênus, a sacerdotisa Safo e as primeiras matriarcalis) espalhadas nos centros de reunião e discussões políticas, no teatro [incipiente] arena, praças; possuía casebres nos interiores das cavernas e difusas, com certa conformidade, pelas montanhas. No âmbito do entretenimento, eram realizadas, todas as primeiras semanas de cada estação do ano, festas de celebração da “mudança”. Nelas ocorriam banquetes, cujas comidas eram ornamentadas e um tanto quanto excêntricas; círculos culturais, onde eram lidas obras literárias, poesias eram recitadas e as canções musicadas – é importante ressaltar que todos os segmentos citados eram produzidos nos meses precedentes às festanças - e eventos ou feiras científicas [aqui se tornavam públicos, caso existissem, avanços técnicos e descobertas de todo e qualquer paradigma das ciências]. Eram, também, celebrados, sempre nove meses depois do inverno, os nascimentos e óbitos das infantes. Quando eram meninas, elas eram acolhidas, juntamente com sua mãe, e ficavam sob cuidado e vigilância das matriarcalis, até que deixassem de amamentar, retornando - mães e filhas - para seus casebres. O advento das novas “cidadãs” era comemorado com vinhos, presentes, danças e com a contemplação da vibração leniente das “harpas safônicas” (recebiam este nome por considerarem a voz, da poetisa, inebriante, quando esta recitava seus poemas). Se as crianças concebidas fossem do sexo oposto, seus destinos eram previamente traçados. Para os meninos era escolhida – de acordo com o vigor que apresentassem - uma dentre as duas opções: a expulsão da ilha, ou a condição de escravos castrados (ambas punições ocorriam quando completassem cinco anos).
Vislumbrando a organização, estruturação e cotidiano das mulheres que iam de encontro a todo e qualquer [aspecto analisado segundo as perspectivas eurocêntricas, sem invalidar comportamentos semelhantemente excludentes das sociedades orientais, tais como as árabicas] costume machista e patriarcal das sociedades já existentes, é com imensa tristeza que aponto o grupo social formado pelas alcéias, como produto da minha imaginação silenciosa. Afirmar tal coisa é extremamente penoso porque com a vastidão de informações diariamente veiculadas e produzidas, o avanço desenfreado das técnicas de pesquisa e de disseminação do conhecimento, a verdadeira Lesbos [que no século VI a.C era o centro cultural de maior importância] sua história, mitologias continuem sendo resumidas a citações históricas ínfimas (sempre ligadas a Atenas, Safo ou Alceu) e cujas biografias lançadas sejam insuficientes, [ou] pouco divulgadas e mal distribuídas pelas livrarias e bibliotecas. Em contestação a esta forma abusiva de ocultação da história das “sociedades alternativas”, grito, numa madrugada lacônica, que a cognição e criatividade não podem permanecer estagnadas [mesmo que ‘maquiadamente” dinâmicas] perante a vangloriação da história maniqueísta e dominadora.

[1] Onde residiu Safo, considerada a maior poetisa lírica da Antigüidade e , provavelmente, é a primeira mulher a fazer poesia reconhecida na história da cultura ocidental. Nasceu em Lesbos, por volta do ano de 612 a.C.
[2] Hipócrates de Cós (Cós c. 460 a.C. - Tessália, 377 a.C.) foi um médico da Antiga Grécia, considerado por muitos como uma das figuras mais importantes da história da medicina. Ele deixou uma série de doutrinas médicas que constituem o Corpus hippocraticum, que é composto por diversos tratados, entre eles: Aforismos, Prognósticos, A doença sagrada e Epidemias. Nas obras hipocráticas há uma série de descrições clínicas pelas quais se pode diagnosticar doenças como a malária, caxumba, pneumonia e tuberculose

Emilly Dias
Outubro, 2005.

“O caráter do homem é o seu destino”. Heráclito.

2007-08-28T21:34:00.000-03:00

Houve um tempo em que os homens acreditavam na palavra e prática do caráter. O destino de cada um poderia ser traçado pela força com a qual cada indivíduo a aplicava nos afazeres cotidianos, nas práticas rotineiras, na história de vida.
Os anos se passaram e este mesmo homem foi descobrindo (desvelando) o progresso, se enganando com ele e dele se envaidecendo, embevecendo e o possuindo.
Estes seres foram desaprendendo os gostos do belo, da virtude, da retórica e da própria educação. Eles conheceram o amargo doce estéril da mentira, da corrupção e do engano.

Sonho?
Talvez.

O homem sempre teve seu lado dual. Nunca foi ausente dos erros e muito menos sempre recheado com os acertos. Este humano sempre guerreou, matou, usurpou, mas nos planos ideal, artístico e poético, ele conseguiu, durante a Grécia Heróica, de Homero, no Século de Péricles, dentre outros tantos circundantes a Sócrates, Platão e Aristóteles, manterem-se fidedignos a uma utopia engrandecedora. E sempre procuravam as respostas. Acreditavam, questionavam. E fiavam a tapeçaria das Três Parcas com a veracidade da duvidosa cicuta, escrita na filosofia oral de Sócrates, no Mito das Cavernas e no platonismo duns dois mil anos antes de qualquer vestígio da imundice moderna. E da explosão de brilhantismo do século XX.

Nesse vai e vem passado-presente, fica a noção de que, em discordância despretensiosa em relação às palavras dum sábio, que não era chinês, Heráclito, quando afirma com veemência histórica acerca do caráter do homem e do seu destino.
Tanto na política, quanto numa conversa de bar é notável e corrente a des-virtude por segundo. Os homens não entendem mais a noção da retórica, mas a replicação da tela ao quadrado espetacular. O bem da arte não é o bem do povo. A minoria é escassa. E os governantes, as maiores caricaturas sem caráter, de quem já se teve notícias gregas, romanas ou brasileiras.

Heráclito, me desculpe, mas neste dia do presente agosto não consigo entender como um homem carrega no destino, o seu caráter. Os escrúpulos, se é que já existiram, foram perdidos a muito tempo, junto à grande maioria das peças de Sófocles ou das milhares de estatuetas do Partenon. Sem guia e sem crença este homem continua caminhando. E se agarra à primeira coisa que lhe pareça conforto (mediado) imediato. E, com certeza, caráter, virtude (Arete), beleza e destino não fazem parte do bolão do dízimo ou da velha e inalcançável salvação.

Por Emilly Dias

Foto 1: Copyleft?

Foto 2: Emilly Dias

Como é estar sem as suas palavras, sua presença?

2007-08-07T21:26:00.000-03:00

"em agosto choro como se estivesse dezembrando.
A despedida
A dor
A falta...
Os diálogos vazios cheios de vontades encobridoras.
O verdadeiro silêncio de pensamentos.
E aqueles momentos de tensão.
Falta tanto e sofremos já.
É difícil....
Mas, nos devaneios cheios de esperança, divagava
que seria mais simples, menos imediato.
Desejava, na partida, o abraço.
Não o queria com 150 dias de antecedência, não!
No outro e no coração não temos alguma ifluência ou poder, eu sei.
Contraditóriamente, porém, digo "que reação cigana"
...

Te amo e quero, de qualquer jeito.

E isso não é um Adeus".

Por Emilly Dias

Fotos:

acima - Davi Caires

abaixo - Emilly Dias

Face verdadeira

2007-07-24T12:22:00.000-03:00

Fui ao paraíso.

Aterrizei no inferno em menos de 4 dias.

Se isso aqui é o purgatório? Realmente não é tão difícil de responder quando se olha em volta.
Volta e meia damos e as mesmas coisas acontecem, se repetem, se aglomeram...

E, quando menos esperamos, confirmamos os nossos piores pesadelos.

As feridas do sistema são tão perceptíveis quando, por apenas 5 segundos, você consegue se despregar dele e, com olhos de lince, entender o que verdadeiramente importa.

Os nossos vícios, que muitos acreditam estar impregnados em ansiolíticos, anfetaminas e estimulantes, são, em verdade, as melhores mentiras que não conseguimos contar nem para aquilo que chamamos de nossos espelhos - nos quais não conseguimos enxergar nem a nós mesmos. Eles são, eu sei! Aquela casa dos espelhos dum circo que nos distorcem ou nos mostram que somos vários e nunca um só. E são ainda a comparação com o seu outro, ou seu inferno, a constatação da fúria de não conseguir ser quem eles querem, mandam, ordenam e vendem.

E como acabar com isso? Quem será o herói da vez?

...

Quantos anos se passaram e é realmente muito impressionante constatar que os cinco palmos delas ainda (e até quando?!) sejam os verdadeiros mandamentos sociais.

Aviso aos navegantes: meu Brasil é lá, naquele locus: o céu de pedras.

Sei que o agora nunca será alcançado destas maneiras aplicadas e erroneamente almejadas.
Estou fora, é fato.

Quem quiser que fique e me conte o final...

Triste Gregório da Bahia

2007-06-25T17:17:00.000-03:00

Triste Bahia!

ó quão dessemelhante
Estás e estou do nosso antigo estado!
Pobre te vejo a ti,

tu a mi empenhado,
Rica te vi eu já,

tu a mi abundante.
A ti trocou-te a máquina mercante,
Que em tua larga barra tem entrado,
A mim foi-me trocando,

e tem trocado,
Tanto negócio e tanto negociante.
Deste em dar tanto açúcar excelente,
Pelas drogas inúteis,

que abelhuda,
Simples aceitas do sagaz Brichote.
Oh! se quisera Deus,

que de repente,
Um dia amanheceras tão sisuda

Que fôra de algodão o teu capote.

Gregório de Mattos.
Poemas escolhidos.
Ed.de José Miguel Wisnik.

São Paulo:Culrix, 1975. p.40; 42.

Ilustração: Caetano Veloso

O que é que Bahia tem?

2007-06-20T21:20:00.000-03:00

Caracterizada pelas distinções sociais berrantes, preconceito racial não velado, pelo período pós-latifúndio dos coronéis, a Bahia de 1940 desconhece em seu território qualquer vestígio de arte (s) contemporânea e moderna. Adormecida no berço condoreiro de Castro Alves, a cidade da Bahia, como chama o professor, urge por reformas modernizantes (em todos os setores societários), mas não pretende abrir mão da sua tradição provinciana.
A cultura congelada e academizada, fortalecida pelos grandes volumes de capa dura, se viu ameaçada por propostas de “modernenização e modernismo cultural”. A comunicação que permeava os cidadãos baianos, por ser extremamente arcaica e comunitária, prescindia de meios complexos de difusão da informação. Essas características somadas aos valores soteropolitanos, em demasia conservadores, ocasionaram o atraso de 30 anos da entrada do fluxo, em solos baianos, da semana de 1922, ocorrida em São Paulo.
A década de 50 entra perturbando as estruturas conservadoras das elites baianas. O novo reitor da Universidade da Bahia, Edgar Santos, não poupou esforços para, junto a nomes como Milton Santos, Nelson Rossi dentre outros, alavancar a implementação de uma série de setores que revolucionariam o complexo de ensino superior e, principalmente a cidade.
A reinterpretação de signos (antes tabus) da cultura afro-baiana por estrangeiros como Pierre Verger e Carybé; a manutenção da primeira unidade de ensino superior de dança no país e da América Latina pela polonesa Yanka Rudzka; a fundação do clube de cinema de Walter da Silveira, dentre tantos outros produtos da vertiginosa onda de modernização da cidade da Bahia, esta que, sempre procurando abraçar todo e qualquer fóssil de tradição elitista, possui uma incrível capacidade de fagocitar as novidades, as quais na maior parte das vezes circundam os interesses de minoria econômica.
Além dos artistas, como Mario Cravo, Diógenes Rebouças e Calazans Neto, dos intelectuais, dos estudantes de esquerda e da Universidade da Bahia, as mídias insurgentes, que formavam o complexo cultural baiano (jornais, revistas de cultura, rádio, cinema e a incipiente TV) foram também os responsáveis pela modificação da face soteropolitana. O aspecto rural, empurrado cada vez mais para os interiores do estado, começou a fazer parte do passado dum local que se via (e vendia) num presente de próspero cosmopolitismo.
Em 1964, porém, Salvador presenciou o definhamento da sua ebulição modernizante. A ditadura militar, com seus atos repressores e sufocantes, dividiu geograficamente a cidade, deslocando do centro – antigo locus boêmio-cultural – a movimentação comercial, administrativa, noturna e acadêmica para, respectivamente, a região do Iguatemi, Paralela, Orla e “Avenidas de vale”. A reforma universitária de 1969 enfraqueceu as pupilas de Edgar Santos (as escolas de teatro, música, dança e belas artes) tomando delas a autonomia, além de ter transformado a Universidade da Bahia em Federal.
Os moldes da indústria cultural, que a ditadura importou dos EUA para empregar nas terras brasileiras, desestruturaram muitos mecanismos de prosperação do fazer cultural. Os gestores de cultura e jornalistas (antigos e respeitados formadores de opiniões), que, pelo menos na Bahia, tinham acabado de conquistar a sua profissionalização, se viram desolados com seus canudos nas mãos, já que as imposições de mercado podam a criatividade e a oportunidade dos novos contingentes produtor artístico, cultural e de conteúdo.
As cabeças pensantes, os revoltosos contra o sistema vigente, os artistas conscientes, quando não exilados em outras cidades, se encontravam alocados nos frios invernos europeus ou americanos (do norte). Este êxodo baiano acabou por extinguir qualquer esperança restante do brilhantismo retardatário do recém-nascido abortado modernismo baiano.
A estruturação (mega e uniforme) da televisão conseguiu provocar a mais irreversível (ou seria irresistível?) ferida brasileira: outro golpe triunfal das podres ações executadas durante a dominação dos militares nos solos da pátria amada. Com a ascensão da Rede Globo (de televisões, produções, etc.) todas as emissoras locais, as quais “por imposição do ao vivo” tinham uma transmissão de 100% de programação e conteúdo feitos na cidade, se viram subordinadas ao padrão único de espetáculos televisionados, entretenimento e telejornalismo, cuja cartilha era importada diretamente do Rio de Janeiro e de São Paulo. Estes estados passaram a ser centros de financiamentos, execuções e viabilização dos diversos produtos culturais (além dos industriais e econômicos) que viessem a acontecer no país.
Ainda sob efeito da letargia artístico-comunicacional-cultural e social, a Bahia, de alguma maneira, tenta fabricar novos frutos pão e circo (além da religião/religiosidade e novelas) que possam eternizar a apatia política da cidade mumificada. Muitos acreditam que a eclosão dos movimentos carnavalescos e contestatórios dos negros, como os afoxés e blocos afros, possam significar a nova maquiagem comportamental da Bahia. De fato a solidificação dessas formas de agitação foi de extrema importância para a auto e imagem dos afrodescendentes de Salvador, pois eles começaram a se ver representados e a sua expressão cultural passou a crescer em visibilidade. Eles puderam se deslocar dos guetos para captar a atenção de todos os pobres, ricos, pretos ou “brancos”, turistas e nativos em épocas que datavam, ou não, o período de carnaval.
Acontece que o mercado se apropria de tudo o que é sucedido e acabou por modelar, a sua maneira, a antiga tonalidade de protesto dos blocos afro. Em dez anos, o Olodum, junto ao Pelourinho, virou parte do pacote de turismo, imagem e semelhança dos produtos do recôncavo. A luta política da maioria dos negros oprimidos pela persistente opressão social e racial se viu adormecida e amortizada.
Ainda falando de indústria cultural, atrás do trio elétrico só vai quem tem dinheiro. O carnaval se transformou numa “numa celebração da orgia” a céu aberto, cuja duração vai de janeiro a dezembro (perdurada pelas festas de camisa, micaretas, ensaios e pela privê que ocorre em paralelo às festas de largo) e num motor de solidificação local e nacionalmente da febre da Axé Music.
Este movimento musical conseguiu vender a imagem da Bahia (do recôncavo) para além das fronteiras do Atlântico, revolucionou o consumo da música brasileira-soteropolitana nas rádios (em Salvador 75% do consumo de música é produzido na própria cidade. Quando não em forma de axé, é o pagode, ou, mais recentemente, o arrocha o ritmo mais pedido nas emissoras FM, noite e dia).
A celebrada revolução axezeira traz consigo inúmeras conseqüências negativas às outras baianidades distanciadas da Baía de Todos os Santos. É bom lembrar que todo poder alcançado por este segmento musical se deve, em grande parte, aos holdings carlistas e a consagração excludente de meia dúzia de artistas que reproduzem o já reproduzido e, de certa forma, sustentam e ajudam a vendagem da imagem institucional do estado (produzida pela Bahiatursa) e do político pfl(ista).
Dentro deste negativismo se esconde milhares de pessoas famintas que (sub)vivem paralelamente aos camarotes e trios elétricos, à Bahia hospitaleira. Também residem dúvidas em relação à persistência desse sistema que apenas beneficia as poucas e mesmas pessoas, que perpetua (há quarenta anos) o efeito anestésico da atuação ditatorial no país e, sobretudo na cidade, que paralisa, ignora e marginaliza seu povo. Sim, a Bahia mais do que necessita, e com urgência, duma ressignificação estrutural e horizontal, a qual arrancasse de uma vez por todas o provincianismo das terras que geriram os Gilbertos, Caymmis, Caetanos e Glaubers, para que assim, os próximos Joãos pertençam e permaneçam no seu berço com suporte dum público que se nivele para além do medíocre.

Por Emilly Dias

Pintura de Carybé

Aquelas passadas (sem rumo)

2007-06-01T19:00:00.000-03:00

Quando menos esperamos, eis que elas aparecem. Sempre que aquela frase cujo efeito me esbofeta a face lembro de algum acontecimento, coisas da memória...

Passando pelo Google encontro os seguintes "versos":

"Você não é o seu trabalho.
Você não é o quanto tem no banco.
Nem as roupas que veste.

Escolha não ter uma TV grande
nem baixo colesterol
nem um abridor elétrico de latas
nem plano de saúde e dentário
e muito menos uma casa de dois andares numa rua arborizada e filhos que só tiram A+.

As coisas que você possui acabam te possuindo.
Você só é realmente livre após perder tudo.
Pois ai não terá o que perder, e, enfim, encontrar-se-á livre".

Fui 'correndo' procurar a quem essas coisas faladas, que me dava uma sensação de Déjà vu, perteciam... Então descobri que eram do filme "O clube da luta" e as palavras eram de Tyler Durden (Brad Pitt).
A última estrofe, no entanto, me trouxe fortemente à memória o filme Surplus e e, principalmente, a velha pergunta "cobra que morde o rabo":
"Nós possuimos o controle das coisas ou as coisas que exercem o controle sobre todos nós?".

Por Emilly Dias

Os ecos de Salvador Negroamor

2007-05-29T00:46:00.000-03:00

Em janeiro de 2007, ao voltar do meu refúgio silencioso, donde nem sequer vozes telefonadas eu ouço, me surpreendo em ver algo inusitado em Salvador, embora um pouco contextualizado devido os ares serem carnnavalescos. Refiro-me a pôsteres, cartazes, outdoors, spots televisivos, busdoors dentre diversos outros mecanismos audiovisuais que projetavam imagem de negros e negras de diferentes idades associadas à logomarca de um coração tribalizado.
Cheguei em casa e fui procurar entender o que era aquilo que estava acontecendo, quem era(m) a(s) pessoa(s) promotora(s) daquela intervenção e qual a motivação para a concretização do evento. Desde este dia comecei a ouvir, coletar e discutir opiniões acerca do projeto Salvador Negroamor, sob assinatura do empresário Sérgio Guerra. Sem saber exatos valores empregados na viabilização da exposição, embora já o imaginava, fiquei surpresa com a capacidade articuladora daquele homem que, na minha opinião, é muito melhor empresário do que fotógrafo.
Pensei em fazer um texto que argumentasse os princípios, objetivos, caráter (ou a falta de um ou todos eles) que envolvem o fotógrafo e seu projeto. Porém, o que pretendo nessas linhas é debater certos pontos que não me ficaram claros – e quero fazer sem pejorativismo, parcialidade ou crítica fomentadora de estatísticas, mas por empirismo e curiosidade – pois suscitar discussões rebarbativas, ecoantes e desgastadas é o mesmo que insistir na audição daquele velho disco arranhado.
As questões que trago para posterior esclarecimento:
1- Enquanto estudante de fotografia, penso na qualidade fotográfica. Não quero discutir a intenção de Guerra, a motivação, o anonimato, as escolhas ou poésis, mas suscitar a parte técnica de cada produto exposto. Fotos, que em sua maioria, são portraits (retratos) tirados das mil pessoas anônimas cuja qualidade TÉCNICA é mais que questionável, a ponto de eu observar que a magnitude que caracteriza o projeto é a mesma que ignora as partes do fazer (pelo menos razoavelmente) fotografia.
2- Sérgio Guerra quando se vê elogiado, ludibriado ou repleto de gozo pelas diversas correntes de críticas (positivas ou não) levantadas em relação a seu produto fotográfico, estaria se apossando do dito (popular) “fale mal, mas fale de mim”, coisa que toda produção publicitária precisa para se manter (pelo menos quando está em voga – leia-se circulação – nos meios de massa)?
3- A intenção do publicitário em relação ao fortalecimento da auto-estima dos negros e negras se vê efetivada através das fotos propriamente ditas ou através do projeto, pelo fato dele ser composto por uma gama gigante de produtos fotográficos, além de trazer o rótulo de ‘maior exposição ao ar livre já feita no país”? Em outras palavras, Sérgio Guerra estava preocupado com a sua auto estima; com a dos beneficiados pela exposição ou com ambas?
4- E, caso a resposta se restrinja ao segundo ponto (a auto-estima que visa principalmente atingir à população dos excluídos), por qual motivo a maior parte de concentração das fotos está disposta em bairros turísticos ou centrais (17 pontos neste eixo), em grandes avenidas (23 pontos neste eixo) e orlas (8 pontos neste eixo) – totalizando 48, em vez de estarem contemplando (e sendo contemplado pelos) os verdadeiros modelos de cada cliques ‘Guerriano’, que estão situados em bairros populares (16 pontos neste eixo) e na região suburbana (5 pontos neste eixo)?

Para verificação dos dados apontados acima, acessar: http://www.salvadornegroamor.org.br/main/projetosna/default.jsp?CId=111

De que fontes receberei estas, dentre outras, perguntas que me confundem? Fazendo-as indiscriminadamente a amigos, conhecidos, prestadores de serviços, etc., a melhor resposta que obtive, foi, na verdade, uma repaginação de todo o projeto que, no ponto de vista de um filmmaker autônomo, poderia ser de fato beneficiador para diversas pessoas carentes, trazendo a eles o contato efetivo com a fotografia. Ele me sugeriu que o dinheiro captado para viabilização de Salvador Negroamor, fosse repassado diretamente para a comunidade em formas de oficinas de fotografia, onde jovens (ou nem tão jovens assim) pudessem estar entendendo e praticando a linguagem fotográfica a qual poderia vir a representá-los de fato, como eles se auto-vêem. Porque privá-los do direito de se auto- apresentar, quando isso pode ser concretizado? Dinheiro, pessoas e infra-estrutura não sobrariam ao publicitário. (Falta) Vontade? Ou seria a (questão) da auto-estima que o impeliu de viabilizar um projeto que abarcasse de fato as carências (até mesmo da estima tão falada!) dos fotografados para e pela maior intervenção imagética (e temática) de rua já realizada na pátria amada.

Por Emilly Dias

Um pouco de publicidade...

2007-05-20T15:26:00.000-03:00

Texto referente ao comercial da Sprite, as coisas como são. Assitir pelo link: http://www.youtube.com/watch?v=0qIEmF1W4fw

No começo do Spot, o locutor enaltece a sua marca/produto ao dizer que "Ver alguém beber dá sede", vinculando diretamente o ato de 'beber' ao refrigerante - a peça que distingue o consumidor e é mantenedora da cobiça alheia. Porque digo isso? Pelo fato de, a meu ver, o interlocutor deixar subtendido que o receptor/público seja um alguém dotado de inveja, ou que o sentimento de um se exprime bem na instância que se percebe no outro a detenção de bens ou produtos não possuídos por este um. Em outras palavras “o inferno é o outro”, daí nasce a inveja. Daniel Bougnoux abordou muito eficientemente a problemática do outro no seu texto “Publicidade, um novo espaço público?”, fato que reforça (segundo meu ponto de vista) a não ingenuidade da fala do interlocutor quando ele afirma que as pessoas são invejosas e que, por este motivo, a publicidade trabalha de maneira a abranger o outro para obter você além de tentar atingir vocês para abocanhar os tantos outros. Apostando nessa assertiva, o locutor perturba a face do receptor (sutilmente). Para não causar o boicote do produto por esta eventual agressão a face, a publicidade (o interlocutor) trata de usar a sua auto-imagem de “feiticeira do produto” (“quanto mais você se refresca mais aumenta a sede dos outros. E a publicidade sabendo disso faz o quê? Tira proveito, né?”) para amenizar a perturbação inicial que causara na face do receptor. Não vejo, portanto, nenhum indício de que a face do locutor tenha sido manchada, pois o argumento de que a publicidade está “tirando proveito” da sede (leia-se inveja) alheia não é novidade nenhuma para o consumidor e, além disso, o spot já se propõe “verdadeiro” (Sprite, as coisas como são) desde seu primeiro segundo, fato que – junto à ironia das imagens e o tom debochado da narração – deixa (ou pode deixar) tanto o locutor quando o receptor isentor de constrangimentos à face.

Por Emilly Dias

Suspenso no Rio Branco

2007-05-15T03:25:00.000-03:00

Considerações acadêmicas n°359

2007-05-15T03:16:00.000-03:00

O impulso da sociedade desfigurada, pré, pós e moderna centra-se em várias atitudes que desencadeiam o consumo. Esta é uma das bases que o escritor e diretor italiano Erik Gandini usará no desenrolar do seu documentário que contempla 52 minutos de críticas, montagens desenfreadas, como o ritmo e compasso de cada segmento dos dias um pouco a frente do Modern Times, e trilha sonora excitante. Surplus começa sua descarga de acidez sobre a situação do todo contemporâneo, mostrando imagens dum sempre sorridente W. Bush e, em antítese, as cenas das manifestações antiludistas, revolucionárias, violentas e utópica que ocorreram em Gênova no ano de 2001. Concomitantes, ouvimos uma narração, em espanhol, que faz um encadeamento de tudo o que foi posto em detrimento, principalmente pelos países centrais, em nome do vigor da tecnologia corrosiva. “Um mundo melhor é possível,” como um sussurro ouve-se a frase junto aos sons de explosões e resquícios de uma passeata em meio ao desajuste final. Como disseram sapiamente Adorno e Horkheimer na sua obra “Dialética do Iluminismo”: “o progresso econômico, científico e tecnológico não pode ser separado da criação de novas sujeições e, portanto, do aparecimento de uma série de patologias culturais (adiciono políticas, natuarais e também econômicas) que vitimam amplas camadas da sociedade”.
A tese ou síntese dos escritores Martin-Barbero e Orozco (que em muito se complementam) irão focar os des(territorialismo, enraizamento, temporalização, identificação) trazidos pela nova conjuntra tecnocêntrica.
Martín-Barbero, em Tecnicidades, Identidades, Alteridades: mudanças e opacidades da comunicação no novo século, como um bom herdeiro de análises (atualizadas) frankfurtianas, traz vários contrapontos da era da globalização que estão metaforizados no atentado de 11 de setembro e no Fórum Social mundial, ocorrido em Porto Alegre. A discussão circunda: 1- nas práticas comunicacionais, que de um lado são sufocadas pelo medo e pelo estupro maior das liberdades e direitos civis (desencadeados pelo fatídico 11/09) e por outro lado é proposta e discutida no Fórum, como “lugar de dupla perversão e oportunidade”; 2- em como a digitalização põe em questão as instituições tradicionais de ensino e a “hegemonia racional dos dualismos”; 3- na configuração das redes como novo espaço público e de cidadania. Todos esses três tópicos irão desembocar na revitalização das identidades e na revolução das tecnicidades, fatores que propiciarão respectivamente o questionamento generalizado sobre: os valores intrínsecos da identidade, agora desprotegida da Igreja, Estado e Escola; e da configuração dos novos consumos, novas produções, etc.
Trazendo novamente à tona Excesso, sua mensagem, embora extremamente válida, não se atenta às remodelações (que envolvem os âmbitos simbólicos, econômicos e (a)político) trazidas por Martín-Barbero. Digo isso porque não se pode negar(?) as contradições que rondam o termo e o viver glocal. O homem se desmembra, conhece, se expande, como também destrói em massa, morre de fome, ignora, se entope da fantasia real, é frívolo, além de marginalizar (historicamente, é bom dizer) 80% da sua população semi-escrava, semi-morta.
Muitas destas discussões são pautadas por Orozco, que afirma que as questões identitárias são “conseqüências de mediações da mídia e da tecnologia”. Ele concorda com Barbero ao dizer que há um desmembramento das tradicionais identidades e que as novas práticas comunicativas contêm a “socialidade e a ritualidade”. O autor se preocupa com a questão latente da mediação e diz que os consumidores da tecnologia se multiplicam ao mesmo passo que as apropriações do “temporal-histórico e do “espacial-situacional.” Ele destaca ainda à incorporação audiovisual-informático à educação, fator que propicia a fabricação de consumidores-audiência mirim. Daí podemos resgatar Surplus, onde Gandini, na mescla irônica e eficaz de imagens e narração, traz a tona uma seqüência (a qual deixaria Oliviero Toscani bastante satisfeito) que traz as situações: “Young people have no future” e como os $400 bilhões de dólares anualmente gastos em nome da venda de produtos e lixo mediático fazem das grandes corporações (e seus spots de 30 segundos – “the most powerfull piece of comunication”) verdadeiras dominadores do mundo.

bicromática&bipolar.

2007-03-23T20:34:00.000-03:00

Sono cambaleante daquele vinho que ficou na geladeira.

O pai saiu e me deixou um seco-tinto-aberto para eu beber, fazer, ouvir Chet e pensar naquele sempre estado de completude.
Incompletude de significação.

As confusões de uma escolha sempre acabam recaindo na luz do amanhã que sempre volta como hoje.
E assim continuamos, insistentemente esperando o melhor do ontem e do depois e do estado de felicidade.

Hoje na conversa com aquele me senti tão responsável por deixá-lo bem. Bem um homem que me fez lograr os conhecimentos fílmicos. Bem o homem que sempre lembra da É.mile, sua aluninha, que o amava. A depressão das pontes de marfim, safena, dores que o coração não apaga sem o álcool.
Tristezas que voltam e retornam e angulam e....

Que perfeição de formas?

E as dores no corpo depois daquela aula de dança.

E as frases desconectas dos dias repetidos por sonolentas dores de cabeça.

Cadê o dóreo amanhecer? Ele se posta no calor dessa cidade que vira o inferno com o malcheiro daquelas noites de pessoas sós.
E assim o ciclo nunca se fecha. Porque foi como eu relatei hoje, a única certeza da morte. A morte que nos cerca pela incapacidade de nos tomar sempre.
E a vida se preenche nos mistérios do outro, que é nosso ínfimo inferno.

Texto e foto

Emilly Dias

Insurreição da cabeça branca

2007-03-21T23:58:00.000-03:00

Resenha da palestra de Paulo Fábio Dantas[1] ocorrida no dia 19/03/2007, às 07h.

O professor Paulo Dantas começa sua fala com uma breve auto-apresentação para a turma, na qual ele se diz estudioso da política, políticos e, mais especificamente no que toca o artigo “Tradição, autocracia e carisma: a política de ACM na modernização da Bahia”, da dinâmica da elite e do poder estadual da Bahia.
No seu artigo, Dantas trabalha com uma periodização do carlismo, dividindo-o em três momentos: o primeiro carlismo (quando Antônio Carlos Magalhães entra na política e assume o papel de modernizar [conservadoramente] a Bahia involuída, sob moldes da elite do estado), o segundo carlismo (que ocorre quando o político vira A.C.M, além de se apresentar como período no qual ele está muito articulado com as forças neo-liberais brasileiras e possui grande visibilidade nacional [devido ao cargo e importância que ACM agregou no primeiro mandato de F.H.C e a amizade com, o diretor da Rede Globo de Televisões, Roberto Marinho]) e, por fim, o carlismo pós-carlista (que acontece quando A.C.M já não mais é pólo político de articulações do movimento, apesar dos estigmas e nome. O partido permanece com as características e estratégias semelhantes aos antigos mandatos do senador, mas se vende como a reforma do ‘carlismo’ por dentro).
Entrando na genealogia do carlismo, vemos como Antônio Carlos Magalhães conseguiu entrar timidamente no cenário político. Em 1954 ele foi eleito (um dos menos votados) deputado estadual pela UDN (União Democrática Nacional). A partir daí, junto com as outras famílias políticas (e influentes) da Bahia, as de Luís Vianna e Juracy Magalhães, o deputado Antônio Carlos Magalhães começa a ganhar visibilidade nacional pelas duas eleições, ainda pela UDN, para deputado federal em 1962 e 1966; pelo seu apóio declarado à Ditadura Militar e pelos seus projetos modernizantes (vale lembrar, entretanto, que a figura do, na época, deputado isoladamente não tinha muita significância nacional, o contrário do que acontecia quando acoplado aos fatores dantes escritos). No período compreendido entre 1967 a 1974, o carlismo é a maior força política na Bahia (passando as outras famílias para trás), mas o poder do, agora, governador se restringia a âmbitos estaduais.
Em 1975 o movimento comandado por ACM sofre a primeira derrota, o que acabou por impulsionar a mudança de perfil do carlismo para que, desta maneira, as fontes do poder carlista não cessassem. O carlismo avança para o seu segundo (e mais bem sucedido) estágio, tornando-se baiano-nacional. Neste ano o governador busca “a consolidação da Bahia como pólo turístico brasileiro, com a implantação de hotéis e a construção de estradas e museus em Salvador e Porto Seguro (litoral sul da Bahia)”[2] e se vê nomeado, pelo militar Ernesto Geisel, a presidente da Eletrobrás e membro do Conselho de Administração da Itaipu Binacional. O “segundo carlismo”, por ser um período mais que áureo do movimento, pode ser considerado como um dos fatores que propiciaram a longevidade de ACM no poder. Nesta temporada (algo que fica entre 1975 a 2002) Antônio C. Magalhães detém influências em diversos órgãos nacionais e estaduais onde podem ser citados - além da Eletrobrás e do Conselho de Administração da Itaipu Binacional -, o Ministério das Comunicações no governo Sarney (1985-1990) – local onde exercia plenos poderes e usava as concessões de rádio e TV como moeda política -, a Sudene, a Tv Bahia, o forte vínculo com o primeiro mandato de Fernando Henrique Cardoso, dentre tantas outras empresas e holdings no estado da Bahia (que se conjuga na Bahiapar Participações e Investimentos LTDA que engloba: a Bahia Telecomunicações LTDA, a Bahiasat Comunicações, a Santa Helena de Informáticas e Comunicações LTDA, a Bahia Eventos LTDA, a Empresa Baiana de Jornalismo (responsável pelo Correio da Bahia), a Gráfica Santa Helena LTDA e a Santa Helena S/A Incorporações e Construções). “Outro dado essencial para o “retorno” do carlismo foi a incapacidade dos setores anticarlistas de construir uma alternativa fonte de poder, em termos político-adminitrativos no Estado e também na prefeitura de Salvador”[3]. Nesse forte período, o carlismo entra para a Idade Mídia, abarca as modernizações civis, industriais e conservadoras e investe muito na baianidade como reforçadora da imagem do movimento nos âmbitos nacional-estadual e para a (“sua”) população votante.
Em 21 de abril de 1998, “a morte de Luís Eduardo (seu filho que seria o seu possível sucessor político) desorientou e trincou o carlismo, que começou a erodir.”[4] A partir daí o senador começou a colecionar inimigos (teve seu apoio da Rede Globo castrado, foi acusado de retrógrado-coronel pelos antigos parceiros políticos, no segundo mandato de FHC), a perder seus aliados no poder federal, a se envolver em escândalos. Começa, então, a era do carlismo pós-carlista, que “para Dantas, não consiste no cancelamento da herança ou mesmo da liderança presente de ACM, nem da vigência do carlismo como grupo político integrado, mas da superação da estrutura fundada numa personalidade por uma dinâmica ancorada numa competição política institucional, bipolar, onde PFL e PT tendem a disputar, cada vez mais, o lugar do protagonista.”[5]. A morte de Luís Eduardo Magalhães, todos os rompimentos (em série) pelos quais o carlismo foi submetido e a perda da ‘nacionalidade-carlista’ fizeram com que o movimento regredisse ao seu primeiro estágio e voltasse a deter o poder apenas no âmbito estadual.
Dantas afirma que comparar ACM ao coronelismo não é relevante para entender e explicar o poderio e a longevidade do senador no poder, mas tentar entender a articulação de ACM com as elites estaduais e nacionais, com o capital-liberal.

Paulo Fábio explica, a partir das sucessivas perdas do carlismo, a tomada de poder da Bahia pela oposição depois de mais de 25 anos de carlismo. Ele abordou os números de eleitorado e a miopia baiana e nacional (sempre enfatizando o equivoco que se comete ao restringir o senador à figura do coronel) que impossibilitou a análise (por parte dos políticos, opositores e cidadãos) dos movimentos estratégicos do PT para a conquista do poder na Bahia. Ele diz que o PFL venceu quatro vezes o governo estadual detendo apenas 1/3 ou 34% do eleitorado, sendo fato concreto que o partido de ACM sempre abocanhou esse percentual de votantes. O que propiciava a vitória do partido era (além da ínfima parcela de votos recebido pelos opositores) a alienação eleitoral, pois os votos nulos e brancos acabavam sendo somado ao percentual atingido pelos candidatos do PFL.
Durante a década de 90 o número de votos brancos e nulos na Bahia era maior que no Brasil e no Nordeste, mas isso mudou em 2002, com a inserção das urnas eletrônicas na política brasileira, pois o número de votos nulos e brancos caiu consideravelmente, quase ocasionando a perda do carlismo nesse ano. A partir de então a oposição-carlista estava se tornando mais coesa e tentava escapar dos estereótipos de ‘coveiro de ACM’, para consolidar a vitória (triunfal) de 2006. Neste ano, as defasagens do carlismo foram irreversíveis: houve perda de parte do judiciário, o movimento ganhou um forte concorrente municipal – o jornal A Tarde –, e perdeu o editorial da TV Bahia, além dos cargos ministeriais do governo de Fernando H. Cardoso e da redução da Assembléia em ¾, ficando apenas com 1/4 dos cargos.
Diante da catástrofe pela qual o carlismo vem passado (somada ao próprio desgaste [de dez anos] físico e simbólico do senador ACM) as dúvidas sobre as derrotas de efeito dominó de 2006 não cessam em se aglutinar. O “porque”, porém, continua sendo a mais forte dentre as interrogações. Paulo Fábio destaca três fatores para responder a indagação. Começa falando que o Partido dos Trabalhadores não venceu um carlismo moribundo, mas um PFL cheio de alianças e estratégias que visavam o regresso ao poder, sem, porém, a figura do painho. A oposição abrangente do PT ao carlismo passa a ser, então, o primeiro fator da derrota de 2006. A visibilidade nacional do PT; a ocupação de cargos federais dentro na Bahia por filiados do partido; o programa Bolsa Família e o apoio aberto e via rede nacional de Lula ao candidato a governador (no ano em questão) Jaques Wagner, consistem o segundo fator da derrota do PFL. O terceiro fator seria, portanto, o desgaste do PFL/ACM/Carlismo depois de tantos anos incessantes no domínio do poderio político estado-municipal.
Paulo Fábio termina a sua apresentação lançando duas provocações. A primeira delas foi a lembrança de que Antônio Carlos Magalhães sempre teve/defendeu um lado, este que foi o do capital, das práticas neo-liberais e da elite. A segunda foi a preocupante suscitação de que o governo de J. Wagner ou polarizará o poder estadual com os seus adversários políticos (Paulo Souto, A.C.M Neto e Aleluia) ou então criará um novo carlismo de oposição: exercerá um poderio fechado do PT na Bahia. Ele falou, polidamente, da alienação política generalizada. Será um convite à insurgência baiana?

[1] Paulo Fábio Dantas Neto é doutor em Ciências Humanas - Ciência Política – pelo Instituto Universitário de Pesquisas do Rio de Janeiro (2004), com ênfase em Elites Políticas Regionais, atuando principalmente nos seguintes temas: Política baiana: sua história (anos 50 e mais) e contemporaneidade; carlismo; elite estadual e mudança institucional; processos de reprodução da elite estadual; ação parlamentar; configuração partidária e competição eleitoral.
[2] Trecho retirado do site <>
[3] Trecho retirado do artigo ACM: PODER, MÍDIA E POLÍTICA, do professor-doutor da Faculdade de Comunicação da UFBA Antônio Albino.
[4] Trecho retirado do texto “O “H” da baianidade” de Carlos Haag (Janeiro 2007).
[5] Trecho retirado do texto “O “H” da baianidade” de Carlos Haag (Janeiro 2007).

Escrito por Emilly Dias

Resenha da aula 06/03/2007

2007-03-09T11:14:00.000-03:00

Dentro da pré-estabelecida divisão de assuntos durante as aulas de Comunicação e Tecnologia, ministrada pelo professor doutor André Lemos, começamos a do dia 06/03/07 com a discussão (trazida por alunos da primeira turma) sobre a Wikipédia, a livre enciclopédia. Dentro do assunto, o professor explicitou o significado e funcionamento de:

Wiki – é um software de produção e compartilhamento de conteúdo. Em se falando de acesso, ele é semelhante ao Blog, já que indivíduos escrevem coletivamente. A diferença é que qualquer pessoa tem poder de modificar o texto e conteúdo produzido anteriormente por outros, através da utilização (majoritária) do código HTML As desvantagens que envolvem este software são as publicações, já que as mesmas podem conter informações não 100% seguras (já que quem escreve nem sempre é dotado de conhecimentos profundos sobre o tema) e o vandalismo (presença de publicações tendenciosas, inválidas e corrompidas).

Blog – é uma ferramenta (leia-se página na Web) coletiva de postagens de textos por data, com abertura para comentários. As postagens, ou atualizações, são escritas por todas as pessoas inscritas naquelas determinadas páginas (blogues/blogs) e não podem ser alteradas na sua estrutura por terceiros. Os comentários, por sua vez, significam um espaço dentro do Blog onde qualquer pessoa pode contribuir, discutir, desconstruir ou adicionar conteúdo, sempre relacionado ao texto da postagem.

Web 2.0 – O tópico, na minha opinião, mais complicado de resumir. Em sala, foi levantado o seguinte esquema:
Emissão (de uma pessoa para alguma outra pessoa, de qualquer lugar do mundo) => Conexão (vinculada ao número de trocas potenciais de conteúdo) => Reconfiguração (as mudanças pelas quais a linguagem, modelo e interface da Web foram submetidos ).

Nas palavras dos contribuidores do site Carreira solo, a Web 2.0 significa, entre outras coisas, simplicidade e conteúdo:

“Tudo deve ser intuitivo e evidente. É um mundo sem tabelas desnecessárias ou gráficos pesados. Nele, os ambientes se adaptam ao local onde são lidos/consumidos; na verdade, nos parece que o destino é a independência deste suporte. A nova web se alimenta. De conteúdo.”

“O conteúdo da Web 2.0 é a possibilidade democrática e sem barreiras de exercer sua possibilidade de opinar... A esta habilidade de opinar diretamente sobre o conteúdo, damos o nome de Tagsonomia, ou seja, associar àquele trecho de qualquer coisa, uma marca indelével, classificatória e pessoal. Daí a enxurrada de Comunidades Digitais e Aplicações que nos fazem mais falantes, que mostram ao mundo nossa(s) personas digitais . E isso não quer dizer que este mundo novo acontecerá apenas no computador pessoal, como conhecemos hoje. A Web 2.0 nasce sob a égide da pervasividade. Ou seja, as aplicações que chegam ao “mercado” virão prontas para rodar nos players de mp3, nos celulares, nos videogames, na TV Interativa .”

A diferença básica entre a Web e a Web 2.0 é que a primeira se configura na leitura e a segunda pressupõe o melhoramento da anterior, usando a leitura, mas apostando na participação (escrita).

A cauda longa - Teoria postulada pelo jornalista Chris Anderson que explica como a livraria virtual Amazon (dentre outras empresas virtuais) vem propiciando uma mudança significativa no foco do consumo em muitas culturas e sociedades contemporâneas, tentando quebrar a hegemonia da regra dos 80/20[1]. Baseado na receita da loja em questão, Chris comprova que os numerosos nichos (ou produtos “desprezados” pelo mercado tradicional, pela não rentabilidade imediata do mesmo) podem ser economicamente tão atrativos quanto os poucos milionários hits, já que como na internet a livraria possui uma prateleira ‘infinita’, a quantidade de volumes oferecidos tornar-se-á sem fronteiras, abrindo assim a possibilidade de circulação para os diversos formatos nichos (que não precisarão mais passar pela homogeneização dos blockbusters).

Gráfico retirado do site Techbits.

A segunda etapa da aula configura-se nos textos lidos em sala. A partir deles foi tecido um panorama (a partir de diferentes visões) sobre a influência da tecnologia na vida do homem moderno; até onde elas se diferenciam das descobertas dos homens remotos; e como essas técnicas mudaram a psicologia, laços sociais e trabalhistas de toda a sociedade hodierna.

Começando pelo texto “Tecnologias escravizam e destroem o caráter” do professor Gilson Shwartz, é percebida uma atitude pessimista em relação aos destroços, mazelas e detritos que as técnicas produzem. Resumindo o texto às suas palavras chaves, há uma abordagem dos contrapontos da técnica sob suas facetas mais diversas:
A promessa da empregabilidade x demissão em massa;
Escravos letrados + "commoditização" (por palavras dele: vulgarização mercantil em larga escala) que resultam numa avançada[2] forma de alienação do trabalho a qual “estaria obrigando os indivíduos a um desligamento social que culmina com a incapacidade de perceber o tempo e conceber o futuro.”
Um exemplo cabido neste contexto (citado em aula), foi o da empresa Google, onde ela esquematiza o tempo dos seus “escravos com habilidade em HTML” de uma maneira tal que eles passem a trabalhar e a produzir com prazer, sem sair do espaço físico da companhia. O esquema é mais ou menos assim:
70% do tempo os empregados fazem o trabalho rotineiro da empresa
20% do tempo eles estarão criando, com total liberdade, qualquer produto (a exemplo do Orkut) dentro da empresa, mesmo que eles não estejam dentro do padrão estipulado pela mesma.
10% de ócio criativo.

Bombasticamente crítico, o matemático e, segundo alguns, neo-ludista Unabomber aborda o estupro da liberdade pela técnica implantada (não mais paulatinamente) na (s) sociedade (s) no seu texto “A tecnologia ameaça a liberdade”.
Diferentemente do que Daniel Bougnoux abordou em “Qual determinismo tecnológico” sobre a existência das tecnologias flexíveis, ou seja “aquelas que se propõem sem se impor e que podem ser evitadas”), Unabomber não acredita na utilização facultativa dos meios técnicos e diz, inclusive que “em muitos casos a nova tecnologia altera a sociedade de tal forma que as pessoas acabam por se sentir "obrigadas" a usá-la”.

Marc Guillaume, por sua vez, esquematiza o funcionamento das técnicas:

O economista francês, M. Guillaume, acredita que a tecnologia trabalha em três níveis: o retórico, estratégico (que se caracterizam como a mitologia programada) e táctil (a verdadeira mitologia, patamar no qual a sociedade se apropria das benesses e prejuízos da técnica). A lembrar que o nível táctil acontece por apropriação macro-determinada da técnica, mas seu uso é adaptado às idiossincrasias de cada região e localidade onde a mesma (a tecnologia) foi empregada e “aceita”.

“Toda tecnologia é passível de uma apropriação criativa. A internet é um bom exemplo. Inicialmente foi projetada para fins militares, como meio para preservar as comunicações entre pontos estratégicos... Hoje caiu em domínio popular e sua atual expansão transformou os propósitos iniciais em uma idéia esdrúxula.
Deste modo, justifica-se a quebra da homogeneidade tecnológica. A vida na cidade, por exemplo, não é experimentada da mesma forma por todos os cidadãos. A prática na cidade nada mais é que a invenção da vida, onde cada indivíduo participa com suas experiências pessoais, modificando conteúdo do lugar onde vive. Ou seja, o indivíduo não é um receptor passivo das influências externas, mas age para transformar o seu meio.”[3]

[1] Esta é a regra intitulada “Pareto Principle” a qual afirma que 20% dos produtos representam 80% do faturamento.
[2] Aprimoramento da alienação marxista.
[3] Trecho retirado do site de Comunicação e Atualidade da Faculdade de Comunicação da Ufba.

Resenha escrita pela aluna Emilly Dias, referente à aula da terça-feira, dia 06/03/2007

começando pela Gaia.

2007-03-01T00:40:00.000-03:00

Assim como o eterno retorno:

A destruição da construção, o contruído destroçado.

Permanência? Memória de curto-médio-longo prazo.

A toi & Edie Sedgwick

2006-12-19T02:02:00.000-03:00

Virou um vício....

After Hours
Rilo Kiley

Will you close the door?
If you close the door
The night could last forever
Keep the sunshine out
And say hello to never
All the people are dancin' and there havin such fun
I wish it could happen to me
But if you close the door
You never have to see the day again
If you close the door
The night could last forever
Keep the wine glass out
And drink a toast to never
But someday i know someone will look into my eyes and say "hello, your my very special one"
But if you close the door
You never have to see the day again
Dark black bars
Shiny cadillac cars
People in subways and trains
Looking gray in the rain as they stand disarrayed
People look well in the dark
If you close the door
The night could last forever
Leave the sunshine out
And say hello to never
All the people are dancin' and they're havin such fun
I wish it could happen to me
But if you close the door
We never have to see the day again
You never have to see the day again(once more)
We never have to see the day again

Obrigada.

http://www.youtube.com/watch?v=gZdx5TkiFeA

Para vê-la graciosa.

A General (The General, EUA, 1927, P&B, mudo).

2006-12-16T18:00:00.000-03:00

Poderíamos pensar na perseguição de Tom a Jerry, nas lutas de Jackie Chan, Bruce Wills ou Van Dame, na atuação dos alunos da Escolinha do professor Raimundo; dos Trapalhões, nas situações dos mangás ou H.Q’s e, voltando mais ao passado, nas atitudes e exageros de Jerry Lewis e nos mirabolantes e heróicos pulos dados por John Wayne durante as perseguições aos apaches, sem e existência de Chaplin, Lloyd ou Keaton (o tripé da comédia e, também, gênios da linguagem cinematográfica)?
Buster Keaton, ao inaugurar nas telonas o “comediante que nunca ri”, numa época de películas bicromáticas e áudio inexistente, mostra aos seus espectadores a mais essencial comédia corporal e explícita. No intervalo entre 1926 -1927, período no qual fora filmado “A general”, o cinema ainda não possuía a tecnologia de reproduzir sons concomitantes à trama (mas estava muito próxima de alcançar este estágio). O que existiam eram orquestras que, presencialmente durante as seções, faziam a trilha para compor a magnitude de muitos dos filmes mudos. Por este motivo, Buster Keaton fazia valer o seu título de comediante numa remota época onde não existiam (cinematograficamente falando) figuras ou referências de comédia. Chaplin, Lloyd e Keaton foram os inventores de si mesmos e dos trejeitos que vêm sendo copiados diária e atualmente por clowns, dublês (em momentos de luta, perigo físico, aventuras, entre tantas outras estripulias) escritores e personagens de histórias em quadrinho. Ao passo que são inventores, eles buscam nas antigas instituições de entretenimento e expressão popular a base dum humor ingênuo e, sobretudo, brilhante.
Keaton engenhosamente emprega os gags, a comédia slapstick[1], o humor negro e um surrealismo do riso, ao resgatar as práticas artísticas de Vaudeville[2] ao mundo cinematográfico. O cômico aprendeu e pratica a pantomima e as várias categorias interartísticas (do Vaudeville) desde os quatro anos e, como uma característica nata, separa-se do seu contemporâneo Charles Chaplin na abordagem e maneira de fazer rir. Buster Keaton faz seu humor mais mundano e externo e preocupa-se com a mágica do rir mais que a tentativa de denúncias político-sociais e intimismos. Buster, portanto, não procurava simular feições ou atos estereotipados que forçassem o riso do espectador, ele apostava mesmo na sua mobilidade corpórea e nas surpresas e soluções cômicas que seu personagem desenvolvia durante o filme (um bom exemplo para esta afirmação se dá quando, em “A general”, um combatente inimigo, ao fumar seu charuto, encosta-o na toalha da mesa, furando-a e quase queimando Johnnie Gray (Buster), que, em busca de comida e amparo, havia acidentalmente se infiltrado na casa dos generais nortistas. Ele se esconde de baixo da mesa, onde os combatentes arquitetam o plano de ataque, quando vê Annabelle, feita refém, através do furo na toalha que havia sido produzido pelo charuto do General). Em condições de sossego ou agito, de riso ou siso, amor ou perigo o ator, diretor e produtor oferece àquele que o assiste a oportunidade de chorar, sorrir, a preencher o semblante do cômico, onde falta a expressão. A complexidade deste personagem deixa claro que o humor keatoniano seguia outra tendência que se separava da técnica padrão e esperada da comédia (coisa que encontramos, por exemplo, em Jerry Lewis), que se caracteriza pelas feições exageradas, pelas vozes roucas, estridentes e esganiçadas, pelo fracasso do protagonista (que geralmente é estúpido, feio, esquisito; uma pessoa desprovida de qualquer atrativo seja físico seja conteudista).
Em ‘A general’ o que mais atraiu a minha atenção, Johnnie Gray que me perdoe, foi a complexidade das filmagens. Só em perceber que: para fazer muitas das cenas, dois trilhos eram necessários para registrar as peripécias do condutor do trem (Johnnie) e a perseguição que visava o resgate da General, a locomotiva roubada; que mecanismos foram adotados e experimentados para manter a estabilidade da imagem durantes as filmagens; e a precisão de uma fotografia de qualidade que tivesse a preocupação em tornar a trama o mais fiel e próximo possível à época da Guerra de Secessão americana (1861), além da confecção da memorável cena (a locomotiva Texas caindo junto à ponte num rio) e mais cara de todo o cinema mudo me fazem ver que além de um preciso comediante, Buster Keaton era um homem extremamente perfeccionista, inventivo, enfim, brilhante.
O equilíbrio e consonância de cada take em a General que, em sua maior parte, foi rodado em área externa (isso explica o grande uso das lentes grande angular e dos planos abertos) e em movimento (já que a história se centra na perseguição de um trem a outro, onde a todo momento vê-se interrupções das mais diversas naturezas [canhão em rodas, madeiras, trilhos e vagões carrilhados e destruídos]) fizeram com que os $750,000 dólares (preço amplamente astronômico para a década) fossem muito bem gastos por Keaton (mesmo que tenha o levado a quase falência, já que a bilheteria não ultrapassou os $500,000 dólares e o obrigou a se algemar ao contrato da MGM), pois ele foi capaz de fazer um épico considerado um dos melhores filmes da década de 20 (e quem sabe da história do cinema).

[1] Slapstick é um tipo de comédia que envolve uma exagerada violência física. O estilo é comum para os gêneros de entretenimento (atualmente tais como Cartoons, H.Q, comédias juvenis e românticas) que tende a levar a audiência a lograr situações que possuam um humor quase cruel e que se esquive das convenções sociais.
[2] Vaudeville é um estilo de teatro multifacetado que apareceu na América do Norte em 1880 e teve seu declínio em 1920, durando portanto cerca de 40 anos. Em uma noite de performances poderiam ser apreciados de matemáticos a acrobatas, de duetos de dança e cantoria à números mágicos, de comédia ou teatral.

Emilly Dias

Flickr

2006-12-13T20:40:00.000-03:00

Sem palavras, tento falar um pouco sobre meu olhar...

http://www.flickr.com/photos/emillydias/

Samuel Fuller, in some words

2006-10-22T01:12:00.000-03:00

“Fuller adorava as sombras do filme ‘noir’, a selvageria do Oeste, o caos da batalha”, escreveu Rus Thompson.

Samuel Fuller desde cedo viveu num ambiente cercado de almas inóspitas. Aos 17 anos ele foi repórter policial, no “San Diego Sun”, o que permitiu a ele a coleção de “materiais” para a sua futura carreira como diretor de cinema. Trabalhando nas coberturas dos mais absurdos acontecimentos, como repórter, Samuel teve contato com vários tipos de marginais sociais. Bandidos, assassinos, corruptos, estes eram o objeto de estudo do garoto Fuller. Sua inserção primordial no mundo cinematográfico se deu quando, na década de 30, ele começou a colaborar com diversos roteiros de filmes B. Temporariamente ele teve de se afastar das câmeras e máquinas de escrever para servir na Segunda Guerra mundial, pela Primeira Divisão de Infantaria, onde lutou no Norte da África e na Europa. Mais uma vez a iniqüidade faz parte do cotidiano de Samuel. As mais diversas formas de “matar ou morrer”, discriminação e humilhação foram vivenciadas por ele na época em que serviu o exército Norte Americano. Como um soldado com muitas condecorações, Fuller agora também estava munido de conhecimentos sobre campos de batalha, guerra e violência (muitas vezes gratuitas) temas que futuramente se tornariam a chave para muito dos seus filmes. O primeiro filme dirigido por Fuller foi I Shot Jesse James, em 1949. A partir daí sua contribuição para o cinema foi crescente e intensa. Fuller começava a criar a sua linguagem e estética cinematográfica, aparecendo, durante as décadas de 50 e 60, época em que dirigiu 17 filmes, como um dos promissores cineastas da era pós-guerra nos EUA. Ele iniciava – bem no epicentro da época clássica – a abordar temas sociais antes ignorados pelos diversos diretores, seus contemporâneos. Ele nunca fez parte de nenhum movimento ou gueto no espaço fílmico, pois se via compromissado com a denúncia, com a ação. Era um outsider. Ousou na criação de filmes com características modernas, os quais abordavam profundamente temas dos becos escuros da tão ‘harmoniosa’ América. Fazia uso da atmosfera Noir, das luzes expressionistas para denunciar o choro dos excluídos. Fuller não era adepto ao maniqueísmo estadosunidense, por este motivo, nos seus trabalhos esforços não foram poupados para desconstruir o protótipo dos mocinhos e vilões. Pode-se dizer que o diretor pincelava o arquétipo dos anti-heróis. Os personagens principais dos seus filmes (os antigos “mocinhos”) eram homens e mulheres comuns, cheios de defeitos e desvios de personalidade, eram ladrões, soldados, prostitutas e pedófilos. Uma qualidade intrínseca a Fuller, que pode ser considerado como um presente dele ao cinema, era a habilidade de tecer uma linguagem quase documental, com uma narrativa direta e sem floreio de adjetivos, além de criar diálogos objetivos, porém cheios de carga política e insinuações acerca da concreta realidade. O cenário, o ambiente e as figuras dramáticas de Samuel eram caracterizados por uma desordem na essência, muita contradição, mistério e sombras. Esse conjunto de atributos chocava a sociedade e críticos da época, o que ocasionou na pouca distribuição dos seus filmes na ocasião em que eram lançados, pois nenhum distribuidor se arriscaria a pôr a abordagem Fulleriana do real nas telonas. Em suma, Samuel Fuller (segundo meu ponto de vista) significa para o cinema a queda das máscaras, falando visceralmente da conjuntura real da sociedade na qual ele era inserido. Nele existia a - quase - perfeição da técnica de realizar filmes, equilibrando a luz, os contrastes e a fotografia num tripé invejável. Os atores reafirmavam a veracidade de Samuel, dando aos seus personagens mais vida do que as geniais palavras encaixadas no script, o suposto responsável pela existência dos personagens. Enfim, Fuller significava a voz que precisava emergir para ser ouvida e compreendida, motivo pelo qual ele foi a razão do medo e do forçado esquecimento por parte dos cidadãos do seu país.

Emilly Dias

Shock Corridor

2006-10-22T00:52:00.000-03:00

Os temas que se fazem presentes em Paixões que Alucinam são inúmeros e complexos. Porém Samuel Fuller pôs nos quatro personagens centrais (sendo um deles, Johnny Barrett, o principal) a incumbência de representar os quatro mais influentes problemas da película, em consonância com os da sociedade norte americana da década de 60.

Esta época é marcada por transformações em todos os seguimentos dos EUA e do mundo. A literatura é expressa através dos Beatnicks que desejam arrasar o modelo burguês do “american way of life”, os modernistas desestruturavam a forma perfeita da arte, a música começa a ganhar transformadores (a invasão britânica penetra no mercado fonográfico bastante fechado dos EUA), há a independência tardia de diversos países africanos, os Panteras Negras clamam o pelo Black Power, Martin Luther King luta contra a segregação racial no seu país, tentando dar dignidade à identidade negra, a Guerra no Vietnã matava milhares de jovens americanos e vietnamitas, ocorre a construção do muro de Berlim, também toma corpo a Crise dos Mísseis em Cuba (ela que foi a iminência de uma guerra nuclear), John F. Kennedy é assassinado na sua campanha pela re-eleição, vários países da América Latina ficam sob influência, ocasionada pelos golpes que deram origem às Ditaduras, dos militares, enfim, os EUA e a URSS matam a sua própria paz e a do restante do mundo durante o longo período de Guerra Fria.

Presenciando a ocorrência de todos esses acontecimentos não havia lógica ou razão para Fuller falar sobre mocinhos, princesas e sonhos inexistentes. Em Shock Corridor todo esse fascínio destrutivo e toda a atmosfera do medo foram trazidos para um corredor, ou ironicamente chamada de ‘Rua’, situado num hospício. Quem é o verdadeiro louco?

Dividido em três pilares centrais e um principal, Samuel fala da Guerra Fria, que acarretou a corrida armamentista e nuclear; fala do Racismo, representado pelo isolamento e pela marginalidade social que os ‘cidadãos’ brancos designaram aos negros e, principalmente pelo Ku Klux Klan(KKK); fala também das guerras, num âmbito geral, abordando o horror contido em qualquer guerra, de qualquer dimensão; e, fundamentalmente, sobre a obsessão e desejo exacerbados por fama e reconhecimento:

“Whom God Wishes To Destroy... He First Turns Mad”.

Encarnada em Stuart (James Best), a problemática comum a todas as guerras (em destaque a Guerra Civil norte americana, a Guerra da Coréia e a IIGM) é retratada metaforicamente no filme. Toda exacerbação do ódio, toda a brutalidade com precedentes falidos e tantas vidas roubadas foram situações agrupadas em um homem fragilizado pela intolerância e a incapacidade da razão. Fazendeiro, católico e procedente do sul dos EUA, Stuart fugiu de casa em busca de um ideal, um sentido para os seus dias (arrisco a dizer que esta ocorrência era comum aos jovens do país, uma vez que eram todos desprovidos de futuro e viviam um presente recheado de ignorância e vazio, quadro que perdura até datas atuais). Encontrou o comunismo, a luta, um norte. Até o dia em que ficou na delegação de fazer uma lavagem cerebral no “ingênuo”, um sargento da primeira divisão (suponho que Fuller esteja fazendo uma auto-homenagem) chamado Callowed (acredito, também, que o diretor, na passagem acima descrita dê uma leve pincelada – muito sutil – no amor homossexual entre homens do exército, prática comum num ambiente em que não se ver mulheres por extensos períodos). Ele desiste da bandeira vermelha e volta à América, repudiado por todos, notadamente pelos seus próprios familiares.

Sob a representação do genial cientista, Dr. Boden (Gene Evans), ganhador do Nobel de Física pela colaboração do desenvolvimento da bomba atômica e da bomba H, existe a discussão sobre a Guerra Fria e seus efeitos, mais que colaterais, na esfera global. Fuller dá uma verdadeira amostra do seu ‘ativismo’ pró-humanidade. Aquele que brincou de Deus, fabricando armas capazes de dizimar a raça humana, enlouquece, regredindo sua idade mental aos seis anos. “Com essa ameaça de destruição imediata, estamos à beira do desastre (...) Não consigo viver com prazos finais, então desisti de viver”, diz Boden enquanto faz um portrait do Jonh. Em uma correlação com o Dr. Strangelove (Reino Unido / EUA, 1964), de Stanley Kubrick, comprova-se que toda a comunidade cientifica envolvida na manutenção da guerra Socialismo x Capitalismo era uma parte dos verdadeiros loucos mundiais.

A mais contraditória imagem vem representada num garoto chamado Trent (Hari Rhodes), único estudante negro a ingressar numa universidade sulista (possivelmente a de Mississippi, um dos estados mais reacionários na atitude pró-supremacia americana) exclusiva para os brancos. Diante a execração diária, ele não suporta conviver num ambiente em que sua liberdade é medida pela cor da sua pele não pela sua capacidade ou condição humana. A reação a toda essa atmosfera inabitável o tormenta, então ele passa a crer que é o criador da KKK “General Forrest você anda dizendo que fundou a Klu Klux Klan. Eu sou o fundador, o grão mestre”, dizia enquanto segurava a camisa de John. Ele, então, aterroriza, maltrata os negros da instituição além de fazer campanhas que disseminam o racismo doentio dentro do hospício. “Sou a favor do americanismo puro. Supremacia branca! (…) Temos que jogar pedras e bombas, bombas negras para estrangeiros negros! (...) Queimem cada adorador de crioulos que existir! Chame-nos de KKK, nós vamos executar a matança africana!”. Fuller reproduzia através de Trent todo o discurso absurdo que durante muitos anos vinham sido reproduzido em atos e concordância de todas as pessoas que molestavam os negros (focando a atenção maior ao grupo extremista tão comentado no parágrafo, por representar – nos EUA - o ápice da intolerância). Em um suspiro de sobriedade, Trent relata os maus-tratos aos quais fora submetido. Repete a lei outorgada na quarta-feira, 30 de agosto de 1954, onde “A Suprema corte decreta o fim imediato da segregação nas escolas do país” sabendo que ela não era aplicada à realidade, então fala “para que as úlceras acabem, as escolas devem ser instruídas antes de abrirem as portas”.

O tema central do filme circunda na ambição de Johnny Barrett, um repórter do Daily Globe, obcecado pela fama e reconhecimento. Ele acreditava que a única maneira de fugir da mediocridade era conquistar o prêmio Pulitzer. Para alcançar este objetivo, Barrett arquiteta, juntamente com seu amigo psiquiatra Dr. Fong, o seu chefe Sr. Swanee e a sua namorada, a streaper Cathy (visivelmente contrária àquela armação), um plano insano de se infiltrar num hospício de modo a investigar e resolver um crime que as autoridades não puderam dar como encerrado. Johnny mentiu, corrompeu e finalmente conseguiu penetrar na clínica psiquiátrica. Ele já sabia exatamente quem eram as testemunhas e como enganar aqueles que poderiam lhe desmascarar. Por ironia, quanto mais próximo ele chegava da solução do crime, mais mentalmente perturbado ele se tornava. Na verdade Johnny nada mais era do que a personificação da grande maioria de cidadãos medianos e frustrados com a sua rotina cotidiana. O sonho de alcançar um prêmio, prestígio e, obviamente o dinheiro que lhe acarretaria status, é o caminho mais rápido e “fácil” de subir o degrau da “felicidade”. A partir daí, aparece a assertiva de Maquiavel de que “os fins justificam os meios”. A finalidade: o prêmio. Os meios: a qualquer custo entrar no manicômio, saber o nome do assassino, sair gloriosamente do corredor do hospício para o corredor da fama. Porém o custo do prêmio foi mais alto que Barrett e seus ajudantes imaginaram. Sua insanidade agora é dona da sua mente, de modo irreversível.

“O homem não pode brincar com a mente, viver num sanatório, se submeter a tratamentos e não esperar conseqüências. Johnny é um esquizofrênico catatônico, o louco mudo que ganhará o Pulitzer.” fala o doutor Cristo à Cathy nos últimos minutos do filme.

Emilly Dias

Paixões que Alucinam (título original: Shock Corridor)
Filmado em 1963, dirigido, escrito e produzido por Samuel Fuller
Elenco:
Peter Breck como Johnny Barrett;
Constance Towers como Cathy;
Gene Evans como Dr. Boden;
James Best como Stuart;
Hari Rhodes como Trent;
Larry Tucker como Pagliacci;
Diretor de fotografia: Stanley Cortez;

A.S.C. Duração: 101 minutos. Cor: Preto e Branco e Colorido.
Adicionar comentário sobre o nome.

O Beijo Nu.

2006-10-19T00:15:00.000-03:00

“Uma vez, o beijo de um homem teve esse gosto. Ele foi internado num hospício. Senti aquele gosto desde a primeira vez que Grant me beijou. Foi o que chamamos de um beijo nu, a marca de um pervertido”.

Um beijo nu significa um beijo doente, mesmo que sincero, uma postura cuja aspiração é a mais pura realização de um ato sexual perverso. Analisando através dos diversos sinônimos que a palavra ‘nu’ possui (desnudo, despido, pelado) logicamente caberia a interpretação de que o beijo nu de Grant foi uma atitude em que ele revelou uma parte da sua essência, mesmo sem a intenção de fazê-lo. Kelly possivelmente usou este termo para designar a falha de caráter do ‘herói’ de Grantville. Ela metaforicamente dizia que Grant era um homem doente, um pervertido e que ela havia sentido essa essência podre dele desde o primeiro toque carnal que teve com o homem. Ela deveria saber, certamente, que ele não se tratava de alguém comum, visto que, dotada da profissão de prostituta, ela teve oportunidade de experimentar uma grande variedade de tipos masculinos, com todos os defeitos e personalidades.

Emilly Dias

The Naked Kiss

2006-10-19T00:05:00.000-03:00

“Kelly is a hooker for business reasons. She loves children for personal reasons”, disse Fuller numa entrevista.

O filme aborda a vaidade mesclada à auto-estima, o sonho, o submundo da prostituição (sob sinônimos de venda de bombons e champagne ‘Angel Foam’), a pedofilia, o patriarcalismo (juntamente a todo tradicionalismo de pequenas cidades) e a contradição (expressa nas figuras de Kelly: a prostituta linda, porém dotada de conhecimentos da cultura musical (Moonlight Serenade) e literária (Goethe); Grant: milionário caridoso e pedófilo e Griff: a lei e o poder local totalmente arcaico e sem nenhuma noção de cultura ‘erudita’. “Você como tira deveria ler livros. Goethe, por exemplo. Ele disse que não há nada pior que a ignorância, e você provou que ele tem razão!” Dizia Kelly depois de ter sido insultada por Griff, que insinuou que ela era suja pelo fato da profissão que ela exerce).

A vaidade pode ser expressa em dois momentos de “plot point” do filme. Um deles acontece na primeira e mais memorável cena em que Kelly está raivosamente espancando um homem bêbado, dentro de um apartamento (futuramente descobrimos que ele era seu cafetão). O clima é reforçado pela tensa e frenética música de Jazz ao fundo. A fúria da personagem se torna mais intensa quando este homem, ao tentar se defender arranca-lhe a peruca, desnudando algo que incomoda Kelly: ela precisa ser bonita para exercer a sua profissão, seu ganha-pão. Depois da tamanha surra, sua vítima cai inconsciente e ela arranca a carteira do bolso dele, retirando apenas a quantia que lhe pertence. Aqui já aparece a primeira contradição da película: Kelly, prostituta, violenta, representação da escória social, honesta e virtuosa. A música muda quando ela se recompõe no espelho. Uma melodia melancólica expressa aquele momento de reconstituição da auto-estima da mulher explorada, devastada. Quando ela finalmente se enxerga bonita, ela volta à sala (no mesmo instante, a música de jazz), rasga uma foto sua, que estava pendurada numa das paredes da sala, e joga os pedaços no chão, junto aos dólares que antes estavam no bolso do homem desfalecido. O segundo momento da vaidade combinada à auto-estima acontece quando Kelly se olha no espelho, depois de uma noite com Griff e decide que a vida de prostituição é algo que ela não quer perpetuar. “Foi o olhar mais longo da minha vida. Eu vi uma maquinaria quebrada. Só notas, uma cama e uma garrafa pelo resto da minha vida”. Diz a Griff, no hospital ortopédico, quando anuncia que largou a sua antiga profissão.

O sonho acontece em três ocasiões. A primeira advém duma história que Kelly conta, aos pequenos enfermos, sobre uma espontânea e linda brincadeira no parque que a envolvia e também às crianças. Dessa maneira, ela dá uma fugaz esperança aos pequeninos de que eles estavam livres das muletas, camas e cadeiras de rodas. O outro momento, que representa o devaneio dos personagens, ocorre quando Kelly acredita que vai conseguir finalmente livrar-se do seu passado obscuro. Esta nova moldura de ser, com a qual ela se presenteia, sucede quando ela começa a cuidar das crianças na clínica ortopédica. Adicionado a isto ela alimenta expectativa de virar uma mulher digna, relacionando-se (esta relação se dá quando ela vai assistir as gravações de Grant em Veneza e a partir daí cria sua primeira aspiração de comungar a vida com aquele homem) e casando-se com Grant. A subseqüente ocasião fantasiosa, porém pouco explorada no filme, é o sonho da mulher que tem o seu amado recrutado para servir a guerra. Ela recebe, tempos depois, um telegrama anunciando a morte do seu namorado, as medalhas como forma de reconhecimento do trabalho prestado a nação e a espera de 20 anos para a realização da quimera de se casar com seu Charlie, coisa que jamais iria se concretizar.

A pedofilia se expressa no homem cujo nome “é sinônimo de caridade”. Grant, tataraneto do fundador da cidade onde Kelly se instalou, era o “solteirão mais cobiçado”, inclusive por ela. Quando, próximo à data de casamento, a personagem vai mostrar o vestido de noiva ao seu futuro marido, eis a revelação: aquele homem honesto, caridoso, a verdadeira corporificação do príncipe encantado era, na verdade um pedófilo. Kelly não suportou a nova descoberta e, chocada, mata Grant.

O patriarcalismo se expressa nas figuras de Grant e Griff. Grant é o mantenedor da cidade, fundador do hospital que dá empregos e dignidade aos cidadãos. É o homem mais respeitado da região. Griff (que além de patriarca carrega consigo as mais ardorosas características do tradicionalismo) é aquele que impõe a ordem. Ele é um policial e não quer ver a suposta paz da sua pequena cidade perturbada. Usa qualquer mecanismo para se livrar dos indesejáveis: Primeiro ele dá seu próprio dinheiro no intuito de se ver livre de um ‘vagabundo’: “Obrigada Griff, lhe pagarei de volta” – diz o vagabundo quando o policial lhe paga a passagem para ele sair de Grantville. “Faço isso porque seu irmão trabalhou comigo. Não quero ver aqui de novo”. Depois disso, ele segue cada passo de Kelly, de modo a evitar que os serviços da moça não se espalhassem pela cidade: “Não haverá depois. Esta cidade é limpa. Não vamos nos dar nada bem se invadir meu terreno”. Declara isso depois de passar uma noite com Kelly e estar saciado com a degustação do seu produto. Quando a mulher quer se regenerar, largando de vez o meretrício e começando um trabalho com crianças, ele fica de sentinela, esperando que ela dê um primeiro e único passo em falso.

A contradição é representada em muitos momentos do filme. Adicionado aos acontecimentos citados no primeiro parágrafo, existe ainda a cena mais representativa do paradoxo (da essência humana) na situação que envolve o assassinato de Grant. Abismada depois de desmascarar a doença do seu futuro esposo, tomada pela fúria após ser taxada de anormal, Kelly não hesita e acerta em Grant um certeiro golpe com o gancho do telefone. Depois da tragédia ocorrida, ela amarrota o vestido de noiva (símbolo da sua libertação e felicidade), que acabara de ser pronto, de volta na caixa e permanece sentada na cadeira, taciturna, entendendo que seus ideais de plenitude viviam apenas no plano da ilusão. Após todo o tempo de investigação e carceragem, Kelly, que era a inimiga mais odiada da cidade, se transforma na heroína mais adorada (este intervalo é marcado pela grande hipocrisia que as pessoas carregam dentro de si).

Emilly Dias

Ficha Técnica:

Título original: The Naked Kiss

Direção: Samuel Fuller Roteiro: Samuel Fuller

Elenco: Constance Towers (Kelly) Anthony Eisley (Griff), Michael Dante (Grant).

Gêneros: Drama, Policial, Romance

País/Ano de Produção: Estados Unidos / 1964

Duração: 91minutos

Les Yeux sans Visage

2006-10-12T22:46:00.000-03:00

Para compreender a anatomia de “Olhos sem Rosto” (Les Yeux sans Visage, França/Itália, 1959), devo procurar cada célula componente deste corpo narrativo. Para começar, cito a maneira audaciosa e brilhante que George Franju encontrou para contar uma história. Ele resolveu resgatar das covas os mais célebres defuntos artísticos, uma vez que, em plena década de 60, ele decide utilizar organicamente, em seu primeiro longa-metragem, linguagens já tidas como ultrapassadas, por isso abafadas pelo avanço. O cineasta (fundador da Cinemateca Francesa, um dos templos mais importantes da história do cinema) ao fazer “Olhos sem Rosto”, trazia à tona o surrealismo de Luis Buñuel, o expressionismo alemão (filmes mudos cujo apogeu se deu na década de 20), o horror e deformidades do teatro Grand Guignol, aspectos dos filmes de horror da Universal Pictures (a exemplo de Frankenstein [EUA,1931, com Boris Karloff]) e o realismo fantástico.
As inúmeras características (apresentadas acima, por facções) que foram empregadas apuradamente nesta película, dão a ela uma identidade pouco comum. Acompanhando as lentas e envolventes cenas e seqüências do filme temos a forte impressão de estarmos emersos num ambiente onírico angustiante, onde uma das principais personagens aparece flutuante e amargurada, como um fantasma errante. Daí, seguramente, eu tiro o exemplo do que seria o surrealismo (no cinema), vestindo uma roupagem de pesadelo.
Os contrastes que transcendem o preto e branco e se completam com as sombras sutis projetadas como figuras bruxuleantes; a atmosfera densa dos cômodos da casa, do porão e da floresta que circunda a mansão do Dr. Génessier (Pierre Brasseur), além do desolamento e solidão da única filha, Christiane (Edith Scob), do famoso médico, são os elementos que trazem à memória a configuração do expressionismo alemão. O responsável por este efeito é o polonês Eugen Schüfftan, que através da sua distinta direção de fotografia, explorou o ambiente, humor e contexto nos quais estavam vivendo os personagens, para enaltecer-lhes o caráter melancólico.
Numa palestra cedida pelo Dr. Génessier (em uma das primeiras cenas da película), ele apresenta aos ouvintes a notícia de que possui um estudo que, se concretizado, seria capaz de rejuvenescer ou impelir a velhice da feição das pessoas. Neste momento o médico faz um prefácio dum futuro acontecimento do filme: a sua prática secreta de enxertos. Paulatinamente, Franju surpreende os espectadores quando transfere a figura de um ilustre, rico e famoso homem, um exemplo perfeito de cidadão, para a de um pai lunático e obsessivo, um médico insano e totalmente escravo da sua vaidade intelectual. Aqui reside o cientista que, para tentar transformar o que agora é deformidade na sua ‘antiga’ filha, começa uma coleta e chacina de lindas e jovens francesas de olhos azuis e peles claras, características semelhantes às da antiga Christiane, para tirar-lhe a pele dos rostos. Ele aprisiona a sua filha, que é o seu Frankenstein, com promessas e experimentos, assim como aos cachorros que ficam agrupados no porão, próximo ao laboratório onde ele praticava os transplantes faciais.
A partir daí, surgiram em mim questionamentos inquietantes. Através duma análise do personagem central, dotado de uma grande complexidade emocional, pergunto até onde a devoção à causa da sua filha era verdadeira. Será que ele não a usava, assim como às todas outras garotas - por ele friamente assassinadas depois de usadas nos experimentos -, como cobaia humana para testar a eficácia de seus estudos? Um homem capaz de roubar a beleza, juventude e vitalidade de tantas moças não seria plenamente apto a valer-se de qualquer pessoa em prol de um bem maior que é o ‘avanço da ciência’? Neste aspecto, recorro a Samuel Fuller, que brilhantemente abordou em Shock Corridor (EUA, 1963) a cegueira dos cientistas sequiosos pelos progressos tecnológicos, que não levavam em consideração os meios, mas os fins. Apontou esses homens, como portadores de uma psicose virulenta, que acredito se emprega perfeitamente ao Dr. Génessier.
De volta às questões, será mesmo que o médico deu a sentença de morte social à sua filha com único propósito de, pacificamente, transplantar-lhe o rosto? Ou será que ele parte do pressuposto de que o rosto ausente é mais incômodo do que a ausência da menina, declarando subliminarmente que a prefere ‘antes morta, que deformada’? Este é o gancho para a apresentação dos exemplos do Grand Guignol, onde pessoas com deformidades físicas eram tidas como peças de exibição e terror nos palcos deste teatro, na primeira metade do século XX, em Paris. As notáveis cenas nas quais há a exemplificação da prática do Grand Guignol são: a cena turva na qual Christiane retira a sua máscara de porcelana, deixando a mostra seu rosto desfigurado; e a longa seqüência, sem cortes, da operação facial, a qual mostra detalhadamente a retirada cirúrgica do rosto de uma vítima.
Pedindo permissão para usar as características deste teatro de forma psicológica, eu diria que a neutralidade com que Dr. Génessier encara um cemitério a noite, portanto em seu colo um corpo recém-morto para enterrá-lo, como se fosse um saco cheio de entulho, pode ser considerado como uma deformidade comportamental. O realismo fantástico somado ao Guignol aborda, entre outras coisas, a zoomorfização ou coisificação do ser humano, quando mostra o médico usando cobaias vivas (tanto as moças parisienses, dentre elas, a sua própria filha, quanto cachorros que ficam trancafiados em pequenas jaulas) para experimentos científicos. As vítimas são logo descartadas (a exceção de Christiane, por motivos óbvios) na corrente do rio, em saltos da janela ou através de uma injeção letal quando constatado que os experimentos foram falhos.
Em “Olhos sem rosto” ainda se configuram duas linguagens cinematográficas, bem comuns em Hollywood, que são o thriller e o terror. O filme se encontra emerso numa trama policial, cujo objetivo é descobrir o desaparecimento de moças parisienses que possuem um mesmo perfil físico. Será que um serial killer está atemorizando as redondezas de Paris? Ironicamente, o único insuspeito era o verdadeiro assassino, o homem que a força policial da cidade procurava mas que, além de não o encontrar quase aumentava a lista de vítimas do frio executor. Franju busca a neutralidade da realidade, prescindindo dos protótipos ou esquemas-padrões de personagens para adicionar o horror na sua película. O diretor acredita que o terror está na vida cotidiana e é a partir do mistério do real que ele, ‘o cineasta demoníaco’(segundo Godard) busca a inspiração para o seu terror. “Em Les Yeux Sans Visage, como na obra de Kubrick, o assustador nunca surge de um saber que ainda não é conhecido, mas daquilo que é por demais conhecido, de um conhecimento a mais que ocasiona desastres” (Ruy Gardnier).
O realismo fantástico também se apresenta na exposição de temas muito avançados para a época em que vivia George Franju. O cineasta fala da ditadura da beleza, ou seja, fala (nas entrelinhas) de como as pessoas desejam alcançar o padrão socialmente fixado do belo. Premedita o quadro de atitude estética dos tempos hodiernos: a beleza e juventude a qualquer custo, o que, em outras palavras, é a submissão em larga escala às cirurgias plásticas. George também aponta o incômodo que o feio causa (este ponto já fora discutido no parágrafo sobre o Guignol). Numa dimensão ainda mais enraizada das ações brutas do homem, Franju usa a cena final do seu filme para dizer que, nos dias vividos, a liberdade só pode ser conquistada por intermédio da morte e da loucura, aqui (de acordo com a minha interpretação) é uma referência às guerras e seus efeitos político-sociais. Trazendo para a linguagem do filme, isso equivale a dizer que Christiane, para tornar-se livre, precisava eliminar os seus opressores, uma vez que ela é carcereira de si, do seu pai e suas experiências, da sua vaidade, da sua liberdade e, sobretudo, da máscara de porcelana. Tomada pelo desejo sufocado, ela liberta a todas as cobaias (inclusive a si mesmo) e, depois de ‘matar’os assassinos, dança na noite celebrando o levantar de asas tardio.
Além das características do Realismo Fantástico (citados durante o texto) as premeditações feitas pelo diretor, o casamento dos mais diferentes movimentos cinematográficos – tanto em relação a linguagem, quanto a época, narrativa, contextos e abordagens –europeus e norte-americanos, a abordagem da universalidade humana onde a vaidade (física, emotiva, de status e profissional) é o assunto em pauta e, por fim, o maduro trabalho de câmera fazem com que “Olhos sem rosto” abrace para si todos os sinônimos que fantástico (arrebatador, delirante, excelente, extraordinário, magnífico, prodigioso e maravilhoso) possui.

Emilly Dias

Os Olhos sem Rosto (Les Yeux sans Visage, França/Itália, 1959)

Direção: Georges Franju

Elenco: Pierre Brasseur, Alida Valli, Juliette Mayniel, Edith Scob

Duração: 90 minutos

Vejam e votem!

2006-10-09T23:37:00.000-03:00

Eleições presidenciais findadas, hora da eleição do vídeo feito para o 1º Festival de Vídeo da TVE.

Venho aqui, também dar os devidos agradecimentos mais que especiais
a Carolina Marques, Fernanda Bezerra, Mariana Machado, Lívia Cunha, Amina Alakija e Cristiana Ferreira, pois sem as msmas não haveria possibilidade de existir o Sem Metamorfose!

Aqui está o link para a votação do vídeo.
http://www.irdeb.ba.gov.br/festivaldevideo/capa.htm

Por favor, votem!

O vídeo no Youtube para assistir:
http://www.youtube.com/watch?v=v-MzhI-ZcCQ

A definição da magia.

2006-10-09T20:33:00.000-03:00

Você?

Uma pulsação.
Um aprendizado.
Uma palavra impronunciável.
Boca cheia dum conteúdo audível, significante mesmo que disperso com tantas e tamanhas passadas e passos traseuntes.
Uma roda-gigante, o raio de um tímido despertar dum belíssimo dia.
Um cheiro de sorriso.
Um amanhã dormioco.
Um objetivo alucinado.
Um enorme ruborizar.
Tantos em um só e um só em quase tudo.
Tantos sós que compõe seu eu, que não é meu nem de ninguém.
Um vôo livre do pássaro que circunda o candombá.
A uncaria tomentosa que engancha o olhar, cabelos e sentimento de simpatia.
Meu nada recheado de tudo que poderia existir.
Minha respiração matutina.
Meu despertar euforicamente controlado.
O filete de lua acompanhada da Eleonor Rigby.
Meu sexto Beatle.
E todo o resto.

...

31/07/06

Ressaca em: Red wine on the road.

2006-09-29T23:43:00.000-03:00

Quantas vezes tenho que tentar me lembrar para conseguir esquecer da voz de Maria Betânia usando o clichê Robertiano sobre a dor de amar?
Ela virou meu pesadelo cosntante... Aquele sonho que não vai parar de me perturbar até o momento em que eu decidir fechar os olhos e, de uma vez por todas, entender que minha sobriedade depende daquele gole de vinho. E que, além das atitudes mais coerentemente isntintivas, tiro a roupa e grito até ensurdecer, com outro gole daquele vinho.

A fumça embaça o vidro do carro que testemunha a orgia de palavras palpitando na lingua e vomitando o poros do ouvinte.
"E se eu achar a tua fonte escondida...?"
Vivi novamente.
Como se aquelas horas passadas andando num círculo fora de conceito, quando somadas numa unidade, resultasse numa outra unidade de ano.
Assim aprendi.

Que apatia é essa que e toma os sentidos e me deixa tão não agradecida?

Não precisei olhar pro mundo para constatar que o que me faltava era a dose de loucura, a qual perdia o fôlego na rotina.
E ainda vem me indagando que considero, enquanto pessoa, uma idiota. Que tipo de idiota seria se com idiota me servisse de alegria?

A confusão das horas me faz pensar que o costume dos auto-maus-tratos vem da desesperada vontade de não ter de olhar pro relógio e seguir, de acordo com a agenda, 24h com sono, foda, comida e muito trabalho alientante. Muitas vezes, nem a foda tem espaço. A ocupação com cálculos me faz doer as genitálias.
Então porque sou tão louca-idiota-feliz-bipolar a ponto de trocar ações premeditadamente calculadas por especulações de doces clicks numa atmosfera tão mórbida, quando usada?
Penso que as possibilidade de invenção e criatividade não me querem em seu espaço.
Será, então, o medo de não sair daquele quarto-azul?

My me...

2006-07-09T23:41:00.000-03:00

Na procura, o propósito.

2006-06-15T16:44:00.000-03:00

“Eu sabia que tudo aquilo era apenas um lindo, lisérgico e muito perigoso sonho”.
Uma voz alta, inconsciente e ecoante saia feroz pelos meus lábios proferindo ou infames, ou verdadeiras, ou confusas, ou... palavras num auto-diálogo que fugia meu controle e compreensão.
Encontrava-me só num ambiente escuro, que de certa forma alimentava uma confiança escondida dentre de mim e ela propiciava a argumentação unilateral.
Eu estava cega. Ou pelo menos imaginava estar.
Fez-se então a luz e com ela a compreensão:
O desalento que me povoava naquele momento era justificado em cada qualidade, defeito e quase humanidade de cada um dos personagens mundanos. Eles, paradoxalmente, compartilhavam comigo (e como todos os outros) características que julgava tão particulares...
Eu estava num palco. Também você e os 20 anos da minha vitalidade masculina. Eu não me entendia enquanto figura dramática e nunca me dera conta que atuava em cada termo, vida e suspiro vivenciado.
Toda suspeita recém-descoberta fora confirmada pelos tantos espectadores que consumiam dialéticas com suas numerosas cabeças presentes vazias.

Então entra o segundo ato.

O conflito toma corpo quando começo a interagir com você: linda, flutuante, iluminada, falante, portando aquele teimoso sorriso cuidadosamente pintado no rosto. Na mão - a minha libertação - totalmente fechada.
Eu estava descontrolado, ansioso, vomitante e invejava sua feição contente. Queria tanto estar dentro das suas sensações, minhas anteriores. Queria tanto as respostas: “me diz de que tanto sorri...?”, mas sempre para as perguntas erradas.
Você não se dirigia a mim. E eu sempre direcionava meus esforços para as auto- confusões. Aos poucos procurava uma maneira de controlar um persona que não me pertencia, mas se expressava pelo meu corpo. Era um passado mal resolvido, problemas superados, calos amortecidos. Ou talvez não.
Os laços superficialmente firmados foram dissolvidos: ainda me julgam complicado.
Não há perguntas e nem respostas, mas acusações.
E mais uma vez vacilante recebo a possibilidade de libertar-me de tudo isso.

Fecham-se as cortinas:

Aqui recomeça a parabólica situação da finalização que não é fim. Os resultados estão sendo procurados. A preocupação vigente é saber se o direcionamento das atitudes será para as coisas que urgem a serem sanadas.
A verdade ameaçadora, de fato, é saber que há a possibilidade de a conclusão voltar a ser o começo e as cordas da consciência sufocarem todas as alternativas de vôo livre, para uma etapa evolutiva.

A boca abre novamente proclamando questões não conclusivas:
Será que você irá penetrar novamente em mim?
Será novamente minha, eu que a perdi em tantas nas noites não dormidas, tantas palavras rápidas e vacilantes e tanta falta de uma paciência já vivida?

O anjo caído engole as respostas.
Enquanto eu procuro sua imagem enigmática nas fotos que deixei de tirar.
O auto-diálogo reinicia para o fim.
Mas não há aplausos.

Emilly Dias

15/06/2006

_________________________

Imagem: Mondino

Oito de junho [...]

2006-06-13T21:26:00.000-03:00

Depois do imenso alarde daqueles que crêem no demônio, juízo final, dogmas religiosos e todas essas coisas duma mesma "matéria substrata", tive o meu dia "6.6.6" incólume, completo e pleno. Fato semelhante ocorreu nos dois outros subseqüentes.
Ao fechar os olhos, na madrugada do dia 07, após uma pequena apreciação dos dotes da Marilyn Monroe, como a Adorável Pecadora, imaginei como seria minha quinta-feira psicanalítica-filosófica.
Acordei com umas olheiras inimagináveis e uma enorme vontade de jogar tudo para o alto: Freud, palestras, obrigações [zinhas] não emergenciais. Tudo isto em prol duma única e cogente coisa: a completude.
Às 11horas, do dia oito, meu celular gentilmente toca ressoando, do outro lado, aquela voz conhecida:
"Minha pausa. Liguei para que você não esquecesse do quanto lhe adoro..."
Daí fez-se viva toda obra de Dalí. O surrealismo dum sorriso.
Entrei no carro vermelho da minha mãe, liguei o motor e Gonzaga para me acompanhar até a porta de casa.
Sentia uma fome devastadora. E sono (e aquela angustiante vontade de não fazer o que deveria ser feito).
Chego em casa, a comida sendo preparada, o estômago revirando as glicoses restantes do café da manhã (salvo por um chocolate roubado antes da refeição principal) e o anseio impulsivo de ouvir aquela voz novamente.
De maneira inesperada, um convite:
"Estou livre até as duas, você tem algo programado para este horário?"
"Não!" - me adiantei em dizer, mesmo sabendo que cada minuto do dia estava com um compromisso a ser realizado.
"Ótimo. Espero por você, depois do almoço".
Ligo o DVD e ponho "Assassinos por Natureza". Enquanto alcançava seu turbulento quinto minuto, o celular vibra e a voz pergunta o porquê da demora.

Havia me esquecido de levantar. Estava quase entregue ao sono.

Escovei meus dentes, pus 'o elemento' na bolsa e, nas mãos, as chaves do carro e da minha casa.
Estacionei calmamente, saí calmamente do carro, cheguei calmamente à sua casa, sentei-me calmamente (e meio sonolenta) na peça encostada na parede.
Aquele a quem a voz pertencia me olhou nos olhos, acariciou meu rosto e indagou: "Trouxe?"
Vagarosamente, tiro da bolsa o que havia prometido.
Pus uma porção na mão dele: Ele cheirou.
Pus uma porção na minha mão: Espalhei pelo meu corpo, o qual o outro sentia vertiginosamente.
Ficamos de pé;
Encostamo-nos naquele móvel próximo à parede;
Levantamo-nos depois de certo tempo.
Saímos do cômodo, onde nos encontrávamos.

Passeio de carro, troca de ingressos, acarajés, trobadinhas, automóvel morto e ... o cômodo novamente.
Corpos no móvel próximo a parede.
Pernas flutuantes em dança.
Piadas irônicas.
Conversas sérias, outras nem tanto.
O móvel se mexia.
Os corpos se punham de pé, de cócoras, em outras posições tantas, num alongamento constante, numa libertação, em atos, gestos e palavras.
E por quatro vezes repetiram.
...

O dono da voz começa a andar. Conflitos de ansiedade.
Eu, ainda sentada no móvel situado contra parede próxima à porta, segurava papéis e minha grafite rabiscando formas e buscando o sentido delas.
Todas as luzes são apagadas.
Os corpos se abraçam, se misturam se fundem num interminável ritual de conforto mútuo.
Palavras declamadas, sensibilidades afloradas e o dois se faz um.
Assim o nosso ciclo recomeça: adorando mais hoje do que pensava poder adorar ontem.
Sempre um sorriso, sempre adeus de curta duração.

Volto para carro vermelho.
Com silêncio e em silêncio, sendo feliz.
Abrindo a porta metálica, fechando a de madeira, sempre sorrindo;

Sempre.

________________

Imgem: Jill Greenberg

2006-05-31T14:32:00.000-03:00

Intermission

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Stanley Kubrick, em 2001, uma odisséia no espaço: simplesmente inefável!

Falando, sentindo, pensando e sendo os “Portugueses”.

2006-05-27T23:02:00.000-03:00

O português e suas variações regionais, étnicas, sociais e econômicas são retratados de maneira poética, simbólica e, até, semântica no filme: “Línguas, vidas em Português”, de Victor Lopes. Em aproximadamente uma hora e meia de filme, o público estará apto a deliciar-se com as várias línguas contidas em apenas uma, esta que recebeu o título de portuguesa. Ela é desprovida de donos e formato pré-estabelecido. Tem por si só uma dinâmica que a ornamenta e, propicia mais beleza e diversidade, inclusive nos erros.
A poesia do idioma está incutida na cultura de cada povo que, por pressões históricas, a “assimilou”, tornando-a oficial da localidade onde reside. Tambores “cantados” em português podem ser ouvidos ecoando pelos céus do Brasil, Angola, Moçambique, Goa, Guiné-Bissau, Timor Lestes... A metáfora e a metalingüística residem em todas as cenas, falas e aparições daqueles que expuseram minutos do seu cotidiano, inseridos em algum dos “portugueses”. É através destas figuras de linguagem que as diferenças são percebidas e enfatizadas, uma vez que podem ser presenciadas a “evolução” e a “involução” as quais a língua fora submetida, para se adaptar ao discurso habitual dos seus diversos usuários. Estruturas gramaticais, conteúdo e fluidez estão [e são] muito bem empregados no cotidiano dos letrados e acadêmicos (fato que não é novidade alguma, mas é explorado, implicitamente, no filme) o que, de acordo com o escritor português José Saramago significa: “quanto mais palavras conhecemos, maior torna-se a capacidade de nos, melhor, expressar”.
Sabendo-se que mais da metade das línguas do faladas no globo estão ameaças a extinguir-se, é felicitante saber que o português, a sexta língua materna mais popular no mundo, e a segunda língua latina, com seus 200 milhões de falantes distribuídos em diferentes países dos diversos continentes, possa sobreviver e seu uso perdure até data [in]determinada. O alerta, dado pelo filme ao idioma, se baseia no papel descaracterizante da globalização. A modificação do português [hodierno] começou com os estrangeirismos invadindo os dicionários. Agora é vista a desestruturação da gramática portuguesa pela apropriação das normas inglesas no discurso falado, pelo menos por enquanto.
Mesmo com a atual e acelerada quebra da rigidez das fronteiras, o português conseguiu manter certas unidades, o que identifica e aproxima as regiões que fazem uso desta língua. Classes sociais, cognição e etnias são os transformadores, quando não criadores, dos “portugueses” no mundo. O filme consegue comprovar que não existe um representante oficial da língua e as transgressões cometidas são fruto da apropriação de um idioma somada às idiossincrasias dos dialetos, que antes servia de sistema de comunicação para os ancestrais de determinados povos (esta fusão é tida como corriqueira na criação e dinamização das linguagens). A gramática é a base do português; a língua é e se faz por aqueles que a usam.

Outubro de 2005

XI Encontro nacional sobre o ceticismo

2006-05-26T23:50:00.000-03:00

Conclusão: Existe algo mais relativo que [os conceitos de?]'verdade' e 'mentira'?!

Agradecimentos a:
Relatividade;
Wittgenstein;
Porchat;
Bolzani.

Tag des Mutter

2006-05-14T17:59:00.000-03:00

(Aujourd'hui) descobri que a pior espécime existente é aquela formada pelos estranhos desconhecidos que nos presenteiam com os intragáveis e pré-fabricados sorrisos de pseudo-novidade.
O asco me domina e vomito de volta cumprimentos que destroçam minhas crenças e calam minha inquietude.

* Tag des Mutter, significa Dia das mães em alemão. Quase um temperamento autista... Tudo, menos os outros.

Imagem de Klaus Mitteldorf

Ciranda desatada

2006-05-14T13:39:00.000-03:00

Certo dia percebi que havia algo faltando. Apalpei-me da cabeça aos pés, na tentativa esperançada de encontrar a lacuna, o vazio, ou aquilo que, naquele instante, era inexistente (em mim?).
A melancolia era a trilha sonora amarga daqueles tantos instantes em que a perda, ou o sentimento de, dominavam meus mecanismos racionais. Fiz menção de me expressar de alguma forma. Um grito (o clichê da dor), talvez. Mas o que presenciava eram lágrimas frenéticas que percorriam um caminho inusitado, alcançando meus olhos e penetrando neles pesada e atabalhoadamente, me fazendo arder de maneira indescritível.
Os sentimentos confundem-se todos. A falta da direção era aparente, os planos crescentes e a busca incessante.
Um Eu que acreditava possuir começou a reformular significações de palavras, conceitos e passados. Ele sozinho, confuso e ambivalente passou a entender que a maturidade era pouco a pouco adicionada à estrutura do seu ser e comportamento. De qualquer forma, porém, entre ápices extremos de euforia e apatia, o tumulto e a dualidade coexistiam no seu interior.
Realizações, conquistas e experiências, muito bem premeditadas, trabalhadas e vividas foram as maiores provas de que sonhos (por mim, outrora, desacreditados) poderiam ser concretizados, de fato!
A fuga agora se concretizava na vontade quase e sempre urgente de conhecer algo, através do projeto dum e daquele púbere sonho que abria uma nova vertente de um ciclo cujo fim era incógnito.
O Eu percebeu que, pela primeira vez não estava perdido, mas continuava sozinho. E andava.
A partir de então entendeu o que faltava, certificando-se que de fato algo faltava, mas não apenas nele.
E repentinamente aquelas sorrateiras, porém subversivas, lágrimas voltaram a me rasgar, novamente, da cabeça aos pés.

13/04/2006

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Foto de Eolo Perfido

Chico e Chet for lovers.

2006-05-14T10:52:00.000-03:00

Como não posso pôr audio no Blog, postarei as letras que, se por acaso lhes forem afins, vocês podem ir à procura de mp3 das mesmas. (Marketing gratuito de Chico e Chet Baker! =P)

Samba e Amor
Chico Buarque

Eu faço samba e amor até mais tarde
E tenho muito sono de manhã
Escuto a correria da cidade que arde
E apressa o dia de amanhã
De madrugada a gente inda se ama
E a fábrica começa a buzinar
O trânsito contorna a nossa cama - reclama
Do nosso eterno espreguiçar
No colo da benvinda companheira
No corpo do bendito violão
Eu faço samba e amor a noite inteira
Não tenho a quem prestar satisfação
Eu faço samba e amor até mais tarde
E tenho muito mais o que fazer
Escuto a correria da cidade - que alarde
Será que é tão difícil amanhecer?
Não sei se preguiçoso ou se covarde
Debaixo do meu cobertor de lã
Eu faço samba e amor até mais tarde
E tenho muito sono de manhã...

Let's Get Lost
Chet Baker

Let’s get lostLost in each other’s arms
Let’s get lost
Let them send out alarms
And though they’ll think us rather rude
Let’s tell the world we’re in that crazy mood.
Let’s defrost in a romantic mist
Let’s get crossed off everybody’s list
To celebrate this night we found each other
Hum,let’s get lost
Let’s defrost in a romantic mist
Let’s get crossed off everybody’s list
To celebrate this night we found each other
Hum, let’s get lost
Oh oh, let’s get lost

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Imagem de Annie Leibowitz
Lennon (my dear love!) e Yoko.

Cebolas e inarticulação culta: uma noite.

2006-05-09T00:13:00.000-03:00

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Ilustração de Annie Leibowitz,

She is fantastic!

365horas de cebolas cortadas para produzir uma lágrima...
365minutos de portas fechadas;
365 segundos para tomar uma decisão;
365dias para permanecer inerte.
Acabam-se, assim, os 365
e as cebolas, que não deram certo, pois nem me fizeram chorar e nem lhe fizeram sorrir.

...À vocês...

2006-05-04T19:22:00.000-03:00

Dá-me sono. Aquele sono que não tenho há anos. Ameno, calmo. Feliz.

Dá-me lágrimas nos olhos em saber que não falo para mim. Minhas palavras perpetuam em cabecinhas outras.

Vocês que participam do meu blog, lendo-o e comentando-o, dá-me uma força vital, um sorriso brilhoso, uma vontade de nunca mais parar de expor palavras no 'papel': SÓ PARA OUVÍ-LOS, sempre.

Este é um espaço de interação que pertence a todos nós, portanto sitam-se a vontade em contribuir quantas vezes tiverem vontade. Numa citação do filme "O carteiro e o poeta" (com a minha intromissão 'poética') temos que: "As poesias não pertecem àqueles que as escrevem, mas sim àqueles que delas necessitam", no caso do Blog, muda-se apenas o objeto de apreciação.

De antemão, meu muito obrigada.

Escrevo por mim, para vocês.

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Imagem de Loretta Lux.

Eternal Sunshine Of The Spotless Mind

2006-05-04T13:58:00.000-03:00

"Falar demais não é necessariamente se comunicar" Brilho eterno, Jim Carey as Joel.

Mil e tantas vezes: o mesmo filme.
Mil e tantas vezes: uma infinidade de personalidades.

Clementine: Tangerine. Clemência, misericórida.

Linda
Sensível
Desorganizada
Volúvel
Insegura
Contagiante
Depressiva
"Carpe Diem"
100% movida a emoção
CAÓTICA
Ousada
Seeker
Curiosa
Locais inusitados.

PROFECIAS DO LINAER JOEL.

Inseguro
Terreno
Antiquado
Introvertido
Fecahdo
Conservador
'Culto'
Sensibilidade expressa na arte...

As lembranças encobridoras:

Would you forget me?

Playing Games

2006-05-04T12:57:00.000-03:00

UFBa – Faculdade de Comunicação. Outubro 2005, 7 horas da manhã.

A professora precisa passar uma atividade. Olhando em direção àquelas figuras desconcentradas, faz-lhes um pedido:
“Escrevam, em uma pauta, o que vocês entendem por NOTÍCIA!”
Assim, sem ninguém esperar.
Peguei o papel e caneta. Pensei uns segundos e então comecei:

“Notícia é um substantivo provindo do verbo ‘noticiar’, que de acordo com a minha concepção significa conjunto. Um conjunto diferente assumo. Observação, coleta, organização, escrita, narração, fatos, dados, loucuras, mentiras, omissões, números, estatísticas, alfas e betas em tamanhos, fontes e espessuras diferentes.
A notícia é um mundo composto por meio – mensagem – comunicador – emissor – receptor e canal. É a mensagem do meio e o meio da mensagem, pedindo a licença poética a McLuhan. É a reprodutibilidade técnica, oratória, fantasiosa, disseminada de maneira horizontal, vertical e oblíqua. É uma parte da imprensa, do jornal, do horóscopo, da conversa de bar, do canal de metereologia e, quem diria, é parte de uma self – conversation com o espelho, num processo infindável de auto-conhecimento.
A notícia é cíclica, vertiginosa. É capaz de produzir nas pessoas, que a consome, as mais diversas impressões: espanto, escárnio, raiva, indiferença, lágrimas e gargalhadas incontidas:
“Extra! Extra:
- Bush é reeleito;
- Garotinho está de regime;
- O mensalão resultou em ....?”
A notícia jornalística, em contrapartida, seria a Ciência aplicada. Dentro de peripécias, regras e formulações, ela consegue exprimir formalmente um mundo. Ela restringe seu universo em nome das normas e estabilidade (mesmo que para isso a verdade precise ser subjugada e os jornais, encharcados de sangue), por isso torna-se imprescindível nas sociedades automáticas e fundamentadas na razão. Ela tem a capacidade de encurtar distâncias e devaneios. É o subconjunto da palavra. É, por fim, um ciclo que nunca se fecha e nem acaba”.

Depois de entregue o texto, me veio uma questão, será que não sonho demais?!

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Foto de: Nico de Bruin - United Kingdon

Vogue Girl II - Tásia

2006-04-30T16:26:00.000-03:00

1990- Há o ingresso em massa das mulheres em cargo importantes, de diversos setores, mundo afora.

1970 - As mulheres, principalmente as européias, assumem os ideiais do movimento feminista, de décadas anteriores, ganham o mercado de trabalho, muitas delas assumem para si o homossexualismo...

1950 - Há a presença da sensualidade feminina, de maneira glamuorosa, 'inocente' e ao mesmo tempo sexy. Os elementos da foto resgata a lembrança dos cabarés franceses do século XIX.

A proposta de pôr as datas acompanhando as fotos teve um intuito de expressar a grandeza da Vogue, que sendo uma revista 'universal' e bem sucedida, não tem a sua qualidade decrescida, mesmo com o passar do tempo. Além do mais, seu conteúdo é voltado para mulheres, celebridades, moda e para os temas que andam em voga (en Vogue, no francês =P) em determinada época, motivo pelo qual cada foto simboliza [a capa de] uma década e os elementos (políticos, sociais...) que a compõem.
I hope you Join.

Vogue Underground

2006-04-30T16:19:00.000-03:00

Anatomia e forma exploradas em preto, branco e cinza. Nestas três tonalidades revive
a sensualidade feminina duma maneira não muito óbvia, sugestiva ou explícita. Ao rememorar Horst e Hoyningen-Huene¹,
penetramos incipientemente as capas quase inalcançáveis da Vogue.
Sorrir, ruborizar, inventar. Em cada pose existe uma dose de doação. E, em cada doação, toda dedicação possível, quase unânime, mesmo que não recomendável.
Assim cresceu a nossa adoração pelo tripé foto – fotografia – fotografado, não esquecendo de mencionar a, também tríplice, aliança de suporte da produção: intimidade, entrega e criatividade.
Nestas poucas linhas existe um resumo sobre a metalinguagem fotográfica, por nós experienciada.
Vogue: uma dica.
Paixão, imanência e devaneio concreto, resultando em imagens e expressões comunicadas num papel: a descoberta.

¹ Horst Paul Bohrmann, ao mudar-se para os EUA, aderiu o nome artístico de Horst P. Horst para evitar que o confundissem com no nazista Martin Bormann. Fotógrafo talentoso, foi financiado pelo mecena barão de Vogue, Hoyningen-Huene, também fotógrafo e dono da revista com mesmo nome.

Vogue Girl I - Emilly Dias

2006-04-28T11:53:00.000-03:00

1980 - Os países latino-americanos saem do sufocante quadro de horrendas ditaduras . Há um misto de perda e de tons sombrios, que circundam os cidadãos apavorados, além do gosto da reconquista duma, em todos os âmbitos dantes reprimidos, liberdade por pessoas que, paulatinamente, procuram reaprender a conviver com ela.

1960 - A mulher, com os ideais de liberação sexual, tem mais liberdade para mostrar seu corpo. As pin ups estão mais ousadas, a corrida pela beleza se intensifica. Alvo & padrão estético? As beldades hollywoodianas.

1940 - O gênero fílmico 'Western' ganha dois clássicos do Jonh Ford - tido como um dos principais diretores do gênero.

Essas fotos são o resultado da matéria 'Oficina de fotografia', que concluí este mês na minha faculdade.

Estou posando nessas três primeiras fotos, tiradas pela minha dupla Fabiana Guimarães e produzidas por mim. As outras três, também por mim produzidas, Tássia (uma amiga da Fabiana) está como modelo.

A maior parte do material do ensaio foi revelada por mim, no laboratório da Universidade, porém elas sofreram uma queda na qualidade no momento em que foram scaneadas, aparentando mais escuras que as revelações originais.

Sinal Fechado

2006-04-28T00:07:00.000-03:00

– Olá! Como vai?
– Eu vou indo. E você, tudo bem?
– Tudo bem! Eu vou indo, correndo pegar meu lugar no futuro... Evocê?
– Tudo bem! Eu vou indo, em busca de um sono tranqüilo...Quem sabe?
– Quanto tempo!
– Pois é, quanto tempo!
– Me perdoe a pressa - é a alma dos nossos negócios!
– Qual, não tem de quê! Eu também só ando a cem!
– Quando é que você telefona? Precisamos nos ver por aí!
– Pra semana, prometo, talvez nos vejamos...Quem sabe?
– Quanto tempo!
– Pois é...quanto tempo!
– Tanta coisa que eu tinha a dizer, mas eu sumi na poeira dasruas...
– Eu também tenho algo a dizer, mas me foge à lembrança!
(...)

Chico Buarque.

P.s: A música não está completa!

A foto foi retirada do site do fotógrafo francês contemporâneo e brilhantíssimo, Eolo Perfido.
http://www.eoloperfido.com/index.htm

Ele mudou a minha vida.

2006-04-21T13:39:00.000-03:00

"Tenho a certeza de que a realidade de uma noite, para não dizer de uma vida inteira, pode ser toda a verdade".

Stanley Kubrick (este homem realmente prescinde de apresentãções. Ele é estupendo!), em Eyes Wide Shut.

O rotreiro deste filme foi inspirado na 'novela' de Arthur Schnitzler chamada "Traumnovelle", ou "Novela Onírica", no título em português. Infelizmente o livro não possui tradução para nossa língua. Arthur era austríaco e contemporâneo de Freud.

Lágrimas escondidas por algo que não é um sorriso.

2006-03-06T00:23:00.000-03:00

Hoje (depois de uma noite e da lembrança dum quadro):
Gostei de ouvir aquilo, na porta, no adeus, nos instantes finais.
Gostei de ouvir a sua voz lacônica, do outro lado, por outro lado.
Gostei de vê-lo sem aquela calma [perdida nas palavras, gestos e sofridas respostas ríspidas].
Gostei de ver o tempo passar e gostei também do fato de tê-lo esquecido, desprezado.
Pedi gentilmente que ele fosse aos braços daquela que o pariu.
E esta mãe teve um parto difícil.
Em 1931, Dalí pinta e representa a 'Persistência da memória', mas eu farei com que a persistência morra com o sono e o raiar de um novo dia.
Eu não sei dos porquês que permeiam minha e nossas vidas e convencer-me-ei em não realizar mais a sua procura, pelo menos por enquanto.
E, assim, terei paz. [?]
Buscarei meus silêncios e uma coisa minha.
Foi bom ligar, desligar, engolir e sorrir.
Melhor ainda foi superar.
Parar com o fluxo Tropicalista, mas ainda sim, sei que valeu a pena.
Tudo.

The persistence of the Memory, Salvador Dalí

Para um alguém que se interessa pelo presente.
Meu presente é este.
Estar com você é... não sei quem dirá o que é, como é e porque é, mas é alguma coisa.

20/03/06

A V.T.

2006-03-05T18:06:00.000-03:00

Fiquei tão feliz em descobrir a Velhinha do Taubaté. Não sou política, não sei fazer e nem sei o que é a tal política. Em meios à fusão dos gametas dos meus pais, processo responsável pela minha gestão, Veríssimo criava uma caricatura que representava perfeitamente um quadro preocupante no Brasil: a mídia imiscuída à realidade política. A partir da Wikipédia, do Portal Liberal e do site http://www.unb.br/ceam/nemp/velhinha.htm, pude tomar conhecimento básico a cerca dessa Velhinha (VT) , vulga T.V.

A Velhinha de Taubaté

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

A Velhinha de Taubaté é um personagem de humor brasileiro criado pelo escritor e cronista Luis Fernando Verissimo, durante o governo do general João Baptista Figueiredo (1979-1985).
Famosa por ser "a última pessoa no Brasil que ainda acreditava no governo", como definido pelo próprio autor, Verissimo contava que, na Câmara dos Deputados e no Senado Federal, sempre se pensava antecipadamente em como a velhinha iria responder.
Uma possibilidade para a cidade da personagem ser a de Taubaté é para formar a sigla VT (TV ao contrário).
Em 25 de Agosto de 2005, a velhinha teve o seu falecimento anunciado pelo seu criador, na crônica intitulada Velhinha de Taubaté (1915-2005). Ela teria morrido em frente à TV, decepcionada com o quadro político brasileiro, em especial com o seu ídolo, Antonio Palocci: Ela morreu na frente da televisão, talvez com o choque de alguma notícia. Mas a polícia mandou os restos do chá que a Velhinha estava tomando com bolinhos de polvilho para exame de laboratório. Pode ter sido suicídio.

Mais:

“Morreu no último dia 19, aos 90 anos de idade, de causa ignorada, a paulista conhecida como `a Velhinha de Taubaté´, que se tornou uma celebridade nacional há alguns anos por ser a última pessoa no Brasil que ainda acreditava no governo.” O anúncio foi feito pelo cronista Luís Fernando Veríssimo no jornal O Estado de S. Paulo, em agosto. Houve repercussão nacional. Veríssimo falou durante um seminário em Passo Fundo (RS), jornalistas de todo o Brasil rebateram o assunto em artigos e reportagens. Mas quem era, de verdade, a Velhinha de Taubaté? Ela existiu ou não? Por que esta personagem se tornou um ícone na política brasileira a ponto de alguns testemunharem sua existência real? Na crônica que leva como subtítulo a pergunta: “Terá sido queima de arquivo?”, Veríssimo não dá nome à velhinha – só diz que ela tinha 90 anos quando morreu, de repente, defronte ao aparelho de TV. A personagem da ficção teria vindo a público pela primeira vez durante o ciclo militar, no governo Figueiredo, para sintetizar a confiança cega e a crença ingênua nas autoridades. “A Velhinha sempre acompanhou a política e acreditou em todos os governos desde o de Getúlio Vargas, inclusive em todos os colaboradores dos governos militares, `até´, como costumavam dizer muitos na época, com espanto, `no Delfim Netto´!", contou Veríssimo, antes de decretar a sua morte, “por circunstâncias ainda não esclarecidas”. Confiava em Lula desde o início, assim como acreditava na sobrinha Suzette, personagem incorporada à história a partir de fatos recentes: Suzette gerenciava um serviço de acompanhantes a políticos, embora a tia jurasse de pé junto que dava assistência ao terceiro setor."

Matéria retirada do site: http://www.unb.br/ceam/nemp/velhinha.htm

Ilustração retirada do site: http://mangabastudios.blog.uol.com.br/

Be Curious.

2006-03-05T14:36:00.000-03:00

Para quem não sabe que Cálice é uma parceiria do Gil & Buarque:

http://www.geneton.com.br/archives/000059.html

Para quem gosta e nem imagina a rapidez, severidade do pensamento e da articulação de Suassuna:

http://www.revista.agulha.nom.br/gene01.html

Este é para aqueles que deleitam-se com as palavras de Veríssimo:

http://portalliteral.terra.com.br/verissimo/biobiblio/sobreele/sobreele_imprensa_velhinha.shtml?biobiblio3

Para aqueles que que têm perguntas:

http://www.geneton.com.br/archives/000135.html

As entrevistas e o artigo foram feitos pelo jornalista recifense "fracassadamente" (palavras do mesmo) bem sucedido, Geneton Moraes Neto.

Cristo fora da cruz

2006-02-20T03:17:00.000-03:00

Qual a sensação de ver Cristo sendo preso e erguido numa cruz?

A noite de sexta-feira (a última do mês, antes do carnaval), correspondente ao dia 17 de fevereiro, com sua lua decrescente e céu estrelado, foi palco, no Casarão Santa Luzia, da prática de “Body Experience”, total novidade em Salvador.
Deslocados dos becos e praias bêbadas, o público rock ganhou um espaço físico, que antes não lhe pertencia. O Casarão adotou, de maneira sucedida e incipiente, o estilo underground. Luzes baixas, stands com exibição de piercings e de tatoos, além das muitas pessoas em preto, modelos vivos e móveis de cortes inusitados, brincos, perfurações e desenhos diversos na pele, todos ‘estrategicamente’ localizados.
À espera da suspensão do garoto, tocava em alto e puro rock´n´roll a banda baiana Lou (cuja baixista fora a articuladora do movimento), ao mesmo tempo em que eu, deslocada do ambiente sonoro, mas na ânsia de vivenciar aquela nova experiência, não minha, porém por mim sentida, permanecia sentada nas almofadas, que estavam espalhadas na parede direta, do 3º piso do Santa Luzia. Olhando atenta e analiticamente o local, vi um Cristo, de tamanho quase real, cativo na sua cruz. O assunto veio então à tona: Cristo o primeiro homem, mundialmente conhecido, a praticar o body suspension? O humor negro povoava a conversa, ritual da espera.
Sangria sobe ao palco.
Guitarras distorcidas. A contagem regressiva.
Eis o neo-Cristo. Eis o auto-mutilador. Louco?!
Homem jovem, magro, estatura média, careca, trajando equipamentos de mergulho (pés de pato, snork e o óculos apropriado) e expondo um corpo ornado por tatuagens e piercings (inclusive aqueles responsáveis pelo Body Modification), quatro ganchos costurados em suas costas e muita.... coragem? Loucura? Falta de amor próprio? Não sei. Cabe a cada um julgar (ou não) o motivo que o impulsionou (e a tantos outros) a concretização de tal ato.
Ergui-me, tolerando o calor, mas não a curiosidade (própria e alheia). A água e o companheiro constituíam o meu conforto. A minha pressão baixou. Eu não conseguia suportar aquela idéia...
Finalmente o nadador freak alcançava seu alvo, enquanto eu sentia meu estômago às avessas. O público estava frenético. Gritavam sequiosos pela atração:
Pele esticada pelas cordas e peso. Homem suspenso. Sangue escorrido.
Não me apeteceu a visão do Cristo sangrando. Caído da cruz. Preso, não mais pelos pregos e filhos pecadores, mas pelos olhares, “pela necessidade de...”.
O choque foi grande, mas necessário.
A festa, um parto sucedido com êxito.

Crucifix Suspension

Superman Suspension

As fotos acima foram retiradas do site: http://www.imperialbodyart.com/sus.html.

Nele podem ser encontradas outras fotos e práticas (a exemplo do Body Pull e Branding), mas, infelizmente, os conceitos não não fazem parte dele, que é apenas "um exibicionista", pois muitas vezes " uma imagem vale mais que muitas palavras" (pelo menos é o que dizem por ai...).

Emilly Dias

Os passistas

2006-01-27T00:27:00.000-03:00

Estávamos, numa calorosa noite de verão, dançando embriagados – de paixão, alegria e muita sedução.
Eu não podia – e também não conseguia – não olhar o teu semblante.
Desejava-te.
Sentia o gosto do teu perfume e a leveza da tua aura.
Aquele sorriso, que encanto...
Não me contive.
O impulso da minha atitude foi tomar-te nos meus braços e envolver teu corpo com o meu. Apaixonado, sussurrei nos teus ouvidos um pedido:
- Vem, que eu vou pousar a mão no teu quadril. Multiplicar-te os pés por muitos mil...
Segurando serenamente teu rosto, inclinei-o para cima, em direção à moradia escura das estrelas, dizendo:
-Fita o céu.
Aquele momento era demasiadamente mágico para mim.
Voluptuosamente rodavas em minha frente, mexendo cada parte deste gracioso corpo, envolvendo-me na tua dança. Inesperadamente, afastava-se de mim dizendo que paixão era um pressuposto para dor.
Indignado argumentei:
- A dor define nossa vida toda, é certo, mas podemos amenizar seus efeitos, fazendo a nossa história, evitando deslizes e aprendendo com o convívio. Os rumos, por nós trilhados, terão passos que lançarão moda por todo e qualquer local por onde passarmos. Negar experiências, por medo da dor, é viver pela metade.
Tu, no entanto, permaneceste onde estavas. No samba. Na dança. Na provocação.
O que não esperavas, porém, era amar a mim em retorno.
E amavas.
Finalmente unimo-nos.
Dois mulatos sorrindo em retratos que a vida imprimia de nós.
E quantos momentos...!
Retornamos aos sambas. Revelar-nos-íamos no Carnaval, caso desbotássemos os outros. O amor cantava por nós, tornando este evento não mais tão prioritário.
Sugiro a ti, minha companheira, que permitamos ao Deus do tempo que nos roube e que, em adição, entreguemo-nos mutuamente à beleza total, vamos?!
Casamo-nos.
Viramos, ao lado de touros, sol, beleza triunfante e unicidade, cartão postal de Madrid, Rio de Janeiro, Salvador e Roma, respectivamente.
Doravante fazem parte de nós lugares, conhecimento vigor sentimental e lua-de-mel permanente.
Tomado por todo sentimento que não conseguia conter em mim, declarei:
- Amor, onde quer que estejamos juntos, multiplicar-se-ão assuntos de mãos e pés e desvãos do ser.

E foi desta maneira que perpetuamos a nossa história e nosso amor.

Emilly dias

Caetano, obrigada. Você é uma obra prima!

A obra da obra:

Vem,
Eu vou pousar a mão no teu quadril
Multiplicar-te os pés por muitos mil
Fita o céu,
Roda:
A dor
Define nossa vida toda
Mas estes passos lançam moda
E dirão ao mundo por onde ir.
Ás vezes tu te voltas para mim
Na dança, sem te dares conta enfim
Que também
Amas
Mas, ah!
Somos apenas dois mulatos
Fazendo poses nos retratos
Que a luz imprimiu de nós.
Se desbotássemos, outros revelar-nos-íamos no Carnaval.
Roubemo-nos ao Deus Tempo e nos demos de graça “a beleza total, vem.
Nós,
Cartão Postal com touros em Madri,
O Corcovado e o Redentor daqui,
Salvador,
Roma
Amor,
Onde quer que estejamos juntos
Multiplicar-se-ão assuntos de mãos e pés
E desvãos do ser.

A ilustração foi retirada do site:
http://www.leroyneiman.com/merchant.ihtml?pid=63&step=4

Dicas destinadas a mim? Some news about Pasollini

2005-12-11T10:30:00.000-03:00

Teorema,

Direção: Pier Paolo PasoliniTempo de duração: 98'Ano de lançamento: 1968Gênero: DramaSinopse: Em Milão, na primavera de 1968, um carteiro com o significativo nome de Ângelo entrega uma carta na "villa"de um industrial anunciando a chegada, no dia seguinte, de um hóspede desconhecido. O rapaz (Terence Stamp) não apresenta nenhuma qualidade particular e passa a maior parte do tempo lendo um livro de Rimbaud. Esta postura estranha, alheia a tudo e a todos, no entanto, atrai um a um todos os moradores da casa. A primeira é a empregada Emília (Laura Betti) que, com medo de não poder possuí-lo, tenta se matar. Mas ele a salva e faz amor com ela. Em seguida vem Piero, que, com o hóspede, descobre sua diversidade sexual. Os próximos serão Lucia, a esposa e dona da casa; Odetta, estudante introvertida e amante da autoridade paterna; e por fim o próprio pai, representante maior da burguesia que detém os meios de produção na sociedade. E a visita, assim como veio, partiu, chamada de volta pelo mesmo carteiro que anunciou sua chegada. Privados do amor daquele estranho, todos os membros da família percorrerão seus caminhos individualistas. A empregada Emília é a única que enxerga a natureza sagrada do hóspede. Ela então retorna ao povoado onde nasceu e ali espera que a visita se repita.

DECAMERON

Direção: Pier Paolo PasoliniTempo de duração: 112'Ano de lançamento: 1970Gênero: ComédiaSinopse: Primeiro capítulo da pasoliniana "Trilogia da Vida", Decameron é baseado em nove contos do livro homônimo de Giovanni Boccaccio (1313-1375), em que imperam os valores do corpo e da vitalidade sexual. Em cinco dos nove episódios, predominam mesmo o erotismo e a licenciosidade, como no conto em que o camponês se faz de surdo-mudo para trabalhar no convento e fazer amor com as freiras. "Decameron é uma obra que se pretende completamente alegre. E a alegria de viver que existia em Boccaccio provém de seu otimismo histórico, pois naquele momento estava explodindo uma grande novidade: a revolução burguesa... Boccaccio viveu o princípio de uma nova era", disse Pasolini, que dirigiu em seguida Os Contos de Canterbury e Mil e Uma Noites.

As Mil e Uma Noites
Direção: Pier Paolo PasoliniTempo de duração: 110'Ano de lançamento: 1972Gênero: Comédia/Drama EróticoSinopse: Inspirado no livro "The Canterbury Tales", do escritor inglês Geoffrey Chaucer (1343-1400), este filme de Pasolini é o segundo daquela que ele mesmo definiu como "Trilogia da Vida", composto ainda por Decameron (1971) e Mil e Uma Noites (1974). " ‘Os Contos de Canterbury’ foram escritos quarenta anos depois de ‘Decameron’, mas a relação entre o realismo e sua dimensão fantástica é a mesma. Chaucer não era refinado como Boccaccio, mas era mais moderno, pois na Inglaterra já existia uma burguesia. Isso permitiu a existência de uma contradição: de um lado o aspecto épico dos heróis medievais, do outro, a ironia e a auto-ironia, características essencialmente burguesas", disse Pasolini. Assim como em Decameron, os temas predominantes dos Contos são sexo, amor e morte, sendo que o último predomina, já que em todos os episódios há sempre um funeral, um assassinato, um condenado à morte ou um moribundo.

Os Contos de Canterbeury

Direção: Pier Paolo PasoliniTempo de duração: 110'Ano de lançamento: 1972Gênero: Comédia/Drama EróticoSinopse: Inspirado no livro "The Canterbury Tales", do escritor inglês Geoffrey Chaucer (1343-1400), este filme de Pasolini é o segundo daquela que ele mesmo definiu como "Trilogia da Vida", composto ainda por Decameron (1971) e Mil e Uma Noites (1974). " ‘Os Contos de Canterbury’ foram escritos quarenta anos depois de ‘Decameron’, mas a relação entre o realismo e sua dimensão fantástica é a mesma. Chaucer não era refinado como Boccaccio, mas era mais moderno, pois na Inglaterra já existia uma burguesia. Isso permitiu a existência de uma contradição: de um lado o aspecto épico dos heróis medievais, do outro, a ironia e a auto-ironia, características essencialmente burguesas", disse Pasolini. Assim como em Decameron, os temas predominantes dos Contos são sexo, amor e morte, sendo que o último predomina, já que em todos os episódios há sempre um funeral, um assassinato, um condenado à morte ou um moribundo.

Um pouco de filosofia

2005-12-09T01:16:00.000-03:00

~ Nietzsche e sua Humildade ~

Em Ecce Homo, Nietzsche intitulou seus capítulos: "Por que sou tão finalista?", "Por que sou tão sábio?", "Por que sou tão inteligente?", "Por que escrevo livros tão bons?". Isso levou muitos a considerarem sua obra como anormal e desqualificada pela loucura. Essa opinião, no entanto, revela um superficial entendimento de seu pensamento. Para entendê-lo corretamente, é necessário colocar-se dentro do próprio núcleo de sua concepção da filosofia: Nietzsche inverteu o sentido tradicional da filosofia, fazendo dela um discurso ao nível da patologia e considerando a doença "um ponto de vista" sobre a saúde e vice-versa. Para ele, nem a saúde, nem a doença são entidades; a fisiologia e a patologia são uma única coisa; as oposições entre bem e mal, verdadeiro e falso, doença e saúde são apenas jogos de superfície. Há uma continuidade, diz Nietzsche, entre a doença e a saúde e a diferença entre as duas é apenas de grau, sendo a doença um desvio interior à própria vida; assim, não há fato patológico.

A loucura não passa de uma máscara que esconde alguma coisa, esconde um saber fatal e "demasiado certo". A técnica utilizada pelas classes sacerdotais para a cura da loucura é a "meditação ascética", que consiste em enfraquecer os instintos e expulsar as paixões; com isso, a vontade de potência, a sensualidade e o livre florescimento do eu são considerados "manifestações diabólicas". Mas, para Nietzsche, aniquilar as paixões é uma "triste loucura", cuja decifração cabe à filosofia, pois é a loucura que torna mais plano o caminho para as idéias novas, rompendo os costumes e as superstições veneradas e constituindo uma verdadeira subversão dos valores. Para Nietzsche, os homens do passado estiveram mais próximos da idéia de que onde existe loucura há um grão de gênio e de sabedoria, alguma coisa de divino: "Pela loucura os maiores feitos foram espalhados pela Grécia". Em suma, aos "filósofos além de bem e mal", aos emissários dos novos valores e da nova moral não resta outro recurso, diz Nietzsche, a não ser o de proclamar as novas leis e quebrar o jugo da moralidade, sob o travestimento da loucura. É dentro dessa perspectiva, portanto, que se deve compreender a presença da loucura na obra de Nietzsche. Sua crise final apenas marcou o momento em que a "doença" saiu de sua obra e interrompeu seu prosseguimento.

As últimos cartas de Nietzsche são o testemunho desse momento extremo e, como tal, pertencem ao conjunto de sua obra e de seu pensamento. A filosofia foi, para ele, a arte de deslocar as perspectivas, da saúde à doença, e a loucura deveria cumprir a tarefa de fazer a crítica escondida da decadência dos valores e aniquilamento:
"Na verdade, a doença pode ser útil a um homem ou a uma tarefa, ainda que para outros signifique doença... Não fui um doente nem mesmo por ocasião da maior enfermidade".

Salvem pessoas! Há milênios não posto neste blog, que ao contrário do que parece, também é manejado por minha pessoa, e não apenas por minha ilustríssima Emilly.
Meu afastamento, entretanto, teve motivos... Dentre os quais a total falta de vontade para escrever. Contudo, acredito ter voltado aos bons tempos. Talvez seja o final do semestre que se aproxima (e faz com que me preocupe cada vez mais com isso...), talvez seja a chegada de bons fluidos, perspectivas... Não sei...
Para retornar ao Le Premier Bon Jour, resolvi postar alguns comentários e releases sobre meu filósofo favorito: Frederich Nietzsche. Espero que esteja do agrado.

Betina Sigg

Charles Bukowski

2005-12-08T22:13:00.000-03:00

Ben Gazzara em cena de crônica de um amor louco , de Marco Ferreri: alter ego de Charles Bukowski

Charles Bukowski (1920-1994) foi um autor único em vários sentidos. Em primeiro lugar pela decisão de fazer da literatura um corpo-a-corpo com a vida. Escreveu sobre a única coisa que conhecia, ele mesmo, em seus momentos mais sórdidos, doídos, apaixonados, deprimidos, céticos. Foi também único porque não fez parte de escola, embora parecesse um primo pobre tardio da geração perdida de Ernest Hemingway e Gertrude Stein ou um dos integrantes dos alucinados anos da beat generation. Foi tão sozinho como singular. Mas tem mais: sua individualidade estava em não ser a favor de nada. Nascido na Alemanha, mudou-se aos três anos para os Estados Unidos. Não se identificava com a cultura européia mais sofisticada, embora fosse um homem culto, nem com o democratismo da expressão norte-americana, ainda que escrevesse em revistas suspeitas e fizesse leituras de poemas em botequins. Foi um exilado de si mesmo. Mas Bukowski era um cara legal porque, apesar de uma herança de violências pessoais e miséria contumaz, colocou inteligência e senso de humor no que fez. Ele escrachava com tudo, perdia a classe, perdia dinheiro, perdia mulheres, perdia empregos, mas não perdia a inteligência de viver. Sua obra, já bem conhecida no Brasil em sua vertente de prosa, ganha agora um reforço com a publicação dos 25 melhores poemas de Charles Bukowski, em edição bilíngüe com tradução sofisticada de Jorge Wanderley. E Bukowski, que é interessante na prosa confessional, se mostra um poeta igualmente ligado na vida. Sua poesia reescreve sua saga pessoal, com o mesmo senso de realidade e quase cinismo, mas com um elemento a mais.
Os poemas são longos, escritos sempre em primeira pessoa, narrando fatos como a dureza de viver, as noites de insônia, a atração pelas mulheres. Parecem — e são — o mesmo enredo de livros como Cartas na rua, Mulheres e Factótum, por exemplo. Mas o que era expressão direta de histórias que brotavam do esforço preguiçoso em apenas continuar vivendo com a cota possível de prazer se torna mais reflexivo e lírico. Não lirismo arranjado com recursos de estilo, mas um jeito direto, igualmente personalíssimo, que deixa adivinhar um certo travo de ceticismo com as soluções dadas pela vida. Na poesia, Bukowski é ainda mais duro consigo mesmo. \n Poemas como Faíscas, que narra o tempo perdido num emprego estúpido, que dá ao poeta apenas a garantia de um pequeno pagamento para comprar bebida e maltratar mulheres, ganha um elemento de crítica social, quase marxista, na conclusão melancólica:"Sabíamos que éramos uns babacas fazendo os ricos mais ricos (...) éramos maravilhosos, dávamos a eles muito mais/ do que nos pediam/ e ainda assim/ a eles não dávamos nada\'\'. O erotismo também está presente em sua marca forte, mas que não perde um ar cândido de entrega às mulheres erradas: \'\'Eu quero que ela/ saiba/ que dormir/ todas as noites ao seu lado/ e mesmo nas/ discussões mais banais/ eram coisas/ esplêndidas\'\'. \nO livro traz ainda poemas sobre outras obsessões de Bukowski, como o contato com minorias raciais marginalizadas, as corridas de cavalo, seus autores favoritos, os rompimentos amorosos, o ódio das pessoas direitas, o hábito consolador e destrutivo da bebida. E tem também a morte, a única inimiga de um homem que parece não ter nada a perder com a vida. Suas antevisões do fim são amargas (como o trabalho que vai dar à mulher que acordará ao lado de seu cadáver), mas têm sua carga de vingança: "Mesmo assim continuam querendo/ mulheres/ dinheiro/ fazer sentido". Bukoswski se deu ao luxo de apenas viver. Não sofreu pelos desejos não cumpridos, \'\'logo que você acha/ que está justamente/ começando".

Os poemas são longos, escritos sempre em primeira pessoa, narrando fatos como a dureza de viver, as noites de insônia, a atração pelas mulheres. Parecem — e são — o mesmo enredo de livros como Cartas na rua, Mulheres e Factótum, por exemplo. Mas o que era expressão direta de histórias que brotavam do esforço preguiçoso em apenas continuar vivendo com a cota possível de prazer se torna mais reflexivo e lírico. Não lirismo arranjado com recursos de estilo, mas um jeito direto, igualmente personalíssimo, que deixa adivinhar um certo travo de ceticismo com as soluções dadas pela vida. Na poesia, Bukowski é ainda mais duro consigo mesmo. Poemas como Faíscas, que narra o tempo perdido num emprego estúpido, que dá ao poeta apenas a garantia de um pequeno pagamento para comprar bebida e maltratar mulheres, ganha um elemento de crítica social, quase marxista, na conclusão melancólica: ''Sabíamos que éramos uns babacas/ fazendo os ricos mais ricos/ (...) éramos maravilhosos/ dávamos a eles muito mais/ do que nos pediam/ e ainda assim/ a eles não dávamos nada''. O erotismo também está presente em sua marca forte, mas que não perde um ar cândido de entrega às mulheres erradas: ''Eu quero que ela/ saiba/ que dormir/ todas as noites ao seu lado/ e mesmo nas/ discussões mais banais/ eram coisas/ esplêndidas''. O livro traz ainda poemas sobre outras obsessões de Bukowski, como o contato com minorias raciais marginalizadas, as corridas de cavalo, seus autores favoritos, os rompimentos amorosos, o ódio das pessoas direitas, o hábito consolador e destrutivo da bebida. E tem também a morte, a única inimiga de um homem que parece não ter nada a perder com a vida. Suas antevisões do fim são amargas (como o trabalho que vai dar à mulher que acordará ao lado de seu cadáver), mas têm sua carga de vingança: ''Mesmo assim continuam querendo/ mulheres/ dinheiro/ fazer sentido''. Bukoswski se deu ao luxo de apenas viver. Não sofreu pelos desejos não cumpridos, ''logo que você acha/ que está justamente/ começando''.

João Paulo Do Estado de Minas

Brincando de alquimista!

2005-12-08T20:37:00.000-03:00

Meu amor

Aqui estou como uma admiradora não secreta, uma amante inveterada.
Quero lhe falar que gostaria de estar ligada a você como mais força e intensidade que os carbonos, quando formam um diamante. Espero que na nossa relação haja trocas mútuas e perfeitas, assim como o compartilhamento de elétrons numa ligação covalente.
Você bem sabe que toda matéria é formada por átomos e, me perece que todos os meus, que compõem o meu corpo, se modificam por você.
Já fui íon na vida. Querendo roubar ou ceder a qualquer custo meus elétrons, minhas vontades, meu tesão. Ao seu lado, porém, aprendi a buscar o equilíbrio. E pretendo mantê-lo.
Nossa união é a neutralização, que me traz paz, de todos os ácidos e base que borbulham toda vez que lhe vejo.
Não pretendo formar consigo um sistema homogêneo. Querendo respeitar a heterogeneidade, cada fase, cada estado que nós comporá.
Dê-me a formula, que só você possui, para agitar minhas moléculas, aumentar minhas temperatura, enlouquecer minha pressão!
Como, por favor me revele, você consegui modificar em segundos, todo sólido pesado e obscuro que povoa meu coração em gazes que se dissipam pelo ambiente, levando consigo inclusive as más lembranças.
Façamos a distribuição das nossas experiências vividas na diagramação de Pauling, encontrando os “S´s”, “P’s”, “D’s” e, em cada uma das letras, marcar, como em ferro, o nosso amadurecimento, nossa felicidade.
Foi amor desde o primeiro momento.
Relação física, pois moldamos nosso estado, mas nunca nossa composição.

Por isso te amo.

(As pessoas que posaram para foto em preto e branco são dois amigos meus de Conquista. Lindos. Adoro!)

Esse texto fiz para minha irmã... impulsionda pela melancolia dos tempos de fardamento, ajudei-a num trabalhinho de química. Não consigo não mimá-la!

Aqui é ela... dando o ar da graça em Fernando de Noronha.

Contos nada proíbidos

2005-11-17T16:24:00.000-03:00

O filme “Contos Proibidos do Marquês de Sade” (Quills, título original) produzido nos EUA, ano 2000, estrelado por Geoffrey Rush, Kate Winslet, Joaquin Phoenix, Micheal Cane, dirigido por Philip Kauffmam – passa-se no século XVIII, em plena Revolução Francesa, onde há uma grande inquietude e temas sobre moralidade, ética, direitos humanos são questionados. Como o próprio título diz, a história tem como foco um dos escritores mais obscenos e crus da história. Em 124 minutos, dá-se para sentir asco, admiração, vontade, surpresa e choque. O realismo e o naturalismo (movimentos artísticos e literários bem a frente do seu tempo) estão pincelados em cada take do longa, cujo ambiente se deu em, um local muito qualificado para as transcendências do Marquês, um hospício – corporificação da idéias, anarquistas, que povoam as mentes insanas: “Meu texto sendo filtrado pelas cabeças dos loucos... Talvez eles o aperfeiçoem” diz Sade numa das desesperadas tentativas de reproduzir os seus desvarios.
Geoffrey incorpora verossimilmente a figura irônica e sarcástica do marquês subversor. Desejos, apetite e toda simbologia voltada para a concupiscência são muito bem expressos em cada palavra, gestos e “balangandãs” fálicos colecionadas por ele. O excêntrico Donatien Alphonse Francois de Sade, ao escrever seus contos abordava a dicotomia mais clichê do ser humano (o Bem e o Mal), contudo o fazia de maneira inovadora, já que acreditava que estas duas características residem no homem de maneira proporcional (mesmo que, momentaneamente, um se sobrepusesse ao outro). Este ponto de vista descaracteriza todo o pensamento maniqueísta declamado e defendido hegemonicamente pela Igreja a mais de dezesseis séculos. A ruptura com o romântico, a desmistificação das instituições contemporâneas é retratada de maneira tão crítica, que encanta aqueles que procuram por uma visão menos idealizada da história e escritores tradicionais.
Dentre imundices, cenas bizarras, Sade sorria de modo vanguardista ao fazer apologia ao ateísmo, coisa que lhe rendeu vinte e sete anos de prisão (os anos mais produtivos de sua vida, tendo escrito Justine e outros tantos). O escritor, ao expor no papel suas perversas fantasias, segurava um espelho o qual refletia a humanidade na sua mais obscura faceta: a própria condição humana: “Sade aponta para nossa nudez, sem meios tons. Sade é nojento. Sade é sublime. A ambigüidade essencial da consciência – é isso que o Marquês de Sade faz aflorar. Lendo ou vendo-o em cena, o que se vê é o nosso lado sombrio”, escreveu João Silvério Trevisan[1]. Ele golpeia os [falsos] moralismos quando aborda, cheio de malícia, assuntos socialmente abafados tais quais: sodomia, homossexualismo, perversão, sadismo – esta palavra deriva-se do seu próprio nome Sade - e masoquismo. O ser REAL é aquele que protagoniza o filme, sem idealização ou romantismo (abrindo-se exceção para a personagem Madeleine).
O roteiro de Doug Wrigth, os olhos e perspicácia de Kauffman conseguem produzir gloriosamente os últimos dez anos revolucionários e desesperados do Marquês. O figurino, os atores, o cenário, a linguagem todos estes aspectos somados representam fotograficamente a pompa da época das guilhotinas. Nem fisicamente silenciado Sade permitiu que sua produção cessasse. “Engolindo” as tradições, seu corpo morre com um crucifixo preso à faringe, porém suas palavras ainda ecoam na “moral” de todos os sádicos hodiernos, incomodando muitos, inclusive aqueles que se intitulam progressistas.

[1] João Silvério Trevisan faz parte da Companhia de Teatro “Os Satyros” (SP)

Emilly Dias

Merda

2005-11-04T16:43:00.000-03:00

Caetano Veloso
Composição: Caetano Veloso

Nem a loucura do amor,
da maconha,
do pó,
do tabaco e do álcool
Vale aloucura do ator
quando abre-se em flor sob as luzes no palco
Bastidores, camarins, coxias e cortinas
São outras tantas pupilas, pálpebras e retinas
Nem uma doce oração, nem sermão,
nem comício à direita ou à esquerda
Fala mais ao coração do que a voz de um colega
que sussurra "merda"
Noite de estréia, tensão, medo, deslumbramento, feitiço e magia
Tudo é uma grande explosão
mas parece que não quando é o segundo dia
Já se disse não foi uma vez, nem três, nem quatro
Não há gente como a gente, gente de teatro
Gente que sabe fazer a beleza vencer pra além se toda perda
Gente que pôde inverter para sempre o sentido da palavra "merda"
Merda, merda pra você
Desejo merda
Merda pra você também
Diga merda e tudo bem
Merda toda noite e sempre a merda

O Poeta-operário

2005-11-04T15:39:00.000-03:00

Grita-se ao poeta:
"Queria te ver numa fábrica!
O que? Versos? Pura bobagem".
Talvez ninguém como nós
ponha tanto coração
no trabalho.
Eu sou uma fábrica.
E se chaminés
me faltam
talvez seja preciso
ainda mais coragem.
Sei.
Frases vazias não agradam.
Quando serrais madeira
é para fazer lenha.
E nós que somos
senão entalhadores a esculpir
a tora da cabeça humana?
Certamente que a pesca é coisa respeitável.
Atira-se a rede e quem sabe?
Pega-se um esturjão!
Mas o trabalho do poeta é muito mais difícil.
Pescamos gente viva e não peixes.
Penoso é trabalhar nos altos-fornos
onde se tempera o ferro em brasa.
Mas pode alguém
acusar-nos de ociosos?
Nós polimos as almas
com a lixa do verso.
Quem vale mais:
o poeta ou o técnico
que produz comodidades?
Ambos!
Os corações também são motores.
A alma é poderosa força motriz.
Somos iguais.
Camaradas dentro da massa operária.
Proletários do corpo e do espírito.
Somente unidos,somente juntos remoçaremos o mundo,
fá-lo-emos marchar num ritmo célere.
Diante da vaga de palavras
levantemos um dique!
Mãos à obra!
O trabalho é vivo e novo!
Com os oradores vazios, fora!
Moinho com eles!
Com a água de seus discursosque façam mover-se a mó!

Maiakovski

Quero conhecer Foucault, quem me apresenta?

2005-10-30T13:25:00.000-03:00

Peguei este resumo do livro "Por uma vida não Facista ", de Foucault num site que é anti o copyright.
O resumo é bom, dá vontade de ler ao livro. O pus com intuito de ele servir de incentivador da curiosidade!
Quem souber mais, por favor, manda informações para meu e-mail: milly.dias@gmail.com
Abraços!

Michel Foucault:

Por Uma Vida Não Facista

Coletivo Sabotagem (Org,)[add: 25\01\2005]

"Essa arte de viver contrária a todas as formas de fascismo, que sejam elas já instaladas ou próximas de ser, é acompanhada de um certo número de princípios essenciais, que eu resumiria da seguinte maneira se eu devesse fazer desse grande livro um manual ou um guia da vida cotidiana: Libere a ação política de toda forma de paranóia unitária e totalizante;

Faça crescer a ação, o pensamento e os desejos por proliferação, justaposição e disjunção, mais do que por subdivisão e hierarquização piramidal;

Libere-se das velhas categorias do Negativo (a lei, o limite, a castração, a falta, a lacuna), que o pensamento ocidental, por um longo tempo, sacralizou como forma do poder e modo de acesso à realidade. Prefira o que é positivo e múltiplo; a diferença à uniformidade; o fluxo às unidades; os agenciamentos móveis aos sistemas.

Considere que o que é produtivo, não é sedentário, mas nômade; Não imagine que seja preciso ser triste para ser militante, mesmo que a coisa que se combata seja abominável. É a ligação do desejo com a realidade (e não sua fuga, nas formas da representação) que possui uma força revolucionária; Não utilize o pensamento para dar a uma prática política um valor de verdade; nem a ação política, para desacreditar um pensamento, como se ele fosse apenas pura especulação. Utilize a prática política como um intensificador do pensamento, e a análise como um multiplicador das formas e dos domínios de intervenção da ação política;

Não exija da ação política que ela restabeleça os “direitos” do indivíduo, tal como a filosofia os definiu. O indivíduo é o produto do poder. O que é preciso é “desindividualizar” pela multiplicação, o deslocamento e os diversos agenciamentos. O grupo não deve ser o laço orgânico que une os indivíduos hierarquizados, mas um constante gerador de “desindividualização”; Não caia de amores pelo poder."

T.R.O.P.I.C.A.L.I.S.M.O

2005-10-27T17:20:00.000-03:00

1967. Vaias. Durante o III Festival de Música Popular Brasileira, transmitido pela Rede Record, jovens se reúnem para anunciar o incipiente movimento – que adequa para si características do Modernismo brasileiro, sobretudo a Primeira Geração e, mais singularmente o Movimento Antropofágico – que irá descaracterizar toda a música entitulada “Popular Brasileira”, a qual, até então, era formada apenas pela Bossa Nova e Samba.
Mesclando a música de raiz às guitarras elétricas e aproveitando-se da influência internacional dos Beatles, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé e Os Mutantes começaram a fabricar uma maneira inusitadamente chocante de se fazer música, letras e canções. Os arranjos ficavam por conta de Rogério Duprat.
Em menos de um ano, algumas vaias se transformaram em aplausos durante o III Festival da Canção (FIC), veiculado pela Rede Globo de Televisão, em 1968. Caetando Veloso, enquanto cantava a música “É Proibido Proibir”, inspirada em frases pichadas nas paredes por representantes do Movimento Estudantil e Contracultura, ambos franceses, viu a Semana de Arte Moderna (Brasil, 1922) ressurgir, perante a chuva de ovos podres que voavam em sua direção. Em resposta às vaias e agressões, ele declamou seu famoso, improvisado e apoteótico discurso:

- “Se vocês forem em política assim como são em estética, estamos fritos! Me desclassifiquem junto ao Gil! Enquanto a vocês, o júri é simpático, mas incompetente. Deus está Solto!!”

Também neste ano a corporificação do movimento deu-se com o lançamento do álbum-manifesto Tropicália ou Panis et Circencis, seguindo a mesma linha desconstrutora que fora “inventada” pelo grupo inglês, The Beatles, fundamentada no disco “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band”.
Três meses após a apresentação no III FIC, os militares outorgaram o AI5. A censura fora protegida pela Constituição Brasileira. Qualquer ato dos tropicalistas estavam sendo minunciosamente observados. Na primeira oportunidade, os baianos fundadores do movimento foram exilados em Londres. Em detrimento disso, o Tropicalismo perde o fôlego e vê seu declínio em 1969.
Mesmo aparentemente fugaz, esses dois anos (1967 – 1969) foram bastante expressivos, pois abriram as portas para o desenvolvimento de uma nova maneira de fazer música nacional.

Emilly Dias e Betina Sigg

Dicas para leitura:
CALADO, Carlos. Tropicália: A história de uma revolução musical. Ed. 34: São Paulo, 1997.

Dicas de filme:
Doces Bárbaros, de Jom Tob Azulay (Este filme eternizou a primeira reunião do quarteto –Gal, Gil, Caetano e Maria Betânia, em 1976)

Brincando de ser criativa.

2005-10-27T15:31:00.000-03:00

O silêncio [1]

“Antes de existir enciclopédia existia alfabeto, antes de existir alfabeto existia a voz, antes de existir a voz existia o silêncio. O silêncio foi a primeira coisa que existiu. Um silêncio que ninguém ouviu”

Como seria produzir um texto escrito sem a mínima noção do que é palavra? Simplesmente, não haveria condições já que a memória e o aprendizado não são construídos do vácuo, eles vêm do reconhecimento de algo muito maior como, por exemplo, a linguagem.
O primeiro contato com a palavra, dá-se no processo de alfabetização, onde uma simples figura torna-se signo que, futuramente, tornar-se-á algo imprescindível importância na dinâmica social de cada indivíduo. Cada nova palavra aprendida adquire uma imagem, que se estabelece como figura única do objeto que ela representa, na mente de cada um. Arrisco-me, inclusive, a dizer que o homem nasce novamente ao penetrar no universo literário.
As crianças mergulham no País das Maravilhas, de Alice, quando transcendem prazerosamente as páginas com escrituras, as quais são reforçadas pelas imagens. A representação colorida do mundo infantil começa nos devaneios literários. Assim, funciona a alfabetização, pois ela permite que a criança adquira a capacidade de encher o papel com as palavrinhas e pensamentos que floreiam sua imaginação.
O salto qualitativo da escrita pode ser notado na evolução das letras garrafais para a manipulação do caderninho de caligrafia. Este pode ser, num momento vivido, utilizado com grande escárnio. Contudo, a lapidação da habilidade componente do “si” poderá ser apreciada com glamour por alguns (poucos) aprendizes. Com toda certeza, Renato Ortiz[2], Luís Fernando Veríssimo, agradecem a existência do alfabeto.
Como começamos a escrever? Isto é notadamente complexo para desenvolver. Acredito que a alfabetização apenas não é capacitadora de escritores, mas sim um inicio. Escrever é uma infindável busca pela “perfeição”. O trabalho final sempre será um rascunho. Os erros permeiam o texto, o acerto vem como conseqüência. É um ato pessoal, expressão do conhecimento, sua subjetividade objetiva. E, para que este processo se concretize, a obtenção de vocabulário, conhecimento da língua, do mínimo de regras gramaticais e o hábito de leitura, serão necessários.
Numa perspectiva geral, Faraco & Tezza[3] definem a língua “não como uma realidade monolítica, homogênea, uniforme, mas como um conjunto de variedades. Essas variedades, entretanto, não se limitam à realidade oral da língua. De fato, a representação gráfica da língua, a escrita, igualmente apresenta um imenso leque de variedades. Basta abrir um jornal para perceber que aquilo que costumamos chamar de “língua portuguesa” é um conjunto de linguagens que diferem bastante umas das outras num grande número de aspectos. Essas diferenças estão diretamente ligadas à intencionalidade de quem produz o texto, o assunto, o destinatário, etc.”
A língua em questão é o português brasileiro. Ela provocará a identificação nacional e, pelo fato de o Brasil englobar vários “Brasis”, falo da Bahia e, com todas as características próprias do local de onde venho, ela ressalta minha regionalidade.
Portanto, “A linguagem não é um meio neutro que se torne fácil e livremente a propriedade intencional do falante, ela está povoada ou superpovoada de intenções de outrem. Dominá-la, submetê-la às próprias intenções e acentos é um processo difícil e complexo[4]”.

Emilly Dias

[1] Música composta por Carlinhos Brown e Arnaldo Antunes.
[2] Renato Ortiz é professor de Sociologia da Universidade de Campinas- UNICAMP.
[3] FARACO, C.A. & TEZZA, Cristóvão. Prática de Texto. Petrópolis: Vozes. 1992
[4] Bakhtin, Mikhail. Questões de literatura e estética, p. 100

Para ver mais fotos acessem o site: http://www.irancartoon.com/100/ShutUp/

Tem ótimas ilustrações, vale a pena confeir!

Millôr Fernandes e sua ironia!

2005-10-27T14:44:00.000-03:00

Millôr foi uma vítima da ortografia. Nasceu em 16 de agosto de 1923, no Rio, como Milton Viola Fernandes. Registrada depois (seu aniversário oficial é em 27 de maio de 1924), a certidão de nascimento foi grafada de tal jeito que o t de Milton parece um l seguido por um acento, e o n, um r. Foi assim que, aos 17 anos, Milton soube que seu nome era Millôr. Talvez por revanche, construiu uma carreira de rupturas com o português padrão, com vôos de imaginação lingüística que, a rigor, formam gramática própria. "Não passo um dia sem escrever." Fez de tudo: roteirista, ilustrador, dramaturgo, compositor, ator. Não bastasse, é tradutor de Shakespeare, Pirandello, Racine e outros clássicos em cujos idiomas foi autodidata. Seu raciocínio é tão ágil que as palavras se atropelam na voz gutural e oar maroto dá um a mais de jovialidade à silhueta magra. Na cobertura em Ipanema, sentado, olha uma jogada do brasileiro Kaká, pela TV. "O futebol é o raro reduto da glória com mérito" Como se uma coisa chamasse outra, fustiga o escritor Paulo Coelho: "Vende muito, mas é merecidamente desprezado porque faz uma merda de literatura".

O estrangeirismo empobrece a língua portuguesa?

De maneira nenhuma. Antigamente, tivemos palavras como porta-seios, uma coisa muito feia, que felizmente foi substituída pelo galicismo "sutiã". Toda língua é invadida e, como mulher, fecundada.De vez em quando a nossa leva na bunda, mas nada que, lavada, não fique novinha. Houve tempo em que o galicismo era uma aberração. Não se podia escrever "amante", mas "amásia". Era assustador.Uma vez, era menino, escrevi um conto em que um cara sai pela rua gritando: "Assassinato! Assassinato!" Quiseram que eu colocasse, por respeito à língua, "assassínio", pra evitar o "galicismo"... Quem sai à rua gritando "Assassínio!" é bicha.

Os excessos, como sale, delivery ou 50% off não incomodam a você?

O estrangeirismo não me incomoda. É evidente que essa coisa pouco natural de importar outra língua é muito Barra da Tijuca [bairro da elite carioca], é esse negócio de Estátua de Liberdade de gesso colocada na frente da porta. Pode haver a penetração que quiser, mas é preciso fazer as coisas que nos são naturais. O cara que use delivery com as nega dele. Eu, por exemplo, escrevo aquilo que chega até mim, naturalmente. Devo ter sido a primeira pessoa a escrever whisky na forma "uísque". E ficou. Uso "saite" no lugar de site, que já está consagrada. Os portugueses usam "sítio" e é legítimo. A língua é assim, arbitrária. Se dependesse só do meu arbítrio, aí eu faria uma moção pros órgãos oficiais. Não há porquê do Banco do Brasil usar home delivery quando poderia simplesmente fazer "entrega em domicílio". Os órgãos oficiais brasileiros não podem fazer esse tipo de coisa.

Dos nossos ex-presidentes e do atual - Sarney, FHC e Lula - quem se expressa melhor em português?

Que parada! Fernando Henrique diz besteiras o tempo todo. Como um cara inteligente diz que o povo deveria fazer checkup e que tem o pé na cozinha? Teria o pé na África e olhe lá. Ao dizer "pé na cozinha", é pejorativo. Fernando Henrique é empolado demais da conta. Já o Lula diz bobagens do tipo "as mulheres são desaforadas". Diz também sem saber o que está dizendo. Pensa que está elogiando, sendo engraçadinho, mas não tem noção das palavras. Ocorre que ele tem pronúncia até melhor que o FHC, mesmo engolindo palavras. Já Sarney é o Lula em barroco. Escreve um romance débil mental e passa a ser considerado uma revolução nas letras nacionais.

Gramática do Bom humor
By Millôr

Quando os eruditos descobriram a língua, ela já estava completamente pronta pelo povo. Os eruditos tiveram apenas que proibir o povo de falar errado.
§
No principio era o verbo. Defectivo, naturalmente.
§
Entre o porque e o por quê a mais bobagem gramatical do que sabedoria semântica.
§
Por quê? É filosofia. Porque é pretensão.
§
Está bem, lingüista, se dois é ambos, por que três não é trampos? As palavras nascem saudáveis e livres, crescem vagabundas e elásticas, vivem informes, informais e dinâmicas. Morrem quando contraem o câncer do significado definitivo e são recolhidas ao CTI dos dicionários.
§
É evidente que no princípio foi a interjeição, insopitável pelo espanto diante do fogo, do raio. Depois foi o substantivo para designar a pedra e a chuva. E logo o adjetivo, que fazia tanta falta para ofensas. Mas eles continuam insistindo em que no princípio era o verbo.
§
Que língua, a nossa!A palavra oxítona é proparoxítona.
§ Para saber mais, acessem ao site da Revista Língua Portuguesa.

Dom Quixote: 400 anos de publicação

2005-10-23T20:20:00.001-03:00

Dom Quixote

Maria Rita
Composição: César Camargo Mariano & Lula Barbosa

Cavaleiro andante estrela marginal
Sobre o Rocinante escravo de metal
Um acorde rasga o céuRaio negro a cavalgar o som
E cavalgar sozinho... e cavalgar
Viverá pra sempre em nosso coração
O moinho vento nova geração
Um menino vai crescer
Procurando em cada olhar o amor
E caminhar, sozinho... e caminhar

Tanta gente se esconde do sonho com o medo de sofrer
Tanta gente se esquece que é preciso viver
Combater moinhos, caminhar entre o medo e o prazer

Somos todos na vida, qualquer um de nós
Vilões e heróis,vilões e heróis
E seja onde for, qualquer lugar
Levar a luz que te conduz
Jamais abandonar o dom que te seduz
E seja onde for, qualquer lugar
Levar a luz que te conduz
Jamais abandonar o dom que te seduz

Os meus parabéns para Cervantes. Você trouxe para nós alguém que sonha e luta por aquilo que almeja!

Imagem: Dom quixote e Sancho Pança, de Cândido Portinari

Dom Quixote

Mutantes
Composição: Rita Lee/ Arnaldo Baptista

A vida é um moinho

É um sonho o caminho

É do Sancho, o Quixote

Chupando chiclete

O Sancho tem chance

E a chance é o chicote

É o vento e a morte

Mascando o Quixote

Chicote no Sancho

Moinho sem vinho

Não corra me puxe

Meu vinho meu crush

Que triste caminho

Sem Sancho ou Quixote

Sua chance em chicote

Sua vida na morte

Vem devagar

Dia há de chegar

E a vida há de parar

Para o Sancho descer

E os jornais todos a anunciar

Dulcinéia que vai se casar

Vê, vê que tudo mudou

Vê, o comércio fechou

Vê e o menino morreu

E os jornais todos a anunciar

Armadura e espada a rifar

Dom Quixote cantar na TV

Vai cantar pra subir

A rose for Emily

2005-10-23T02:00:00.000-03:00

A rose for Emily
The Zombies

The summer is here at last
The sky is overcast
And no one brings a rose for Emily
She watches her flowers grow
While lovers come and go
To give each other roses from her tree
But not a rose for Emily...

Emily, can't you see
There's nothing you can do?
There's loving everywhere
But none for you...

Her roses are fading now
She keeps her pride somehow
That's all she has protecting her from pain
And as the years go by
She will grow old and die
The roses in her garden fade away
Not one left for her grave
Not a rose for Emily...

Emily, can't you see
There's nothing you can do?
There's loving everywhere
But none for you...

Her roses are fading now
She keeps her pride somehow
That's all she has protecting her from pain
And as the years go by
She will grow old and die
The roses in her garden fade away
Not one left for her grave
Not a rose for Emily...

Uma do Luís Fernando Veríssimo

2005-10-20T21:18:00.000-03:00

Eu tenho o sono muito leve, e numa noite dessas notei que havia alguém andando sorrateiramente no quintal de casa. Levantei em silêncio e fiquei acompanhando os leves ruidos que vinham la de fora, até ver uma silhueta passando pela janela do banheiro. Como minha casa era muito segura, com grades nas janelas e trancas internas nas portas, não fiquei muito preocupado mas era claro que eu não ia deixar um ladrão ali, espiando tranquilamente.

Liguei baixinho para a polícia informei a situação e o meu endereço. Perguntaram-me se o ladrão estava armado ou se já estava no interior da casa. Esclareci que não e disseram-me que não havia nenhuma viatura por perto para ajudar, mas que iriam mandar alguém assim que fosse possível.

Um minuto depois liguei de novo e disse com a voz calma:- Oi, eu liguei há pouco porque tinha alguém no meu quintal. Não precisamais ter pressa. Eu já matei o ladrão com um tiro de escopeta calibre 12, que tenho guardada em casa para estas situações. O tiro fez um estrago danado no cara!Passados menos de três minutos, estavam na minha rua cinco carros da polícia, um helicóptero, uma unidade do resgate , uma equipe de TV e a turma dos direitos humanos, que não perderiam isso por nada neste mundo.Eles prenderam o ladrão em flagrante, que ficava olhando tudo com cara deassombrado. Talvez ele estivesse pensando que aquela era a casa do Comandante da Polícia.No meio do tumulto, um tenente se aproximou de mim e disse:- Pensei que tivesse dito que tinha matado o ladrão. Eu respondi: - Pensei que tivesse dito que não havia ninguém disponível.

Bar du Soleil

2005-10-12T19:06:00.000-03:00

Situando o contexto cultural.

Sou brasileira, " fora do normal", tento evitar a vinculação aos vícios da sociedade hodierna.

Não quero a padronização.

E é na esperança de encontrar a beleza no diferente - sem os modelos pré-definidos de cor, tamanho, peso, extensão, parágrafos, desenvolvimento... - que me remeto ao hibridismo e misturo.

Busco a beleza da imagem dourada para me sentir livre e ligar as pontas soltas das nuanças culturais que podem ser, momentaneamente, juntas. No mesmo apartamento, espaço, cubículo, desfrutando os mesmos direitos.
Por que não fazer uma nova maneira de se contar histórias?
Penso em Nouvelle Vague. Nos Beatles e Mutantes!
Acredito na mudança!
O Objetivo aqui é crescer.
Trocar conhecimento.
Amanos cultura popular!
Não vamos restringir esta página aos fetiches nostálgicos.

Celebremos a diversidade!

Com isso, podemos começar uma ruptura?

Você é bem vindo!

Join Us.

Esta foto é da revista Vogue - Bar du Soleil.

Le premier Bonheur du Jour

2005-10-12T15:38:00.000-03:00

Françoise Hardy
Versão: Os Mutantes

Le premier bonheur du jour
C’est un ruban de soleil
Qui s’enroule sur ta main
Et caresse mon épaule
C’est la soufle de la mére
Et la plage qui atend
C’est l’oiseau qui a chantée
Sur la branche du figée
La premier chagrun du jour
C’est la porte qui se ferme
La voiture qui s’en va
Le silence qui se instale
Mais bien vite tu revien
Et ma vie retorn son course
Le denier bonheur du jour
C’est la lamp quis s’atend

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